Наверное каждый, кто ставил целью прокачать навык иллюстрации, будь она в формате digital (созданная в графических программах) или в традиционных техниках (т.е. “от руки”, на бумагехолсте и т.д.) сталкивался с проблемой поиска своего стиля.
Моя тяга к иллюстрации началась, наверное, с рисунков на полях тетрадей в школе. Помню, как неловко потом было сдавать лекции на проверку с этими “произведениями искусства” на половину листа, но, думаю, учителя к этому со временем привыкли 🙂
В какой-то момент я осознала, что родители ещё давненько покупали мне графический планшет, который уже годы пылится без дела. И вот я, наконец, для него созрела и начала самостоятельное изучение Photoshop. Статьёй ранее упоминала о том, что стоило бы иногда опираться на уроки из интернета для ускорения прогресса, но в интуитивном познании программы тоже есть свои плюсы – знания более крепко остаются в памяти и в дальнейшем изучать другие интерфейсы будет проще. Так что, наверное, идеальный вариант – сочетать уроки и самостоятельную практику.
Как сделать иллюстрацию качественнее? Начни с лайна.
Первые иллюстрации были жутко неказистыми и неопрятными. В настоящее время я до сих пор бьюсь над аккуратностью своего лайна, потому как от него очень зависит конечный результат.
Даже талантливейший “покрас” не спасёт дрожащие и “волосатые” линии. Поэтому отрисовка контуров должна проходит в несколько шагов:
- Эскиз. Может быть размытым и неряшливым, на этом этапе идёт поиск основных форм, позы персонажа и его телосложения.
- Набросок. Уточняем эскиз, более подробно прорисовываем одежду, волосы и прочие объекты, работаем над мимикой.
- Итоговый лайн. Лучше выбирать кисть с динамикой формы, то есть чтобы толщина и яркость линии менялись от степени нажатия на стилус. Нужно постараться создавать контур лёгким движением руки, не вести линию слишком медленно, иначе она получится дрожащей. Не проводить по одному и тому же месту по несколько раз и стараться не делать лайн прерывистым и “волосатым”. С первого раза положить контур на нужное место может не получиться, вместо ластика стоит использовать команду ctrl+z и провести линию заново.
Для объектов на переднем плане можно использовать кисть с большей толщиной, для дальнего плана – тонкую. Также весь лайн может быть выполнен и кистью одной толщины.
Как прокачать скилл и набрать подписчиков – популярный и рабочий способ
Начала я поиск своего стиля с иллюстраций по фотографиям. В своей группе вк я попросила подписчиков скидывать мне их фото, чтобы я бесплатно рисовала их в стилизации и попутно нарабатывала навык, а в качестве благодарности прекрасно служили репосты.
Также действенный способ увеличить свою аудиторию – рисовать известных блогеров и молодых знаменитостей, активных в сети, плюс участвовать в различных художественных челленджах. Размещение своих работ в группах вк, посвящённых творчеству, может не только привлечь заинтересованных пользователей в твой паблик, но и подарить долю полезной критики и советов.
Поначалу, как я и говорила, получалось совсем не очень, хоть и присутствовала забавная “мультяшность”. Но только я наткнулась на фотографии, которые мне действительно нравились и обладали нужным настроением, как свой стиль начал проклёвываться. Я поняла, что мне нравится делать формы “дерзкими”, цвета сочными, чтобы была некоторая ассоциация с уличными граффити. Так что найди фотографии, которые тебе действительно нравятся, и постарайся нарисовать их так, как ты чувствуешь. Чувственное начало – и есть основа своего стиля, оно показывает людям, как ты видишь этот мир.
Аккуратность линий и исполнения цветом по-прежнему оставляла желать лучшего (да и на сегодняшний день требует немало обучения) , но уже появилась некоторая изюминка. Надо сказать, что тогда я совершенно не смотрела работы других иллюстраторов и художников. Думаю, для формирования уникальности это имеет смысл, но всё же в замкнутом мире только своего творчества оказываешься слеп на качество работ. Вывод – анализируй работы опытных иллюстраторов и отмечай те черты, которые тебе нравятся.
Внедрение иллюстраций в творческие проекты
На тот период времени я уже поступила в институт на специальность графический дизайн, так что активно стала применять иллюстрацию и в учебных проектах. При этом моё мышление оказалось довольно далёким от графического дизайна, было очень сложно понять, как сделать хороший макет, тянуло делать всё нарисованным и мультяшным.
