Композиция — это фундамент любой хорошей работы. Изучайте правила, а затем нарушайте их.
Оригинал статьи здесь.
Что такое композиция?
Говоря по-простому, композиция — комбинирование частей или элементов для формирования целого. Задача хорошей композиции — расстановка элементов в рисунке для лучшего взаимодействия со зрителями, поддержки их интереса и получения реакции.
Правила хорошей композиции необходимо понимать, потому что мы хотим заинтересовать зрителя и намеренно направлять его взгляд по элементам нашего изображения, а еще, что самое главное, точнее выразить идею, историю или суть.
Рассмотрим наш величайший источник вдохновения — природу. Мы не знаем, какие силы движут природой, но мы должны признать существование неких принципов, которые руководят нами и обычно определяют, что нас привлекает, а что отталкивает. Эти ключевые принципы влияют на природу эффективного дизайна и композиции.
Визуальная иерархия
Композиция в рисунке, картине или дизайне должна следовать визуальной иерархии — порядку расположения объектов, грубо говоря. Например, если вы рисуете пейзаж с человеком, собакой и замком, то необходимо решить, какой из этих элементов будет главным, какой — второстепенным, а какой отойдет на третий план. Используя различные типы композиционных правил и структур, описанных в этом руководстве, вы сможете укрепить желаемую визуальную иерархию.
Правила композиции
Числа Фибоначчи
Числа Фибоначчи — это последовательность, в которой, начиная с 0 и 1, каждое последующее число равно сумме двух предыдущих чисел (0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34 и т.д.).
Эта математическая последовательность часто используется в компьютерных системах и нередко встречается в природе, начиная от принципа разветвления дерева и заканчивая ростом цветов и человеческими пропорциями.
По совпадению, последовательность Фибоначчи подтверждается и абсолютно другим правилом, встречающимся в природе, — «Золотым сечением».
Золотое сечение
«Золотое сечение» — особое соотношение, полученное делением линии на две части так, чтобы большая часть соотносилась с меньшей таким же образом, каким вся линия соотносится с большей частью.
Результатом этого определения является число φ (фи) =1,681, которое используется в природе при делении или умножении органического материала.
Срединная линия
Срединная линия — композиционное правило, при котором изображение делится пополам, вертикально или горизонтально. Точка фокуса обычно расположена где-то на этой линии, и визуальные элементы по обе стороны от этой линии сбалансированы соответствующим образом. Это правило используют не всегда, однако оно может быть крайне эффективным в более простых композициях при расположении ключевых элементов вдоль срединной линии.
Правило третей
Правило третей — не единственное верное и исключительное, однако оно — идеальный инструмент для создания хорошей композиции, при котором ключевые элементы располагаются на точках пересечения сетки 3х3. Это хороший «путеводитель» и способ сделать изображение интереснее.
Правило нечетных чисел
Это неписаное правило, однако считается, что нечетное количество объектов привлекательнее четного. Если у вас больше одного объекта на изображении, лучше выбрать композицию с как минимум тремя элементами, и обычно это именно три, поскольку при пяти, семи и более объектах может начаться визуальный беспорядок.
Типы композиционных структур
Сами по себе эти правила — отличное начало для составления хорошей композиции, однако есть еще много других нюансов, которые стоит учитывать. Назовем это композиционными структурами. Они опираются на точки фокуса в вашем изображении.
С одной точкой фокуса
Структура с одной точкой фокуса подразумевает, что у вашего изображения только одна главная точка фокуса. Обычно она расположена на главном объекте, к которому вы хотите привлечь внимание зрителя в первую очередь. Все остальное в изображении поддерживает эту точку.
Это структура с одной точкой фокуса от легендарного Фрэнка Фразетты:
Точка фокуса находится на срединной линии композиции; наше внимание тут же притягивают глаза всадника. Глаза лошади находятся на горизонтальной срединной линии, возможно, чтобы удержать ещё немного внимания.
Для дополнительного визуального интереса Фразетта добавляет глубины на фон и рисует орлов, летящих сквозь дым. Художник использует более светлые тона для передачи воздушной перспективы. Четкий силуэт и сильные формы объекта создают замечательную графическую композицию, которая притягивает взгляд зрителя.
Другой пример структуры с одной точкой фокуса — картина Дейва Рапозы, который, судя по всему, тоже использует композицию срединной линии.
И снова взгляд следует по вертикальной срединной линии, она притягивает взгляд! Совпадение ли, что рука тоже располагается на срединной линии?
Если мы разобьем изображение на формы, то заметим, что в нем создается симметрия за счет сторон треугольника, расходящихся от головы. Треугольник символизирует силу и стабильность, что дополняет суть персонажа, изображенного на иллюстрации.
Небольшая асимметрия вступает в игру за счет линий меча и ноги, добавляя небольшое разнообразие и визуальный интерес к статичной величественной позе. Мы также можем заметить контраст в дизайне форм; они гармонично сочетаются с легким разнообразием в деталях, которые меняют ритм. Облака на фоне нарочно расставлены таким образом, чтобы выступать в качестве направляющих линий и указывать на лицо персонажа.
Несмотря на то, что это композиция по срединной линии, можно заметить в ней и правило третей. Например, лицо расположено в районе второй трети верхней половины изображения.
Со множественными точками фокуса
Построение из нескольких точек подразумевает, что в рисунке есть несколько точек фокуса. Каждая точка может быть одинаково важна, но чаще всего все же встречается одна главная точка фокуса, поддерживаемая второй, третьей и последующими точками.
В этом изображении Пётр Яблонски использует структуру с несколькими точками фокуса в сочетании со срединной линией и правилом третей в композиции.
Первая точка, которую мы видим в иерархии — это лицо мужчины справа. Мы обращаем внимание в первую очередь на него, потому что в этой части изображения больше контраста между светлыми и темными тонами, а также потому, что он стоит прямо над одной из точек пересечения в правиле третей.
Следующее лицо, на которое мы обращаем внимание, — дама с сигаретой. Она кажется главным персонажем на картине, однако автор предпочел показать ее второй. Она сидит между двумя точками пересечения в правиле третей, и ее глаза идеально соотносятся с горизонтальной срединной линией. Также можно заметить, что кончик ее сигареты находится прямо в точке пересечения срединных линий, превращаясь во вторичную точку фокуса, которая постоянно перетягивает наше внимание к центру изображения.
В конечном счете, у нас есть третья главная точка фокуса, мужчина, который стоит за леди. И, тем самым, наш взгляд блуждает между этими тремя точками фокуса и сигаретой. Вы заметили, что дым играет роль в соединении этих точек фокуса? Это только один из способов, который художник использовал, чтобы добавить визуального интереса, удержать наше внимание и «оставить» нас в пространстве изображения. Пётр Яблонски также использует контрастирующие формы и направляющие линии, чтобы обрамить композицию.
Иллюстрация Джессики Ойхенарт содержит структуру с несколькими точками фокуса в композиции со срединной линией:
И снова мы замечаем, как взгляд следует вдоль вертикальной срединной линии. Это не типичная композиция по правилу третей. Однако, если мы разобьем на трети верхнюю половину изображения, мы увидим, что глаз персонажа находится рядом с одной из точек пересечения. Такой эффект демонстрирует важность третей как таковых.
Лицо персонажа — главная точка фокуса за счет позы, контраста света, тени, необычного цвета глаз и количества деталей, сконцентрированных вокруг. Следующая точка фокуса располагается на изгибе ее фигуры, подчеркивая соблазнительную натуру персонажа. Далее нас уводят к фону, где происходит схватка, затем к луне и обратно, к точке, где персонаж мучает свою жертву.
Также в нижней части изображения есть несколько второстепенных точек фокуса, которые помогают обрамить объект и удержать наш взгляд. Некоторые из них выглядят спорно с точки зрения визуальной иерархии и уже субъективно зависят от зрителя.
Визуальный интерес иллюстрации усилен чувством глубины, которое передал художник. Есть и особый смысл в том, чтобы использовать размытие на руке на переднем плане и на фрагменте с бойцами на заднем плане. Пересечение перекрывающих элементов фигуры тоже работает на глубину. Создается впечатление точно поставленной перспективы, и диагонали зданий добавляют ритма и напряжения изображению. В картине соблюдается очень сильная визуальная иерархия.
Рамочная структура
Рамочная структура состоит из нескольких элементов, окружающих главный объект или точку фокуса. Эту схему используют для удержания интереса зрителя.
Картина Карлы Ортиз — пример классической рамочной структуры, которая также соответствует правилу третей даже несмотря на то, что главная точка фокуса, лицо героини, немного правее левой верхней точки пересечения. При этом тело девушки находится точно на левой нижней точке пересечения.
В лице героини самый сильный контраст между светлыми и темными тонами, а также с количеством деталей на небольшом пространстве. Это особенно выделяет его на изображении. Наконец, фигура персонажа будто бы обрамлена воронами, деревьями и лестницей, которая уводит наше внимание на задний план.
В изображении потрясающее чувство глубины, и замок на заднем плане также позволяет фигуре лучше выделиться. Замок менее контрастен, что указывает на его удаленность. Практический совет: объекты, удаленные от зрителя, менее контрастны за счет воздушной перспективы.
Можно обратить внимание и на дизайн одежды, чьи линии уводят зрителя от воронов к лестнице. Деревья вдалеке едва намечены паттерном и цветом. Это удерживает фокус и внимание зрителя на более важных элементах и позволяет глазам отдохнуть. Ещё это помогает зрителю заполнить пространство элементами из своего воображения.
Это изображение хорошо сбалансировано. Например, левый верхний прямоугольник достаточно детальный, в то время как правый нижний более темный и простой.
Эта иллюстрация Якуба Розальски использует рамочную структуру и правило третей:
Точка фокуса — женщина слева на переднем плане, поскольку она помещена прямо на левой нижней точке пересечения прямых.
Вертикальные полосы ее юбки также привлекают к ней внимание зрителя. Однако главным объектом на изображении является механическая фигура, обрамленная силуэтами людей в поле и двумя механическими объектами по бокам. Яркая светлая точка на центральном механизме также привлекает наше внимание. Человеческие фигуры располагаются на нижней трети изображения, а верхушки роботов находятся на второй трети изображения, усиляя работу третей.
Во многих цепляющих изображениях используется глубина. Мы можем заметить её и на нашем примере: на картине есть четкое разделение на передний, средний и дальний план, чья скромная детализация стимулирует наш мозг додумывать элементы.
Путевая структура
Путевая структура — это серия точек фокуса, разбросанных по всему изображению с целью подвести зрителя к главной фокусной точке. Иногда все точки фокуса одинаково важны для композиции и создают в ней визуальный путь или петлю.
Рисунок Эйтана Заны использует множество типов композиции. В первую очередь это правило третей, примененное к главной точке фокуса. Именно человеческая фигура является самой яркой, и, будучи контрастной по отношению к фону, она бросается в глаза ещё сильнее. Здесь же можно наблюдать и золотое сечение, которое помогает разместить элементы композиции. В областях фокуса их больше, но, по мере удаления от центра, детали постепенно рассеиваются.
Перед нами композиция с одной точкой фокуса, но она усилена элементами, нанизанными на путевую конструкцию направляющих линий. Множество других точек фокуса разбросаны вокруг центральной. Впрочем, на тему композиции тут можно и поспорить: кому-то она покажется рамочной, поскольку отмеченные розовым фрагменты полностью окольцовывают главную точку фокуса.
Также добавлен ряд интересных деталей: прямые и закругленные элементы отлично смотрятся вместе, а очерченные струи водопадов помогают разделить и сбалансировать остальную часть сцены с окружающей темнотой. Синим выделена главная линия, эта тень врезается в изображение и направляет взгляд к главной фокусной точке.
А в этой картине Якуба Розальски — жёсткая композиция, достигнутая с применением множества правил:
Перед нами смесь правила третей и золотого сечения вместе с множеством наводящих и точек фокуса внутри. Фигура механического объекта главенствует в левой верхней части картины, тогда как женщина, будучи второй в визуальной иерархии, «добавлена» к группе деталей и мгновенно привлекает внимание зрителя. Что до золотого сечения, то наиболее загруженная часть изображения — верхний левый угол, и, если идти от него по спирали, детали постепенно начнут уменьшаться в размере.
Два всадника на лошадях создают наводящую структуру, становясь дополнительными точками фокуса. Если посмотреть на изображение как на пример композиции со срединной линией, можно заметить, что лошади расположены на пересечениях, а всадник в центре — рядом с вертикальной линией. Верхняя часть головы второй лошади лежит на срединной вертикальной линии, которая ко всему прочему разделяет небо и землю. Всадник на второй лошади размещен на картине согласно правилу третей.
В целом, это изображение построено интересно, с хорошо проработанной глубиной и деталями, пересекающимися элементами, ведущими линиями и хорошим соотношением пустых и заполненных областей, что дает взгляду возможность отдохнуть. В настроении иллюстрации тоже есть контраст; красивая природа сталкивается с несущими опасность вооруженными людьми.
Симметричные и асимметричные структуры
В симметричных структурах обе стороны изображения отражены относительно центральной линии. Когда одна сторона частично отличается от другой, что нарушает зеркальность изображения, возникает асимметрия.
Симметричная композиция не очень популярна в наши дни, однако была чрезвычайно широко распространена в более ранние периоды и обычно ассоциируется с религиозными работами. Симметрия символизирует единство, баланс и святость. Примером является Тайная Вечеря Леонардо да Винчи, которая использует единую точку фокуса и симметричную структуру с композицией срединной линии.
Первым в глаза бросается расположение Иисуса, находящегося в самом центре изображения, в то время как остальные фигуры равномерно распределены относительно срединной линии. Иисус выделяется за счёт контрастного светлого окна за ним.
Все линии перспективы сходятся на лице Иисуса. Левая часть намного темнее правой, и, возможно, это помогает сбалансировать изображение. В свою очередь, фигуры по обе стороны отличны друг от друга, что вносит во фреску элемент асимметрии.
Другая картина эпохи Возрождения за авторством Рафаэля сочетает в себе структуру с одной точкой фокуса, ведущие линии и рамочную структуру внутри композиции срединной линии:
Точка схода лежит примерно в начале пути, по которому идут философы, что определяется углами наклона других объектов, обозначенных жёлтыми линиями. Розовые линии показывают, как фигуры обрамлены окружающими их объектами внутри картины, и интерес к изображению возникает благодаря разнообразию форм.
Структура ведущих линий
В этой структуре существуют четкие линии, вслед за которыми взгляд зрителя следует по определенной части или частям изображения.
В изображении Карлы Ортиз прослеживается золотое сечение в сочетании с правилом третей, и, вероятно, со срединной линией, разделяющей картину на светлые и темные части. Композиция структурирована направляющими линиями, которые будто обрамляют главный объект и команду корабля. Это еще и структура с одной точкой фокуса, однако взгляд все же пробегает по членам команды, что позволяет обозначить визуальные рамки вокруг девушки и поддержать интерес зрителя.
Опять же, для визуального интереса в изображении присутствует приятное чувство глубины, и силуэты таких объектов, как горы, канаты и паруса не сильно детализированы, однако в них достаточно визуального контекста. Благодаря этому детали в важных частях иллюстрации, например, лицо, выделяются особенно сильно, и наш взгляд всегда будет возвращаться к девушке.
Это изображение, нарисованное Петром Яблонски, ломает все правила:
Эта картина отображает нечто необычное, странное. Если мы попробуем наложить типичные композиционные построения, то кажется, будто ничто не работает на этом рисунке, но, тем не менее, он все еще следует композиционным правилам.
Фактически, изображение полагается на сочетание композиционных элементов, а не на правила. Самая главная структура, использованная здесь — это направляющие линии, которые указывают на главную точку фокуса, которой является фигура у окна. Она выделяется еще и тем, что предстает самым ярким объектом на изображении. Эта фигура расположена в странном месте, куда обычно не помещают главные точки фокуса.
Несмотря на это, композиция работает. Она проводит идею паранормальности, разрушая устойчивые нормы, она нарочно сделана «странной».
Главная точка фокуса также обрамлена дверью слева и зловещей тенью, падающей от объекта вне картины. Этот прием используется, чтобы стимулировать воображение зрителя и приоткрыть происходящее за рамкой изображения.
С точки зрения визуального интереса эта работа очень хорошо сбалансирована, и здесь соблюдено единство разнообразных деталей, со множеством горизонтальных, вертикальных и диагональных линий, которые контрастируют друг с другом. Автор работал в ограниченной цветовой палитре, однако разнообразие оттенков внутри неё впечатляет.