Постепенно начала брать небольшую плату за заказы по иллюстрации на аватарки и подарки – от 300 рублей за картинку. В основном, заказывали друзья и знакомые, и считаю, что оказали мне огромную поддержку на этом начальном этапе иллюстрации, так как показали, что на этом можно и нужно зарабатывать, что я могу создавать прикольные вещи. Когда начинаешь делать иллюстрации за деньги, то смотришь на них не только своим взглядом, но и как увидит их заказчик. Это тоже “пинок” к развитию.
Во время учёбы в институте я жила в студенческом общежитии. Несмотря на все его нюансы, был и ряд плюсов, среди которых общение с обучающимися на других творческих специальностях – режиссёрами, фотографами, журналистами, музыкантами и хореографами. Благодаря этому удавалось иногда поучаствовать в интересных проектах, таких как создание короткометражных мультфильмов и обложек для музыкальных треков.
Опора на иллюстрации успешных digital-художников
Вскоре всё-таки начала интересоваться творчеством других digital-художников, и самым любимым из них стал стиль Юрия Шведова (Yuri Shwedoff). Отличительной особенностью его артов является очень сдержанная и зачастую довольно тёмная цветовая гамма, тематика будущего, фантастики и сверхспособностей. Его творчество ассоциируется у меня с музыкой группы M83. Несколько своих иллюстраций я рисовала, основываясь именно на данной стилистике.
Вторым зацепившим меня художником стала Liana Anatolevich, она же kycaka. Живость линий, смелые цвета и динамичные композиции сразу привлекли внимание, захотелось уметь столь же сочно рассказывать историю в одной иллюстрации.
На одном из занятий по живописи одногруппницы подошли к написанному мной портрету, и одна сказала: “Необычно получается, сразу видно, что твоя работа”. Вторая ответила: “Ну, у неё уже свой стиль, как и в иллюстрациях”. Тогда я поняла, что в иллюстрации движусь в правильном направлении, а вот в живописи, пожалуй, стилизация иногда ни к чему 🙂
Свою роль в отрисовке персонажей сыграли и уроки по рисунку в институте, где преподаватель просил нас приносить каждую неделю по 50-100 набросков тела человека в различных позах. Во время длительных поездок на метро я тоже устраивала себе тренировки в набросках – рисовала пассажиров напротив, причём делать это нужно было быстро, пока человек не доедет до своей станции. Знаю, что это практика довольно распространена среди студентов.
Итак, как выработать свой стиль и создавать качественные иллюстрации:
- Работать над лайном, научиться создавать аккуратные и живые линии.
- Изучать правила цветовых гармоний, научиться подбирать приятный колорит изображения. В этом помогут примеры иллюстраций других художников или, например, готовые цветовые палитры, они в изобилии присутствуют на Пинтересте.
- Понимать принципы освещения, как накладывать светотень.
- Практиковаться на стилизации фотографий друзейподписчиковпопулярных личностей.
- Нарабатывать навык в отрисовке различных поз человека в статике и динамике.
- В создании персонажа отталкиваться от простых форм и идти в направлении их усложнения.
- Отталкиваться от опыта успешных digital-художниов и иллюстраторов, формировать насмотренность. Анализируй их работы и отмечай те черты, которые тебе нравятся.
- Определить, для какой аудитории планируется создавать иллюстрации: книжная иллюстрация, детская иллюстрация, создание персонажей, локаций и объектов для игр, отрисовка комиксов, иллюстрации для сайтов и фирменного стиля и иллюстрации для анимации – каждая разновидность имеет свои особенности. В digital формате иллюстрация делится на векторную и растровую, 3D и 2D, и требует знания разных программ.
- Найди фотографии, которые тебе действительно нравятся, и постарайся нарисовать их так, как ты чувствуешь.
- Рисовать, рисовать и рисовать.
Желаю каждому найти свой стиль, который будет вам по кайфу и зацепит окружающих. Ну, а я продолжу работать над своим скиллом и делиться опытом с вами 😉 Спасибо за прочтение!
#иллюстрация #комиксы #свойстиль #иллюстратор #художник #digitalart #саморазвитие #photoshop #персонаж #портретпофото
Некоторые художники не могут дать ответ, даже начиная пересматривать свои работы.
Возможно, именно в незнании вашего стиля кроется причина вашей неуверенности, когда кисть прикасается к холсту. Найти свой стиль в рисовании очень важно. Это помогает чувствовать себя увереннее и быстрее находить идеи и вдохновение.