Заключение
Чтобы получить хорошую композицию, нужно понимать правила и учить основные структуры, если вы хотите создавать притягательные изображения. Эти принципы оперируют на подсознательном уровне и сильно влияют на зрителя, когда дело доходит до привлечения его интереса.
Составляя композицию, помните:
-
Какие композиционные правила и структуры вы используете как основу?
-
На чем вы хотите сосредоточить максимум внимания?
- Где располагаются точки фокуса?
- Хорошо ли в рисунке прослеживается визуальная иерархия?
О конкурсе «Путешествие во времени»
Вы можете сразу применить эти знания на практике и заодно побороться за ценные призы, нарисовав иллюстрацию на конкурс «Путешествие во времени» от MYTONA, Smirnov School, MSI, Huion, 1С Интерес и ИД «Питер». В нем две номинации: для 2D и 3D художников. Первым нужно нарисовать иллюстрацию о путешествии во времени, вторым — создать персонажа и его машину времени.
В каждой номинации три призовых места и ценные призы для победителей: монитор, планшеты и Inspiration box. Работы участников отсмотрит разработчик и издатель игр MYTONA — лучшим кандидатам может быть сделано предложение о сотрудничестве. Подробности тут.
-
ВСЕ
-
Рисование
-
Советы художника
-
История искусств
-
Живопись
-
Рисунок
-
Цветоведение
-
Поэтапное рисование
-
Вдохновение
-
О художниках
-
Ученики
-
Композиция
-
Абстракция
-
Книги
Эфир. Что такое композиция и зачем она нужна.
04.05.2020 21:06
Многие начинающие художники интересуются темой композиции. Тема композиции в обучении рисованию сейчас незаслуженно обойдена. Ей почему-то уделяют мало внимания, особенно на этапе становления художника, на этапе обучения изобразительному искусству.
Пора про композицию поговорить. Сегодня будет вводный этап разговора о композиции: будет серия эфиров и статей по этой теме, потому что в одном эфире сложно дать и общие понятия, и рассказать об особенностях, и о применении композиции в изобразительном искусстве.
План разговора такой:
1). Что такое композиция?
2). Зачем нужна композиция и чем она полезна начинающему художнику? Нужна ли композиция художникам-самоучкам, тем, кто учится рисовать самостоятельно или обучается на курсах изо?
3). Как использовать композицию в своих работах? Чем ценно знание композиции для рисования? Как композиция влияет на выражение авторской идеи?
1). Что такое композиция.
Композиция – это система, область знаний, умений и навыков, которая необходима художнику, которая помогает ему реализовывать и интерпретировать свой авторский замысел в понятную зрителем форму. При помощи композиции, её средств, приёмов, правил, особенностей, художник переводит свою идею в реальную форму, в изобразительность, в формате живописи, графики, скульптуры и других видов искусства. Композиция существует и применима в абсолютно разных произведениях и видах искусства (не только пластических), пригодна абсолютно везде. Она есть и в литературе, и в кинематографе и даже в рекламе.
Композиция помогает облечь идею в ту форму, которая максимально адекватна зрительскому прочтению. Видя и понимая такое изображение, зритель точно поймёт, что хотел сказать художник. Без этого умения случаются недопонимания между художником и зрителем. Я часто привожу такой пример. Я общалась в интернете с самодеятельным художником, он писал на темы русского крестьянства, темы, связанные с православием, с религией. На одной из его картин был такой персонаж – старичок-лесовичок или монах-отшельник.
Он был изображён в виде портрета фронтально, сзади был русский пейзаж, такой, стандартный: небо голубое, трава зелёная и берёзки стоят. Так вот, этот персонаж был написан в такой псевдореалистической манере, насколько художник мог, насколько он владел изобразительной грамотой. У персонажа были такие широко открытые голубые глаза. Но, в противовес к этим позитивным, располагающим моментам, сама изобразительная манера была не чистой. Написана картина была не утрированно нереалистично и, в то же время, с претензией на реализм. Получилось несоответствие задуманного и изображённого по факту, идея и исполнение разошлись.
Где-то были цвета замыленные, где-то форма исказилась и выражение взгляда персонажа было такое, как на картине Врубеля “Пан”. И, когда на эту картину посмотрели зрители, они написали следующие отзывы: это воплощённое зло, это изображён демон или падший монах и прочее. А идея, заложенная в картину, была совершенно другая. Именно потому, что человек не владел композиционными приёмами, не мог управлять теорией цвета, которая тоже может работать как одна из возможностей применения композиции, не использовал стилизацию, не получилось отобразить идею адекватно восприятию зрителя. Чтобы избежать таких ошибок, мы изучаем композицию, занимаемся композицией.
Помимо того, что композиция – это целая система, которая состоит из множества блоков и вариаций, композиция существует в виде законов, правил, типов композиции и т.д.. Их очень много. Есть классические, традиционные виды и закономерности композиции, которые даются в любом учебном заведении, я их даю на нашем курсе “Композиция”, но про него расскажу чуть позже.
Композиция – это не только структура картины или свод правил, но это и возможности стилизации (каким образом передать ту или иную идею). Например, сделать, в данном конкретном случае, изображение плоским или объёмным: как лучше зритель считает основную идею картины? Сделать силуэт предмета угловатым или более обтекаемым, нежным? Лучше выбрать реалистическую манеру изображения для конкретной цели или импрессионизм? Или вообще создать абстрактное изображение? Какая стилизация для отображения какой идеи подойдёт? В этом художнику помогает композиция.
Одной из составляющих композиции является пластический язык. Каким образом, для какого состояния, для какой идеи, для какого настроя какие изобразительные средства подходят. Например, будет это нежная дымка или резкие чёткие границы с обводкой, с декоративными подчёркиваниями? Будет это комбинирование абстракции с реализмом или чистый экспрессионизм? Об этом мы тоже говорим на курсе композиции и за это отвечает, в том числе, композиция, как область знаний художника.
На композицию работают технические приёмы и изобразительные средства, живописные и графические. На одном из эфиров мы говорили про графические изобразительные средства – это штрих, линия и пятно. Если говорить о живописи, это сам цвет непосредственно и его живописные художественные средства, мазок, ритм, метр и т.д. Это все способы нанесения художественного материала и получения изображения.
В композиции очень важно уметь управлять цветом. Отдельно существует теория цвета, но было бы здорово, если бы художники изучали теорию цвета комплексно: с учётом основ композиции, с учётом изобразительной грамоты. Речь идёт о том, какие части каким цветом обозначить, насколько плоско или объёмно, в каком процентном соотношении будут цвета по отношению друг к другу во всём холсте или листе.
Если обобщить всё вышесказанное, композиция отвечает на вопросы не “как это сделать?” и “как изобразить?”, а “для чего?” и “посредством чего?”. Это такое незримая, но хорошо ощущаемая и понимаемая и художником и зрителем основа. Композиция – это связь элементов картины друг с другом и с целым (части изображения связанные с форматом), связь формы и содержания (каким образом и что должно быть изображено и как изображается в результате, какая идея в какую форму выразилась) и связь замысла и реализации. Всё это основано на законах зрительского восприятия и адаптировано для зрителя. При грамотном использовании знаний о композиции, картины получаются такими, глядя на которые любой подготовленный зритель может понять, что хотел сказать художник. Приведу примеры классических произведений художников и советского искусства.
Поющие ангелы Гентского алтаря, авторы Губерт и Ян ван Эйки
Музыкальное произведение исполняется хором. Сама идея музыки заложена в изобразительный язык и в структуру самого произведения. Посмотрите на ритм голов, как они расположены внутри этого большого формата. Тяжёлый мощный низ задаёт ощущение точной, монотонной мелодии, на которую накладываются ритмы, полутона, музыкальные нюансы. Те, кто занимался музыкой, легко это могут считать и почувствовать. В картине есть такой фундамент, очень прочный, мощный, монолитный. И этот фундамент музыкального произведения, в нашем случае католического песнопения, в этом тёмном низе очень хорошо изображён. И поверх расположена ритмика отдельных звуков-голов.
Если вы слушали хор, особенно когда поют в католическом монастыре, то помните, что идёт ровная основная мелодия, которую играет орган, а поверх наложено многоголосие, какие-то голоса поют в унисон, какие-то выбиваются и всё это складывается в единое произведение. Здесь, в живописи, сделано то же самое. За счёт колорита, за счёт цвета и общей темноты создано единство восприятия всей картины, композиционная целостность, а вот лица уже все разные – каждый голос, каждый персонаж имеет свой характер, стоит на своём месте и не зря он там стоит. Получается, что у главного, ради чего все собрались, у центра композиции расположена плотная крепкая основа, вокруг которой собрались все герои в едином порыве, но говорящие по разному об одном и том же. Вот очень коротко и без детального разбора о чём произведение. И именно понимание этого задаёт сама композиция, сама структура картины (в нашем случае, роспись алтаря).
Если взять что-то ближе к нашему времени, посмотрим картину Караваджо “Шулера”.
Шулера, Караваджо, 1596
Здесь другая идея. Здесь тоже есть некоторая цельность в нижней части. Все персонажи объединены игрой в карты, общей темой и единым тёмным пятном в виде почти треугольника. И в вершине этого треугольника находится персонаж, который главенствует в этой всей истории. Хотя самый светлый и ярко читаемый тут молодой человек, разглядывающий свои карты, ради него всё и затевалось, но герой здесь персонаж в верхней части картины. Он выделен цветом. Он не только находится в самом верху, в навершие картины, он ещё и самый тёмный. Он тёмный по духу.
Это шулер, который подсказывает своему подельнику, какие карты у молодого аристократа в руках. Конечно, они его сейчас обыграют и хорошо обогатятся. За счёт этого композиционного приёма, композиционной схемы в виде треугольника, за счёт выделения главного (отдельных персонажей) тоном, автор даёт зрителю понимание происходящего. Эта картина – не просто изображение людей, это изображение конкретных людей в конкретной ситуации, с конкретными характерами и характерным эмоциональным посылом. Выходит, за счёт композиции художник реализует все свои замыслы.
Композиция существует не только в изобразительном искусстве. Законам композиции подчиняются все виды искусства. Это не притянуто за уши. Одна моя ученица сказала однажды: “Это же всё придумано! Нет никакой композиции – все рисуют как хотят, это искусствоведы всё придумали и заставляют молодых художников во всём этом разбираться”. Это не так. На самом деле как раз таки наоборот, сначала выработались приёмы, способы, законы и правила композиции, её виды и типы, а современные художники, опираясь на них, создают свои произведения.
В наше время композиция актуальна не только в живописи или графике, но ещё и в мультимедиа, например, в рекламе. Реклама, которая владеет вниманием зрителя – это самая мощная реклама. Те, кто сейчас занимается, например, графическим дизайном или видеомонтажом/видеосъёмкой, очень хорошо понимают и постоянно изучают композицию. Я уже не говорю про режиссёров, которые выстраивают кадр. Если вы вспомните мировые шедевры кинематографа, они все очень здорово выстроены на композиционных приёмах. Там каждый кадр сделан как картина. К примеру, если вы смотрели сериал “Молодой Папа”, то подтвердите, что оторваться от экрана невозможно, потому что оператор ведёт тебя так, будто ты в картину входишь.
Владение зрителем, его вниманием, чувствами просто великолепное! Каждый кадр идеально композиционно выстроен: и по равновесию частей, и по цвету, и по филигранности силуэта, и по точечному гармоничному расположению каждого кусочка в соответствии с замыслом. Вывод – владение композицией важно не только для художников. Самые крутые фотографы мира, которые работают с National Geographic, в Голливудской индустрии, которые снимают звёзд, владеют композицией безупречно, потому что внимание зрителя можно привлечь и управлять им только таким образом. Соответственно, зритель будет смотреть, читать и чувствовать, а соответственно, покупать, только те журналы, фильмы и статьи на сайтах с такими композиционно грамотными фотографиями. Они существуют. То есть, композиция – это ещё и показатель профессионализма.
На профессиональных художественных выставках сейчас часто встречаются работы ученического характера, когда изображение сделано грамотно, академично, но без учёта композиции. Если честно, это скучно рассматривать. Получается, такая выставка не совсем профессиональная. Художник что-то делает, что-то изображает, но у него нет своей идеи, своего творческого импульса, туда ничего не заложено, кроме ремесла.
Если говорить о других видах искусства, композиция существует и в музыке – возьмите любого классика, разберите любое его произведение на части, вы увидите, что эти части очень грамотно сочетаются между собой: по размеру, по ритмике, по продолжительности, по эмоциональному воздействию, в мажоре или в миноре это сделано и так далее. В литературе то же самое. Возьмём, к примеру, “Евгения Онегина” – самое классическое из классического, что только может быть. Центром всего произведения является эпизод, который находится в самом конце, где происходит финальное объяснение Онегина и Татьяны. А всё остальное – это такие кубики, которые складывались особым образом, чтобы к этому эпизоду подвести, чтобы мы прочли ту самую авторскую идею, которая раскрывается в ключевом узловом моменте, определённым образом.
И там всё не зря: и сон Татьяны, и все эти описания, и характер самого Евгения Онегина, переданный через события и всех его знакомых и родственников. Всё делалось с расчётом цельности всего произведения и всё это работает на ключевой эпизод. И каждая деталь, каждая метафора стоит на своём месте. То же самое делаем и мы, художники, только другим языком – не словами, а изобразительными средствами и приёмами на плоскости листа или холста, если говорить о станковой живописи и графике. Благодаря вот этой систематизации, которая происходит внутри произведения искусства, благодаря образному мышлению, которое художник облекает в реальную форму, в изобразительность, зритель понимает то, что он должен понять.
Композиции мы учим на нашем курсе, он так и называется, “Композиция”. В оффлайн обучении в классе этот курс называется “Композиция и цветоведение”, он достаточно объёмный. Есть он и в формате видеоуроков по композиции. В нём 6 занятий, он не большой, очень ёмкий. Там я говорю не только о композиции вообще, но и о современной композиции в рисовании и даю свои личные, конкретные наработки в области композиции, упражнения по композиционному мышлению. Чем этот курс рисования хорош: он достаточно академический, но краткий и с ним можно очень по-разному работать и применять его в любой творческой профессии, связанной с изображением. Я там показываю современные композиционные приёмы, как выстраивать изобразительную плоскость, как рассчитать равновесие в картине, как выявить композиционный центр и, в то же время, даю возможность художникам проявить фантазию, помогаю развивать творчество.
В комментариях просят посоветовать книги по композиции, они есть. О. А. Голубева “Основы композиции”, Р. Арнхейм “Искусство и визуальное восприятие”, например. Их, безусловно, нужно читать и изучать, но к самой теории обязательно нужна практика, а композиции лучше учиться с педагогом. Самостоятельно развить композиционное мышление очень сложно. Это я знаю даже по своему опыту. Я обучалась сначала академической композиции, а потом я не могла выбраться за пределы этих заданных композиционных схем.
Это такие шаблоны композиции, когда картина просматривается по овалу или схемы композиции в виде квадрата или треугольника. Мне пришлось взять дополнительные занятия композицией у моего педагога, осваивать современные подходы к композиции картины, больше изучать и практиковать открытую композицию. Он просто стоял рядом и контролировал, говорил: ”Здесь повторяешься, делай ещё!” И я искала новые композиционные ходы. Поэтому, изучение книг по теории искусства – это, конечно, похвально, но я очень советую работать с педагогом по композиции обязательно.
2). Зачем нужна композиция.
Как вы поняли, без композиционного мышления и подхода зритель не понимает, что художник хотел выразить. При традиционном изображении в реалистическом ключе, без использования композиции, как нас учат на курсах рисунка и живописи, художник просто копирует реальность. В таком случае, есть шанс использовать в рисовании такой дилетантский подход, очень опасный: когда зритель приходит на выставку, смотрит и видит изображения, сделанные как принтером, фотографически точно нарисованные. Это не то. Такого эффекта не должно быть. Зритель должен понимать, что заложено в изображение – не сюжет, а какова сама идея. Такое дотошное изображение, как в натуре, натуралистическое рисование, очень сильно сбивает зрителя.