Сразу предупреждаем, что нет пошаговой инструкции того, как найти свой стиль в иллюстрации. На то он и ваш личный, уникальный. Стиль должен быть аутентичным, должен отражать личность автора.
Поэтому в этой статье мы только расскажем советы, и следуя им вы можете найти направление. Направление, из которого в будущем сможете развить собственный уникальный стиль.
Иллюстрация сделана преподавателем Procreateschool Евгенией Назаровой
Каждый из нас по своему уникален. Как часто вы слышали эту фразу? Уверена, что тысячи раз. Но она до сих пор не ощущается правильно. Ведь большинство идей приходит только тогда, когда вы смотрите чужие работы, и вы поражаетесь: как ему пришла такое в голову?
Да, вы можете копировать работы художников, кто вас вдохновляет. Для вас это станет хорошим упражнением, возможностью набить руку. Стоит как следует изучить и проработать детали, которые у вас до этого плохо получались.
Но публиковать копии чужих работ не стоит — я думаю, вы это понимаете. Преподнесите себя как уникальную личность, оставляя изюминку в своем творчестве. Попробуйте брать чужие идеи за основу, но максимально видоизменять их по себя. Со временем вы поймете, что вам нравится и начнете двигаться в этом направлении.
Иллюстрация сделана преподавателем Procreateschool Евгенией Назаровой
Задумайтесь и вспомните о тех рисунках, которые у вас получались лучше всего. Можете заглянуть в свои работы, чтобы найти ответ. Посмотри вот на что:
-
Определитесь с каким цветом вам нравится больше всего работать.
-
Создайте список любимых вами тем. На какие темы, мотивы вам легче всего рисовать?
Ответы могут прийти не сразу. Не расстраивайтесь — читайте дальше.
Иллюстрация сделана преподавателем Procreateschool Евгенией Назаровой
Каждый человек должен учиться находить и признавать свои ошибки. Нам обычно с детства прививают мысль о том, что ошибки — это плохо. На самом деле, ошибки — это лучшее, что может быть. Это именно то, что позволяет вам расти. Становиться лучше, не стоять на месте.
Художники этому не исключение. Практически у каждого есть свои слабые стороны. Те детали, которые у вас очень плохо получаются и практически не используются в роботах.
Да, можно не обращаться на это внимание, ведь у вас есть еще и сильные стороны. Стоит больше прикладывать усилий для развития сильной части. Но и с трудностями также необходимо бороться, уделить немного времени для того, чтобы проработать свои ошибки. Старайтесь развиваться во всех областях — тогда в дальнейшем для вас не будет ничего непреодолимого.
Иллюстрация сделана преподавателем Procreateschool Евгенией Назаровой
Эти аспекты хотелось бы упомянуть отдельно. Например, взять строение человека. Вы должны знать о каждой косточке, которая находится внутри нас, чтобы создать реалистичную иллюстрацию.
Как только вы изучите структуру построения дома, вам будет нетрудно создать целый город.
Поэтому старайтесь развиваться всесторонне.
Если вы в рисовании совсем недавно и у вас ещё нет больших результатов, не стоит опускать руки и тем более сравнивать себя с великими иллюстраторами и художниками. У каждого из нас свой путь и своя точка старта. Помните об этом.
Каждый из нас начинал свой путь с нуля, не сдались и работали над своими ошибками. Будьте готовы к тому, что вам понадобится немало терпения, ведь рисование требует усидчивости. Практиковаться нужно постоянно, вне зависимости от того, добились вы уже каких-либо высот или еще в процессе.
Изучайте разные техники рисования и материалы. Искусство тоже никогда не стоит на месте, развитие очень важно. Рисуйте, что вдохновляет, постарайтесь процесс сделать разнообразным. Например, можно рисовать дерево, но под разными углами или с разными оттенками.
Кстати, у нас в Инстаграме мы делаем разборы работ, пошаговые инструкции и прямые эфиры. Подписывайся! Насмотренность — тоже важная часть становления профессиональным художником.
Иллюстрация сделана преподавателем Procreateschool Евгенией Назаровой
Не стоит спешить освоить всё и сразу. Как правило это к хорошему и достойному результату навряд-ли приведет. Лучше не спеша, но тщательно изучать все азы вашей работы. Если вы настроены стать великими художником или иллюстраторами, то погрузитесь в эту деятельность с головой. Постарайтесь изучить все техники — как современные, так и старые.
А учиться и развиваться лучше всего с опытным преподавателем. Все иллюстрации на этой странице нарисованы Евгенией Назаровой, она как раз преподает в нашей онлайн-школе Procreateschool курс “Фэшн-иллюстрация, которая продаёт”.
Курс подойдет вам, если вы:
-
ещё не умеете рисовать, но хотите, чтобы это стало вашей профессией;
-
умеете рисовать, но у вас не получается найти свой стиль и зарабатывать на рисунке;
-
мечтаете как фэшн-иллюстратор стать участником мира моды и бывать на неделях моды.
На курсе Евгения научит вас рисовать части тела, фигуры, аксессуары и стилизовать это для Домов мод.
Просыпайтесь с мыслью о том, что именно вас вдохновляет в данный момент. Что бы вам хотелось сотворить и в каких цветах. Это позволит как можно быстрее прийти к тому, к чему вы так долго шли.
И напоследок — самое простое упражнение для того, чтобы найти свой стиль в иллюстрации, это просто открыть Procreate или взять лист бумаги и начать рисовать. Всё, что у вас сейчас на душе. Рисуйте до тех пор, пока не на увидите сходства на всех эскизах. Так вы и найдете свою уникальность как иллюстратора.
Обязательно ли автору перед продажей работ разрабатывать фирменный стиль? Я так не считаю. Можно привести в пример множество художников, зарабатывающих на жизнь отнюдь не запоминающимися и уникальными иллюстрациями, но это вряд ли убедит читателей. Вы останетесь уверены в том, что заниматься продажами можно только с оригинальным почерком, поэтому не стоит тратить время на приведение аргументов — лучше показать, как разработать фирменный стиль. Его наличие желательно, оно действительно увеличивает шансы продать работу, но жизненной необходимости в нем нет.
Экспериментируя, я нашел способ, о котором сейчас расскажу. Во всех ресурсах сказано, что на разработку собственного стиля требуются годы, но найти пошаговую инструкцию к его созданию не представлялось возможным. Попадалось множество постов с заголовками «Как найти свой фирменный стиль», но ни один фактически не раскрывал секрета. Они пестрели советами в стиле «не бросай рисовать» или «найди то, что пробудит в тебе страсть к рисованию». Да, это хорошие советы, но мне нужен был по-настоящему действенный план и следом за ним желаемые результаты. В конце концов я нашел способ сам, и с тех пор у меня есть пошаговый план — помощь тысячам художников найти свой стиль, который идеально им подойдет и сможет развиваться в течение их деятельности. Это действительно работает, вам всего лишь нужно следовать инструкции.
В создании фирменного художественного стиля нет магии и мистики. Стиль, как и все в процессе создания иллюстрации, приходит естественно. Процесс его формирования не заберет вечность: стиль — это результат труда, получаемый максимум за неделю.
Давайте приступим.
Вам следует очень точно придерживаться моих советов и игнорировать соблазн сжульничать и забежать вперед или охватить больше, чем я советую. Пожалуйста, не делайте так. Следуя всем шагам и делая осознанный выбор, ваш оригинальный почерк проявится в первой же созданной иллюстрации.
И последнее, прежде чем мы начнем. Сейчас считается, что для разработки персонального стиля необходимо выполнить творческие усилия, так что вам может помочь мое определение творчества. Как только мы уберем в сторону творческую часть, вы сможете следовать плану и добиваться желаемых результатов.
Творчество — это умение собирать новое из привычного нам старого.
Запомните это определение — и приступайте.
Шаг 1: Найдите трех художников или три стиля, которые вызывают сильные эмоции
С этого и начнем. Возьмите за пример три любимых художника, стиля или арт-объекта. Ими могут быть кто угодно и что угодно, даже нечто трехмерное — скульптуры, куклы, игрушки, но обязательно выбрать хотя бы два двухмерных стиля. Например, можете выбрать троих художников с различными стилями, или три иллюстрации разного характера, или же направления — Импрессионизм, Маньеризм и т.д.
Выбранные художники должны максимально отличаться друг от друга.
И, конечно же, самое важное на этой стадии — отобрать художников, чьими работами вы действительно восхищаетесь, стиль которых в самом деле приносит визуальное наслаждение. Любите по-настоящему то, что вы выбрали, но не забывайте — больше трех выбирать нельзя.