Можно использовать такую манеру рисования и композиционно грамотно, выполнить рисунок в гиперреалистичной манере, но от такой манеры уйти чуть больше в творчество очень сложно. Гиперреализм просто порабощает художника. Поэтому удобнее изучать одновременно рисунок, живопись и композицию, чтобы сформировать композиционное мышление на раннем этапе и изображать не просто реалистично, а с выражением своей авторской идеи, не только той идеи, которую подсказывает реальность (света, цвета или ещё чего-то), а передать то, что вы лично хотели сказать этим рисунком, конкретно этим сюжетом. Жанр может быть любой: натюрморт, портрет, пейзаж. Это будет не просто изображение природы, а конкретная заложенная в сюжет идея: состояние дня или мечтательность героя, который находится в этой среде.
Без композиционного мышления, без связи с композицией, без её цельности зрителю очень скучно и сложно рассматривать картины. Критерии оценки такой работы – только красиво/не красиво, похоже/не похоже, нравится/не нравится. Так изображает сама природа, без участия художника. Работа художника при таком подходе нивелируется. А художник – это всё-таки творец, создатель, это философ, в какой-то степени, который через свои рукотворные вещи, через живопись, графику, скульптуру, архитектуру, дизайн передаёт не только свою энергию, но ещё и свои мысли и чувства, своё понимание этого мира. Именно этому учит композиция. Не мастерство, не мазок, не манера, а именно композиционное мышление важно – способы передачи конкретной идеи в конкретную форму. И, конечно, композиция помогает выявлять эту идею и реализовывать её. И благодаря приёмам, средствам, законам и правилам композиции зритель очень хорошо это считывает.
Чтобы не быть голословной, приведу пример. Усманов М.У. Новый город на Каме. 1975.
Усманов М.У. Новый город на Каме. 1975.
Возьмём тему стройки. Здесь идея всеобщей стройки, подъёма страны, молодости, утра страны, освоения новых земель. За счёт чего эта идея читается? Я уже проговорилась про утро: тут как раз зорька изображена – только-только начался день и это такое символическое утро новой жизни. Ещё здесь хорошо виден ритм вертикалей, тянущихся вверх. Вместе с ним произрастает всё: и страна в целом, и эти молодые люди, которые только начинают жизнь, едут на эти стройки по всей стране и строят сами себе будущее. Светлая гамма работает тоже на саму идею о светлом будущем.
И, конечно, эти красивые музыкальные ритмы тёмных и светлых, голубых и сиреневых оттенков – всё работает на саму идею, на тот художественный образ, который художник хотел создать, который заложил в картину и он здесь очень хорошо считывается. Это если говорить про саму идею и её реализацию.
Конечно, при помощи композиции отображается образ мысли художника. Он не кидается из одной идеи к другой (сегодня рисую то, завтра это), он формирует своё особенное отношение к жизни и через его картины, серии работ, через весь творческий путь художника выявляется авторская философия.
У каждого мастера есть свой уникальный путь, который он проходит, и эта философия выражается в композиционной структуре, которую художник выбирает сам в том или ином случае. Как правило, у каждого художника есть свои любимые приёмы. У меня это ритм. На ритме я очень много что могу выстроить, любую тему или идею я могу при помощи ритмизации решить, получается неплохо. Кто-то любит использовать принцип вертикалей и горизонталей, как на той картине, которую я показывала. Это такой принцип композиции, когда изображение строится на перекрестии направлений и форм и ключевые точки, которые образуются перекрестиями, дают нужные маячки, по которым зритель рассматривает картину.
Также композиция – это инструмент работы с собственным стилем. Многие начинающие художники приходят с таким запросом: “Я хочу выработать свой стиль в рисовании, узнаваемую манеру, характерные особенности живописи. Как сделать, чтобы меня узнавали как художника?” Изучайте композицию, друзья! У вас все карты на руках – пробуйте, ищите оригинальные ходы, ищите что-то новое. Изучайте композиции старых мастеров, пробуйте их преобразовать в современных сюжетах. Это не новая тема, но вполне работающий инструмент. Вот, например, посмотрите на эту репродукцию. Корнеев Е.А. Портрет академика Академии медицинских наук СССР, лауреата Ленинской премии и Государственной премии СССР, заслуженного деятеля наук РСФСР, профессора Л.К. Богуша. 1980.
Это портрет врача, маститого, очень известного. Какие приёмы художник использует, чтобы показать его мощь, силу, энергетику? Во-первых, это цвет: яркий цвет одежды, который отличается от цвета одежды других персонажей. Художник выделяет цветом главного героя – хотя здесь много людей, это скорее групповой портрет, чем чётко персональный. Во-вторых, автор создаёт очень большой контраст между тёмным и светлым, между верхом и низом, как бы заземляет главного героя, показывая, что он, конечно, очень земной человек, но он стремится к чему-то большому, светлому и великому. Об этом говорит вот этот ореол светлоты вокруг него и сам жест. Эти воздетые руки ничего не напоминают? Подумайте, вспомните, что может напоминать такая жестикуляция? Вы наверняка видели такие жесты не один раз в живописных и графических изображениях. Да, это жест религиозной символики, молитвенный и благословляющий жест. Такое положение рук часто встречается в иконописи. И здесь надевание перчаток и рабочей медицинской одежды – символ приобщения к чему-то большому и непостижимому, элемент приобщения, трансформации. Да, и лампа похожа на нимб, всё верно.
Если рассматривать любую картину с такой точки зрения, пытаться разобраться, почему это именно так и какими средствами достижим нужный эффект (эмоции, состояние), то вы начинаете мыслить как художник, композиционно мыслить. Получается, что композиция – это сама суть творчества, это такой интеллект художника. Это не просто ремесло. Что отличает творца от ремесленника? Умение мыслить, умение заложить в картину что-то большее, чем просто технические художественные приёмы. Композиция в изобразительном искусстве – это не копирование натуры, не сюжет, а сама идея, как мощный стержень, на основе которого создаётся произведение искусства.
Эта структура не притянута за уши, а изначально задумана. Поэтому сначала создаётся сама идея – то, о чём художник хочет сказать своим произведением. Потом выбирается тема и сюжет – в какой форме это будет изображено. Затем выполняется эскиз, чтобы зафиксировать момент при помощи изобразительных средств. И только потом создаётся законченное произведение, которое развивает, интерпретирует, подаёт саму тему и идею. И уже зритель, рассматривая картину, может всё воспринять, понять.
Из всего озвученного, можно сделать вывод: просто рисовать, реалистично, академично, грамотно, – это не самоцель художника. В этом плане художники-скетчеры очень сильно проигрывают художникам, например, символистам – тем, кто мыслит более глубоко и качественно. Любой художник или дизайнер, чтобы донести до зрителя свою идею, свой рисунок или картину, изучает и практикует композицию. При помощи этих конкретных знаний и умений, он это делает. Развивать композицию, как мышление, развивать композиционный ум – это учиться креативности.
В творчестве это самое важное: не повторяться, не делать ради того, чтобы делать, а создавать что-то своё, уникальное, сильное. В этом и заключается реализация себя, как художника. Это суть самого творчества. Этому учат в любом учебном заведении, где получают творческую профессию в области изобразительного искусства. На эту основу накладываются все остальные знания, умения и навыки художника.
Давайте посмотрим пару примеров ещё. Например, композиция натюрморта. Здесь изображены вполне узнаваемые предметы, но они структурированы таким образом, чтобы было ощущение яркого света, вспышки света. Получилось такое немного меланхолическое изображение, как будто туманный день или пасмурный и предметы теряются в этой дымке. Конечно, мы изображаем натюрморт, предметы, но сам композиционный ход в виде U, даёт мягкость, нежность восприятия этого натюрморта. Сама композиция, сама структура такая.
Или, если говорить о композиции пейзажа, может применяться в живописи такой ход, когда всё состоит из кренящихся направлений, форм. Здесь есть ощущение динамики, движения в пейзаже, света, движения самих объектов, какой-то суеты. Цвет эту динамику немного сбавляет, делает её не излишне драматичной, а скорее забавной.
А на нашем курсе мы учим не только видеть и создавать структуру самого произведения (тональную, цветовую и прочее), находить и подчёркивать самое главное – центр композиции, но и работать в обратную сторону – разбирать произведение художника до композиционной схемы, снимать изобразительность с картины и обнажать саму суть, изображая это в графическом виде. Например, вот таким образом. Это копия картины художника, а выше – её графическая идея. Тут показаны основные направления, которые зрителем прочитываются, основные массы элементов, лежащие в основе картины, и выявлено самое важное – схождение в центре композиции двух больших блоков.