Шаг 2: Выберите картинку, которая лучше всего отражает выбор в шаге 1
Для многих второй шаг означает некоторые трудности. Выберите картину, иллюстрацию или фото, которые лучше всего отражают выбор в шаге 1. Например, ваш выбор пал на Андрея Кавасаки (Audrey Kawasaki). Остановитесь на той его работе, которая нравится вам больше. Или, скажем, вы выбрали аниме-стиль — найдите любимый рисунок из этой области.
Знаю, это сложно, ведь хороших работ, из которых можно выбирать, огромное количество. Но это важно, так что не жульничать — выберите по одной картинке на каждого исполнителя, стиль или 3D-объект. Не спешите и выберите то, что вам действительно нравится, такую картину, которую вы бы купили и повесили в своем доме.
Шаг 3: Проанализируйте каждую из картинок из шага 2
Второй шаг заставил вас поломать голову? Пристегните ремни, самое сложное еще впереди. Третья часть самая сложная, и именно ей большинство не уделяет достаточно времени. Этот шаг важен для получения желаемого результата, поэтому искренне прошу — найдите время для его качественного выполнения.
Теперь о том, что значит качественное выполнение. Серьезно отнеситесь к анализу картинок: возьмите ручку и бумагу и запишите свои наблюдения. В каждой работе должна быть одна ключевая деталь, влияющая на общее восприятие картинки, либо изюминка, выделяющая работу среди прочих. Найдите такие детали, проанализируйте и запишите.
Задайтесь вопросом: что первым обратило на себя ваше внимание? Почему именно эта деталь завладела вашим вниманием? Как именно эта деталь используется в рисунке?
Неверных наблюдений не существует, не справиться с заданием можно только если вы поскупились на наблюдения.
Подходите к заданию творчески. Выбирая художника-фигуративиста, не пишите лишь то, что вам нравится его подход к изображению объекта. Этой информации недостаточно! Нужно понять, почему вам нравится этот подход. Что заставило вас выбрать именно этого фигуративиста и обойти вниманием прочих? Предметы в его работе реалистичны или стилизованы? Картина навевает мысли о сильном и властном или о нежном и хрупком? Художник использует жирный контур или не использует контур вообще? Объекты смело освещены резким светом и тенями или еле-еле видны на картине?
Может, вас восхитят не нарисованные образы, а выбранные художником цвета. Почему они особенные? Эти цвета светлые и яркие или приглушенные и мрачные? Использовал ли художник различные оттенки или большинство оттенков из одной цветовой гаммы? Это вопросы, ответы на которые важно получить.
Для каждой картинки следует посвятить по абзацу на описание важных деталей. Неплохо было бы написать больше одного абзаца или даже целую страницу, но любой результат удовлетворителен.
Готов поспорить, что сейчас ваши головы полны возражений. Может быть, вы считаете, что недостаточно хорошо владеете словом, или сомневаетесь в том, что знаете об искусстве достаточно, чтобы делать хорошие наблюдения, или же просто чувствуете, что обладаете скудным словарным запасом. Однако это не играет никакой роли, ведь никто проведенной вами работы не увидит, а значит не важно то, получали вы Пулитцеровскую премию или нет. Чем проще, тем лучше, и не обязательно считаться гуру в истории искусства, чтобы понять, что вам нравится. Не обязательно свободно оперировать многоэтажными художественными терминами, важно лишь знать, почему вам нравится то, что вы выбираете. Не утверждаю, что это просто — ничто не дается легко. Не спешите и рассмотрите в деталях каждую работу.
Умение проводить подобный анализ может иметь большое значение для профессионального роста. Можете вспомнить мой комментарий в блоге под постом «Готов ли ты начать продавать свои иллюстрации, выполненные маркерами Сopic?» (Are You Ready to Start Selling Your Copic Marker Art?) про то, что сбыт работ и обсуждение работ — это одно и то же. У большинства художников появляются проблемы с продажей именно по причине неумения говорить о своих работах. Они не умеют этого делать, потому что не умеют говорить о художественных произведениях в целом. Когда вы не умеете объяснять что-то конкретное, людям становится сложно это понять. Никто не любит то, что не понимает.
Уделите этому шагу достаточно времени, и вы научитесь анализировать искусство и говорить о нем, а значит сможете применять эти умения к собственным работам. Чем больше вы говорите о том, что создаете, тем лучше оно будет продаваться.