За счёт этого картинка выглядит не просто набором пятнышек, а самостоятельным единым целым, живым организмом. Такое упражнение на нашем курсе тоже есть – анализ и интерпретация произведения искусства и формализация произведения искусства. Я про это на курсе очень подробно говорю и, конечно, на примерах всё показываю. Приглашаю на наши занятия по композиции в формате видеокурса. Заказать его и узнать подробности можно по ссылке: https://jotto8.ru/kursy-hudozhestvennogo-risovanija/videokurs-kompozitsija+tsvetovedenie . Буду рада видеть вас на наших занятиях!
Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:
1. Поставьте «лайк».
2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.
3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂
-
Назад -
Вперед
Всем привет! Сегодня продолжаю серию статей для начинающих художников и просто любителей живописи и не только. В предыдущих статьях я писал о масляных красках их выборе и так далее. Сегодня же хочу поговорить с вами и обсудить тему композиции в работе художника.
Тема невероятно сложная, и требует огромного иллюстративного и пояснительного материала. Поэтому в статье постараюсь кратко рассказать о самых важных на мой взгляд аспектах и законах композиции.
Что такое композиция в рисунке и живописи?
Во-первых давайте поговорим о том, что же такое композиция с точки зрения художника?
Если в двух словах, то это законы и принципы размещения и взаимодействия любых предметов, людей, пятен, цвета, линий в видимом поле живописной работы, а также их компоновка относительно формата двумерного носителя или трёхмерного пространства (так как живописная работа может быть и трёхмерной).
Можно дать и более упрощенное определение
Композиция-это набор элементов картины, взаимодействующих между собой и имеющих центр
Иными словами композиция-это гармония или соотношения всего, что может быть изображено художником с форматом носителя.
Важно! Невозможно говорить о композиции не говоря об эмоциях, которые хочет передать художник в своей работе. Всегда законы и принципы композиции подчинены замыслу работы и тому эмоциональном посылку, который хочет передать художник. Любая красивая композиция и гармония-это не самоцель. Прежде всего это инструмент. Правильно созданная композиция усилит и подчеркнёт замысел, а не правильная его полностью смажет.
Выбор формата работы очень сильно зависит от вашего замысла
Очень важная вещь для понимания композиции-это формат. Формат нужно выбирать в соответствии с замыслом. Так как выбор формата напрямую влияет на эмоциональный посыл.
1. Квадратный формат. Это прежде всего эмоции статичности и стабильности. Ощущение спокойствия и тепла. Мало движения, мало эмоций.
2. Вытянутый по горизонтали формат. Динамика движения по горизонтальной плоскости. Движение идёт или слева направо, или наоборот в зависимости от замысла.
3. Вытянутый по вертикали. Однозначное движение или вверх, или вниз. Мощная динамика и эмоциональность. В своих работах очень люблю использовать именно вертикальный формат, дающий на мой взгляд максимальную динамику работе. В примере моя работа в которой вертикальный формат подчёркивает движение вверх по дороге, в сторону солнца. Мы идём как бы глазами снизу вверх. Ощущаем эмоцию буквально кожей. Таково воздействие правильно подобранного формата.
Итак, формат очень сильно влияет на композицию и на общее эмоциональное восприятие живописи.
Композиционные приемы в живописи и рисунке
Далее я хотел бы достаточно кратко, с примерами показать основные композиционные приемы используемые как в рисунке, так и в живописи.
Золотое сечение
Наверное невозможно говорить о композиции и не сказать о правиле или законе золотого сечения. Я сам очень часто применяю данный принцип в своих работах. Есть геометрически выверенные формулы построения, а также четкое определение, которое гласит – золотое сечение, или золотая пропорция это такое соотношение двух величин, при котором бо́льшая величина относится к меньшей, так же как сумма величин к бо́льшей(источник https://ru.wikipedia.org/wiki/). Но что это такое, если говорить простым языком? И как оно помогает художнику? Золотое сечение-это определённое гармоничное соотношение осевых вертикальных или горизонтальных направляющих линий в картине. Также можно сказать, что данная пропорция может очень помочь художнику в построении композиции работы. Использовать данное соотношение можно в любом жанре и стиле.
На примере своей работы “Солнце Дивеево” хочу показать принцип пропорции золотого сечения. Первое изображение-более сложное построение, второе-более простое. Разумеется, я не вычислял с линейкой данные пропорции, а делал все на глаз. Так как, надо отметить, что находясь например на пленэре, занимаясь живописью с натуры, мы не всегда можем точно геометрически простроить данные соотношения. Тут важно отметить то, что видение соотношения золотого сечения необходимо в себе развивать. Делать упражнения, и вырабатывать чувство гармоничного соотношения позволяющего на интуитивном уровне чувствовать данные пропорции.
Правило третей.
Это правило говорит о том, что самое важное место в работе, акценты должны находиться в определённых точках работы. Если мы поделим формат работы по вертикали и горизонтали отрезками на равные части, то в точках пересечения этих направляющих получим нужные точки.
Существует мнение, что в картине все важные элементы необходимо располагать именно в точках пересечения третей. На примере выше, основные элементы расположены на пересечении трех из четырех точек. Данное правило позволяет строить гармоничные и динамичные картины.
Композиционный центр картины
Центр композиции это не обязательно геометрический центр формата картины.
Как правило совпадение геометрического и композиционного центров дает статику и отсутствие движения в работе. Также хочу отметить, что желательно стремиться к тому, чтобы эти центры не совпадали между собой. Данный принцип придает больше динамики и эмоциональности в вашей живописной или графической работе.
Симметричный, асимметричный треугольник
На мой взгляд весьма распространенный композиционный прием. Он используется художниками уже очень и очень давно. Однако и сейчас композиции на основе треугольника не потеряли своей актуальности.
В примере выше я использовал симметричный треугольник как основу композиции портрета.
Расположение объектов в формате.
Расположить объект в формате, будь то человек, предмет или скажем деталь пейзажа нужно так, чтобы были соблюдены определённые законы.
Об этих правилах и законах можно написать отдельную статью, но если вкратце то хотел бы сказать, что необязательно делать так, чтобы все предметы например постановки входили четко в границы формата. Всегда нужно искать нестандартные варианты. Можно где-то что-то обрезать для динамики. Где-то чего-то не показать. На примере своей работы хочу показать, что если бы я немного по другому кадрировал работу, то она смотрелась бы более интересно.
Диагональ
Размещение по диагонали это очень мощный композиционный приём. Даёт сильную динамику и движение. Можно просмотреть этот принцип на следующем примере.
В картине Василий Суриков диагональю подчеркивает мощное движение снизу справа на лево вверх. Сани буквально едут наверх. Если же попробовать отзеркалить картину и посмотреть, что получается, то мы увидим, что сани наоборот, как бы катятся вниз. Данный принцип при правильном использовании мощно подчеркивает задумку автора.
Композиция в абстрактной живописи
Также несколько слов хотел бы сказать о композиции в абстрактной живописи. По большому счету тут действуют одни и те же композиционные принципы, что и в реалистичной живописи. Однако следует отметить, что в абстракции тяжелее на мой взгляд выразить эмоции и поэтому требования к гармонии и композиции гораздо жестче, чем в реалистичной живописи.
Также используя законы и принципы композиции можно анализировать то, что изображено на абстрактной работе. К примеру на картине Василия Кандинского мы видим диагональное композиционное построение, мощную динамику. Явный композиционный центр смещен вправо относительно геометрического центра. Мы очень сильно ощущаем внутреннюю динамику работы.
Если хочется, то можно нарушить все законы композиции
В заключение статьи хочу сказать, что рассказал далеко не о всех композиционных принципах. Их очень много. Я лишь постарался показать основные и на мой взгляд самые важные приемы. И ещё, хочу сказать, что не всегда нужно следовать чётким правилам, действуйте интуитивно. Развивайте в себе навык чувства композиции. Делайте различные упражнения и ищите формы выражения своего замысла. Помните, что идея первична, выполнение вторично. Самое главное это замысел. Это в конечном итоге приведёт вас к мастерству.
Напишите какие принципы композиции вы сами используете в своей работе, а также давайте вместе обсудим, что для вас такое композиция?
Спасибо, что дочитали до конца! Надеюсь, статья была вам полезна и интересна. Подписывайтесь на канал, ставьте лайки и оставляйте комментарии.