Шаг 4: Объедините художественные элементы из шага 3 в собственный оригинальный рисунок
Теперь поможет мое определение творчества. В шаге 4 требуется соединить детали, тщательно выбранные на предыдущем этапе, и получить собственный оригинальный рисунок. Внесу ясность: вы не работаете с главными объектами выбранных картинок, вы сочетаете зацепившие вас детали. Сюжетом работы должно стать то, что вы чаще всего рисуете. Рисуйте любимые сюжеты и предметы.
Допустим, главным персонажем ваших работ является герой комиксов, но ваш стиль не выделяет его среди персонажей прочих авторов. До этого момента вы рисовали в стиле любимого автора комиксов, но сейчас вы ищите собственный стиль. Вы решили нарисовать героя А.
Тут вам и пригодится работа, проделанная в третьем пункте. Скажем, вы поняли, что вам нравится контур художника Х, яркая цветовая гамма художника Y и похожий на стиль Рембранта почерк художника Z, смелая игра светотени. Начинайте рисовать персонажа А с набросков, так же как и всегда. Приведите его в порядок и выполните контур в стиле художника Х. Используйте насыщенные цвета Y и выразительную светотень Z.
По окончанию работы родится уникальный, не использованный никем стиль. Он будет узнаваем как ваш, потому что сохранены прежние пропорции тела и рисовка персонажа — главная концепция персонажа. Он уникален за счет сделанного выбора. Даже если два человека выберут одинаковых художников и одинаковые стили, они по-разному внедрят отобранные детали в работы и, следовательно, получат уникальные работы.
Что действительно интересно в описанном подходе, так это возможность мгновенно отличиться от большинства, но при этом сохранить то характерное, что привыкли видеть в ваших старых работах. Рисунок выйдет новым, но знакомым; уникальным, но узнаваемым. Он не будет непринятой в искусстве белой вороной (как творчество Ван Гога), но и не получится настолько знакомым, что при взгляде на него покажется, что вы уже видели подобное. Вы будете удивлены тем, как многие отметят в вашей работе схожесть со стилем их любимых авторов. Другие люди подчеркнут уникальность вашего стиля и признаются, что он им близок.
Мой метод разработки фирменного стиля действительно работает.
Так как вы выбираете каждую деталь тщательно и сознательно, новый стиль подойдет вам как личности и продолжит развиваться вместе с вашей техникой. Чем больше вы будете рисовать, тем быстрее стиль будет совершенствоваться. Через несколько лет сможете заметить, что почерк изменился коренным образом. Но за счет наличия хорошо подготовленного базового стиля изменения останутся естественными, не выбивающимися из общей картины.
Попробуйте и посмотрите, что получится. Не нужно быть гением, чтобы найти свой стиль, так что я с нетерпением жду ваших результатов.
Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании – видео
Поделиться статьей:
#статьи
- 18 май 2022
-
0
Стили рисунков
Рассказываем о 19 главных стилях и их основных чертах.
Фото: Jupiterimages / Getty Images
Всюду ищет великую красоту, работает над разумностью потребления.
Манера, в которой художник создал образ предмета и то, как он выразил своё видение, определяют стиль рисунка.
Умение ориентироваться в разных стилях поможет воплощать свои идеи в жизнь, ведь каждое направление доносит сообщение с определённой интонацией.
В этой статье мы разберём и покажем:
- восемь стилей с разной техникой,
- шесть стилей из разных профессий,
- пять стилей, которые по-своему доносят идею автора.
Технику определяют по тому, как художник работал с формой и элементами, цветом, композицией, как передал анатомию человека или животного.
Скетч — это быстрый рисунок без подробных деталей. Его выполняют, чтобы, например, зарисовать ситуацию, обстановку, показать концепт или идею.
Чаще всего скетчи рисуют ручкой, карандашом, углём, пастелью, маркерами или брашпенами.
Изображение: CaleshCalesh / Shutterstock
С английского doodle переводится как «каракули», и это отражает характер стиля. Дудлы — это рисунки с произвольной композицией и множеством деталей. На них может быть изображено что-то конкретное или абстрактное.
Для дудлинга часто используют маркеры.
Изображение: Varvara Nevzorova / Behance
К этому стилю относят натюрморты, портреты и пейзажи, сделанные непрерывными линиями одного цвета. В таких рисунках нет штриховки, теней и цветов: объём и фактура предметов возникают благодаря толщине и яркости линий.
Для линейного рисования подходит графитовый карандаш, перо, ручка или маркер чёрного цвета.
Изображение: Полина Шутова / «Простая школа»
На рисунках в геометрическом стиле изображения состоят из многоугольников. Это могут быть портреты людей, животные или узоры — все они выглядят как сложные «просчитанные» конструкции.
Для такого рисования подходят карандаши, ручки и чертёжные инструменты — линеры или рапидографы.
Изображение: NabillaJKT / Shutterstock
Рисунки в реалистичном стиле показывают действительность максимально точно. Художники копируют форму предмета и его детали, много работают со штриховкой и тоном — чтобы придать изображению объём.
Тени в реалистичных рисунках удобно прорабатывать графитовыми карандашами.
Изображение: Bodor Tivadar / Shutterstock
Рисунки в гиперреалистичном стиле легко спутать с фотографиями — настолько точно, детализированно и объёмно они выглядят. От реалистичных изображений их отличает ещё более тщательная проработка теней и отражений.
Рисунки делают простыми или цветными карандашами, акрилом или акварелью.
Изображение: Dirk Dzimirsky
На рисунках художник показывает не точный образ человека или животного, а его характер. Как правило, пропорции лиц и тел людей, зверей утрированы: например, в стилях аниме и манги у людей очень маленькие нос и губы, а скулы — широкие.
Для рисования подойдут любые средства.
Изображение: Emil Paun / Dribbble
Основа типографических рисунков — надписи и буквы. Каллиграфически или свободно выведенные рукописные шрифты заполняют формы предметов как узоры. Этот стиль тесно связан с леттерингом.
Рисунки можно делать любыми инструментами, но, чтобы линии были точными, часто используют перья, тушь или маркеры.
Изображение: Vishnu K V / Behance
Рисунки используют для разных рабочих задач: например, чтобы учиться, показывать научные находки или фиксировать факты. Эти задачи и определяют стиль рисования.
Академический, или классический, стиль — это основа художественного и архитектурного образования. Благодаря ему учащиеся изучают принципы построения простых и сложных форм, развивают образное мышление и навыки работы с тональностью и объёмом.
Как правило, учебные академические рисунки делают простым карандашом.
Изображение: Paula Julija Savaja / Behance
Диаграмматические рисунки показывают устройство объекта, план или схему процесса. Задача изображения — продемонстрировать и объяснить связи между частями целого. Рисунки в диаграмматическом стиле нужны в науке и образовании, инженерии и промышленном дизайне. Они могут точно воспроизводить все детали предмета или, наоборот, быть схематичными, а у отдельных частей будут подписи и объяснения.
Как правило, диаграмматические рисунки делают ручками и карандашами. Их могут также рисовать мелом или маркером на доске.
Изображение: Public Domain
На технических рисунках изображают объекты в их реальных пропорциях, чтобы показать идею дизайна. Такую графику делают до того, как создать конструкторские чертежи: она помогает визуализировать будущую деталь машины, предмет одежды или интерьер и, если нужно, улучшить концепт.
В техническом рисовании не используют сложные чертёжные инструменты: проекции и объёмы строят от руки карандашом или линером. Если надо показать цветовые решения — берут акварель.
Изображение: IKEA
На архитектурных рисунках изображают будущие или существующие здания. Благодаря таким иллюстрациям можно понять эстетику, основные акцентные черты и положение сооружения в окружающей среде.
Архитектурное рисование ближе к сдержанному скетчингу, чем к точному черчению: его выполняют любыми графическими средствами — маркерами, карандашами, углём, акварелью, тушью.
Изображение: gkatz / Shutterstock
В индустрии моды дизайнеры рисуют одежду и аксессуары на удлинённых и угловатых человеческих фигурах. Рисунки выглядят схематично, ярко и при этом воздушно. Главный акцент — на фактуре и складках текстиля, на цветах, узорах и основных деталях образа.
Для рисования в fashion-стиле можно брать акрил, акварель и маркеры.
Из-за запрета фото- и видеосъёмки в залах суда появился особый вид рисунков — судебные скетчи. Как правило, с их помощью художники фиксируют динамику процесса и настроение участников. Авторы документируют обстановку очень быстро, не тщательно, композиция иногда объединяет сразу несколько сцен.
Чтобы рисовать судебные скетчи, нужны пастельные карандаши или уголь.
Визуальное повествование, как и устное, можно строить иносказательно или прямолинейно, в формате сказки или сатиры. И то, как автор хочет донести до зрителя сюжет, определяет стиль рисунка.