На чтение 7 мин Просмотров 7.7к. Опубликовано
Обновлено
Приветствую! Подарили мне тут скетч-бук, и так сразу захотелось порисовать. И я подумала, что рисовать хотят многие, а умеют единицы, и в моих силах немного уравнять две эти группы. Начинать ведь следует с начала, так что и начнем мы с композиции.
Ведь она — основа любого искусства: рисунок, архитектура, скульптура… Давайте сегодня раз в навсегда усвоим правила композиции в рисунке, а как правильно рисовать, посмотрим попозже.
Содержание
- Что такое композиция
- Общие правила расположения объектов
- Правило третей
- Золотое сечение
- Треугольники
- Центр композиции
- Размер
- Цвет
- Линии
- Перегружена ли картина?
- Размеры
- Динамика или статика
- Горизонталь или вертикаль
- Перспектива и другие художественные тонкости
Что такое композиция
Какие же правила без понимания, что мы вообще хотим поправить? Когда мы смотрим на любую картинку, то наш взгляд за что-то цепляется, да и вообще на картине, как правило, что-то изображено. Даже в картине моря есть кораблики или привлекающие внимание гребни волн. А в картинах неба – выделяющиеся облака.
Расположением всех объектов на картине называется композицией. Если нет объектов, то акцентов, будь то просветы в облаках или цветы в поле. Композиция предполагает гармонию, то есть все акценты на картине в нашем мозгу связаны и не противоречат друг другу. Мы не берем в расчет контраст, когда на пальму вешают елочный шарик. Тут скорее корова размером с НЛО на поле или жираф в море. Понимаете разницу с шариком?
Общие правила расположения объектов
Я вам сейчас дам сухую теорию, которую вывели умные люди и совершенно не знали художники. Почему не знали? Потому что все правила в искусстве – законы природы. Но некоторые люди их видят и становятся великими художниками, а некоторые – нет. Сейчас можно научиться, а не рассчитывать на природные таланты.
Правило третей
Это самое легкое, что можно придумать. Если вы фотографируете, то и сами знаете это правило, ну или интуитивно видите, на каких фотках оно нарушается.
В рисунке все тоже самое. Лист делится на 9 частей, две линии по горизонтали и две по вертикали. Ели на картинке будет один объект, то его лучше располагать на линиях или в центральном секторе. Если несколько – на линиях. Горизонт, как правило, располагается на нижней горизонтальной линии.
Естественно, многие нарушают это правило. Но, чтобы идти против правил, нужно как минимум эти правила знать, как максимум иметь хорошее природное чувство гармонии.
Золотое сечение
Вариант для продвинутых. Но на самом деле он более интуитивно понятен, хотя и его и сложнее выучить. Мы представляем, что на любой прямой объекты должны находится на расстоянии 38 частей от одного края листа и 62 – от другого. Чтобы получить красивую улиточку, нужно лист делить в данном соотношении, пока не закончится место. Смотрите:
Золотое сечение само по себе – идеальная природная пропорция. На самом деле большая часть природных объектов соответствует этой рассчитанной пропорции. Это деревья, раковины моллюсков, волны… возьмите свои фотографии и в половине вы найдете эту улиточку.
В рисунке придерживайтесь расположения объектов по улитке, это очень прокачает ваше чувство прекрасного и гармонии. Кажется сложным, но глаз быстро привыкает, ведь это заложено самой природой.
Треугольники
Это вариант золотого сечения, но он проще и понятнее. Вы мысленно или физически делите лист на треугольники, из углов идут перпендикуляры.
Далее у вас в картине должно быть три акцента и каждый вы располагаете в пределах соответствующего треугольника. Такие картины будут смотреться гармонично, а от вас не будет требоваться ни расчетов, ни чертежей.
Это основные правила композиции, то есть расположения объектов на листе. Классно работают, если у вас от 1 до 3 акцентов в картине.
Центр композиции
Что такое центр? Естественно, это тот предмет, которые мы выделяем на фоне других предметов. В рисунке его легче выделить, чем в фотографии.
Размер
Выделяется ли слон в посудной лавке? По-моему, да.
Цвет
Ничего не придумали? Противопоставьте цвет, сделайте объект ярче или бледнее, его заметят.
Линии
Зачем думать, если можно показать, где главное лицо линиями? Это много, где используется в классических картинах, но для непрофессионала неочевидно.
Может ли центров быть несколько? Да легко! Самый простой пример здание без крыши с открытой дверью. Выделяется голубое небо и свет в дверном проеме. Вот вам и два центра.
Перегружена ли картина?
Некоторые картины кажутся симметричными, а некоторые вызывают удивление. Как полотно еще не накренилось? Это больше касается картин, где изображено большое количество объектов. Самый простой пример – натюрморт или баталии.
Самый банальный способ уравновесить вашу картину – расположить объекты треугольников. Один центральный и равномерно вокруг более мелкие объекты. Помните, что излишняя симметрия делает картину скучной.
Второй вариант хорошо работает в цветах. Расположите все объекты по кругу. Такая картина точно будет симметричной, особенно если вы не будете искусственно что-то выделять.
Диагональ или линия. Вот здесь хочется что-то положить на другой край картины, она выглядит несимметричной. Такая композиция тоже много где используется, но художники уравновешивают ее другими способами, а для новичков не рекомендую.
Если вы только начинаете рисовать, то старайтесь уравновешивать картину, при этом избегая излишней симметрии. И не забывайте про акценты.
Размеры
Вы решили нарисовать несколько объектов, какие же выбрать? Например, для натюрморта может сгодиться любой продукт из холодильника, какое разнообразие выбора! Общая рекомендация – не брать продукты одного размера. Если вы берете три объекта, то это может быть капуста, яблоко и клубника, то есть по убывающей размера.
Обратите внимание! Если объекты можно пересчитать беглым взглядом, то их лучше рисовать нечетное количество. Рисуете природу? Выбирайте ракурс с деревьями разного размера, особенно если они служат акцентами. У вас одно дерево?
А вот «поставьте» в противоположный угол людей, телегу, стаю ворон – да что угодно, что уравновесит картину. Это про пункт с расположением предметов, конечно, а тут я пишу, чтобы показать, что второе дерево может и вовсе быть не нужным.
Динамика или статика
Композиция бывает статичная и динамичная. Художник запечатлевает момент, а мгновение может быть и паузой в движении, не правда ли? Как же передать, что стакан сейчас упадет, а собака на самом деле бежит?
Есть инструменты! Прежде всего, поза. Ну правда, если животное стоит столбом, то какое тут движение? А на восприятие зрителя мы влияем направляющими линиями. В нашем мозгу то, что расположено по горизонтали более подвижно, чем горизонтальные объекты. Так что стоящую чашку – перпендикулярно горизонту, а падающую – под острым углом к горизонту.
Горизонталь или вертикаль
И еще кусочек. Разные композиции вызывают в зрителе разные эмоции. Ваша картина может быть как бы приплюснутой, горизонтальной. Это вызывает чувство спокойствия, уюта, неизменности.
Вертикаль, например, готический собор, навевает мысли об устремлении вверх, преодолении трудностей, стремлении к идеалам. Диагональ добавляет движение, как дорога уходящая вдаль. И есть ломаные, непрямые линии.
Природа всегда плавная, вы не найдете веточку, которая бы росла под прямым углом, или изломанную линию роста деревьев. Нет, только плавные, закругленные линии. Если же рисуете не природу, а, например, битву или городской пейзаж, то изломов не избежать. Ломаные линии дают картине жизнь, движение.
Перспектива и другие художественные тонкости
Не забывайте, пожалуйста, про восприятие объема и картины в целом. Правильно передавайте перспективу, то есть отношение объектов на разном отдалении от зрителя. Помните, что стоящий человек закрывает головой горизонт, имеет живую позу и скорее всего идет наискосок, а не вдоль линии горизонта.
Но детально это все мы рассмотрим в других статьях. А вы сейчас постарайтесь передать картинку такой, какой вы ее видите. Я бы рекомендовала на начальных этапах делать фотографию и уже с нее рисовать. Так вы увидите правильное расположение ваших предметов на плоскости.
Но и модель убирать не стоит, ведь что-то лучше видно в объеме! Постарайтесь рисовать при естественном или хорошем искусственном освещении, чтобы вы видели правильные цвета ваших моделей.