Если рисунки не показывают объекты реального мира, а выражают идею, атмосферу или характер героя через линии, цвет, светотени, текстуры — это абстрактный стиль. Такое рисование ещё называют беспредметным или нефигуративным.
Можно использовать любые материалы и инструменты, которые помогают выразить идею.
Изображение: Bogdan Katsuba / Behance
Рисунки в фантазийном стиле лёгкие, беззаботные, сюжет в них — сказочный. Изображения могут быть детализированными или, наоборот, максимально упрощёнными, яркими или пастельными. Художник может довольно точно воспроизводить реальные объекты, но в них обязательно будут выдуманные элементы. Этот стиль часто используют в иллюстрациях детских книг.
Применять стоит «воздушные» материалы: акварель, цветные карандаши, пастель.
Изображение: Курт Воннегут / The Monacelli Press
Рисунки в наивном, или примитивном, стиле — это упрощённые образы и незатейливые сюжеты. В них искажённая перспектива, будто у изображения только один план. Детали прорисованы равномерно во всей композиции, а светотеней и тонкой проработки объёма нет.
Наивный стиль требует чётких контуров, поэтому для него подойдёт акрил, масляная пастель, карандаши и гуашь.
Изображение: Justas Jelisejevas / Behance
В рисунках в карикатурном стиле утрирована мимика людей, нет детализации. В основе сюжета всегда социальная или политическая проблема, а герои характерны или известны в обществе. Автор рисунка выражает свою идею через юмор, сатиру и преувеличение.
Обычно карикатурные рисунки монохромные, и их делают тушью.
Изображение: Пермская художественная галерея
Рисунки в «плохом», или «детском», стиле выглядят так, будто автор ничего не знает о технике, правилах анатомии и законах построения перспективы. Их сюжеты могут быть банальными или странными, композиции — незатейливыми, а цвета — яркими и «плоскими». Автор плохого рисунка экспрессивно передаёт свою идею через отрицание конформной эстетики и кажущееся дилетантство.
Рисовать лучше всего «детскими» материалами: цветными карандашами, гуашью, фломастерами.
Изображение: Луиза Буржуа / The Museum of Modern Art
Научитесь: Профессия Коммерческий иллюстратор
Узнать больше
- Дизайн
- 1 мин на чтение
- 15141
Как выработать собственный стиль в иллюстрации
Как выработать собственный уникальный стиль рисования? Этим вопросом, как правило, задаются те, кто мало занимался практикой. У тех, кто практиковался много, стиль выработался сам. Впрочем, вот и ответ 🙂
Но можно расписать подробнее — 5 советов как подходить к созданию иллюстраций, чтобы определиться с собственным стилем и закрепить его.
Определитесь с тем, что вы будете рисовать
Людей, животных, воображаемых существ? Выберите направление: манга, реализм, вектор и т.д.
Присмотритесь к любимым художникам
Поймайте вдохновение и попробуйте скопировать их стиль в паре набросков. Если вам нравится то, как кто-то рисует глаза, то нет ничего страшного в аналогичном рисовании глаз.
Только не копируйте чужой стиль целиком. Эти люди упорно трудились над выработкой собственного стиля, поэтому должны потрудиться и вы. Вам не следует заниматься плагиатом.
В практике рождается совершенство!
Это утомляет, но чтобы стать хорошим художником, необходима практика. Ваше машинальное рисование даст толчок развитию отличного собственного стиля.
Придумайте собственных персонажей
Это вам поможет. Сделайте их максимально уникальными, вы не должны копировать известных художников. Начните их часто рисовать и, возможно, вы выработаете новый стиль. Другой способ практики рисования – это рисование самого себя. Большинство людей видят себя такими, какими хотят казаться. Т.е. если они представляют себя симпатичными, то могут несколько увеличивать глаза, если считают себя толстыми, то могут рисовать себя повыше. Попробуйте нарисовать себя в собственном видении, а затем развить свой собственный стиль, отталкиваясь от этого.
Обращайте внимание на строение
Используйте простые формы, такие как круги и квадраты, при выполнении наброска. Немного больше узнайте про анатомию человека/животного, чтобы облегчить свою задачу. Будет неплохо заиметь книгу по академическому построению или посещать курсы.
Самое главное — не уставать упражняться и верить в себя.
Фото на обложке: ShutterStock
Источник: Sweerl. Design Culture
- 5