И на сегодня все, сходите в музей, чтобы еще раз увидеть все варианты композиций и приступайте к работе. Напишите, какие еще темы интересны в отношении изобразительного искусства. Полезна ли была эта статья для рисунка и для фотографии? Оставьте свой комментарий.
Создание любого художественного произведения начинается с композиции, которая строится по законам визуального восприятия и является основой изображения. Композиция (от латинского compositio – соединение, сочетание, связывание) – одна из главных категорий изобразительного искусства, определяющая художественную форму и задающая разработку картины, рисунка, иллюстрации в соответствии с тем, как человеческий глаз воспринимает действительность.
Композиция представляет собой костяк («скелет») произведения, отвечающий за грамотное размещение объектов в пространстве, правильное соотношение их размеров и конфигураций, а также гармоничное сочетание оттенков и светотеней. Соблюдение композиционных правил и законов является одним из главных секретов целостной и завершенной картины, в которой все элементы взаимосвязаны и подчинены единой идее. Но прежде, чем рассказать о правилах создания композиции, небольшой экскурс в историю.
История композиции
Понятие «композиция» вошло в терминологию изобразительного искусства в эпоху Возрождения (Ренессанса), когда художники при создании произведений начали использовать знания перспективы, геометрии и анатомии. Старые мастера вне зависимости от того, в каком жанре работали, старались выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета и колорита.
Для ренессанса характерны трехмерность, глубина пространства, трехъярусное расположение пейзажа, принципы ритмичности, чередования горизонталей и вертикалей. В работах художников периода раннего Возрождения можно увидеть приемы противопоставления персонажей на основе контраста (например, «Поцелуй Иуды» Джотто). Огромную роль в формирование композиционных законов внес Леонардо да Винчи, введя в практику понятия линейной и воздушной перспективы. В этот период художники впервые стали передавать статику и динамику, размещать ближние и дальние объекты так, как их воспринимает человеческий глаз.
В картинах художников, работавших в эпоху Барокко, появляется еще больше динамизма, для персонажей характерно сложное движение, из-за которого композиция теряет «устойчивость». Барочная живопись изобилует темными цветами, а освещенные предметы не имеют строгих очертаний, как в ренессансе. Для построения композиционных структур используются приемы восходящей и нисходящей диагонали, движение по спирали и усложненные ракурсы, в частности, перевернутые фигуры и нарочито большие по отношению к размеру холста фигуры.
Структурная основа художественных произведений классицизма характеризуется простотой и сдержанностью цветовой гаммы. На все виды искусства того времени, в том числе и на композиционные построения в живописи, большое влияние оказывает театр. Принцип организации художественного произведения в классицизме напоминает макет сцены, когда главные герои располагаются на втором плане, а первый и дальний виды служат для отображения второстепенных объектов. Распространенными композиционными построениями являются «треугольник», «квадрат» и «прямоугольник».
В эпоху Романтизма и Реализма по композиции создаются учебные пособия, она вводится в образовательную программу как отдельная дисциплина. Ориентируясь на суммарный опыт прошлых периодов, художники уделяют большое внимание принципам и приемам: обобщения, «осевых линий», уравновешивания тонов и пятен, характера формата. В эпоху романтизма и реализма при создании художественных произведений применяются законы начертательной геометрии и теории теней.
Приход импрессионизма, модернизма и авангардизма приводит к утрате композиционной целостности. Художники оставляют за собой право экспериментировать и писать картины на основе теории цвета, собственного видения мира и формальных композиционных решений. На смену классическо-академической композиции приходят абстрактные композиционные структуры.
Правила построения композиции
Существует 2 вида композиционных структур – статичная и динамичная. Первая передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, вторая показывает движение, включая эмоции и стихии.
Принцип создания статики и динамики основывается на отклонении угла объекта от вертикали и горизонтали. Чем больше в предметах вертикальных и горизонталей линий, тем статичней композиция, и наоборот. Статика и динамика проявляется также в симметричном и ассиметричном расположении объектов по отношению друг к другу.
Что такое композиционный центр и как его выделять
Одной из основных задач художника является определение композиционного центра – главного объекта произведения, на который должен быть устремлен взор наблюдателя. Существует несколько способов, позволяющих строить композицию таким образом, чтобы зритель в первую очередь обратил внимание на ту или иную часть картины:
- отличие габаритов главного и второстепенных объектов;
- использование многоплановости;
- задействование направляющих;
- применение контраста.
Главный объект произведения чаще всего изображается самым большим, потому что крупные элементы привлекают внимание сразу, и только потом зритель переходит к рассмотрению мелких. Исключением являются изображения, где все предметы большие и лишь маленький. Он обычно расположен на переднем плане и играет роль своеобразного «крючка», заставляющего зрительно обращаться к нему снова и снова.
Используя многоплановость, художник может создать глубину пространства, выдвинув композиционный центр на передний план, а другие объекты разместить на заднем или наоборот. При этом следует учитывать, что главный элемент должен быть единственным в пространственной плоскости. Для обозначения композиционного центра также используют метод направляющих, в качестве которых выступают объекты картины. Достигается это различными способами, например указанием динамики движения вспомогательных предметов к основному или обращение взоров второстепенных персонажей к главному.
Контрастный композиционный центр в свою очередь базируется на разнице между темным и светлым тонами. Другими словами, главный объект композиции должен быть либо сильно темнее, либо значительно светлее второстепенных. При использовании этого приема следует учитывать, что темная заливка визуально уменьшает, а светлая – увеличивает предмет. А в этом видео на примере ведения работы по технологии оптических просветов показано, к чему может привести нарушение правил построения композиции. Что получается, когда композиционный центр «проваливается» и хаотически перемешивается с второстепенными объектами.
Правила построения композиции
Теперь, когда вы знаете, как создается статика и динамика, и какими способами можно привлечь внимание к главному объекту картины, можно поговорить о правилах гармоничной композиции.
Правило «золотого сечения»
«Золотое сечение» – это разновидность геометрической пропорции, когда отношение целого к большей части равняется отношению большей части к меньшей в соотношении 0,618 к 0,382 или 62% и 38%. Существует 2 способа построения структуры будущей композиции – спиралевидный (логарифмический) и диагональный.
Логарифмическое «золотое сечение» получило такое название из-за последовательности «вложенных» друг в друга прямоугольников, стороны которых относятся друг к другу как 0,618 к 0,382. Для создания композиции строить прямоугольники не обязательно, достаточно карандашом прорисовать спираль, на которой будут располагаться объекты по убыванию размеров – в начале спирали самые большие, в конце – самые маленькие.
Диагональное «золотое сечение» чаще всего используется для размещения разнотипных объектов. Для создания композиционной оболочки необходимо нарисовать прямоугольник и провести диагональ. Затем к диагонали из вершины геометрической фигуры прочертить перпендикуляр, разбивающий ее на отрезки в соотношении 62% и 38%. Получатся 3 треугольника разных размеров, в которых будут располагаться значимые объекты будущей композиции.
Конструкция может быть и произвольной – главное, чтобы она была удобной и позволяла грамотно распределить важные элементы изображения и соблюсти правильные пропорции. Как определить значимые объекты и создать тематический «каркас», и какие ошибки могут возникать, если пренебречь построением конструкции, рассказывается в видео, посвященном работе над рисунком по технологии оптических просветов.
Правило третей
Является упрощенной версией «золотого сечения» и заключается в разбиении плоскости на 9 равных прямоугольников. Если в композиционный центр входит один объект, то его (объект) следует расположить в центральном прямоугольнике ближе к одной из вертикальных сторон. Если значимых элементов несколько, они размещаются в вершинах прямоугольников, а линия горизонта обычно располагается на одной из горизонтальных линий. Правило третей подходит как для создания симметричной, так и ассиметричной композиции.
Как правильно строить композицию и вести работу «от пятна». Почему следует отказаться от штриховки в рисунке и каким образом создается воздушная перспектива. Как сделать изображение объемным и добиться тонкой игры полутонов. При каких условиях гармоничные оттенки рождались сами собой, и за счет чего в картине возникает внутреннее свечение. Эти и многие другие нюансы технологии оптических просветов, основанной на технике Старых мастеров, вы узнаете из книги, скачать которую можно по этой ссылке.
Обязательно примите участие в нашем бесплатном мастер-классе и узнайте 5 приемов высококлассной живописи, о которых вы не слышали!
0
0
голоса
Рейтинг статьи
