Как найти колорит картины

ВСЕ
А
Б
В
Г
Д
Е
Ж
З
И
К
Л
М
Н
О
П
Р
С
Т
У
Ф
Х
Ц
Ч
Ш
Щ
Э

КОЛОРИТ

ноября 5, 2018 21:34

Мадонна конестабеле. Рафаэль Санти. Колорит эпохи Возрождения.

Колорит – (от итал. colortio, от лат. color – цвет, краска).
Колорит – это в живописи организованное взаимоотношение цветов, находящихся в гармоничном единстве и подчинённые авторской идее художника. Колорит служит одним из средств художественной выразительности произведения живописи и определяет психолого-эстетическое воздействие картины на зрителя.

Особенности колорита различны в картинах разных художников, эпох, стилей, уникального авторского почерка (живописной манеры), он зависит от сюжета и ключевого замысла картины.

Мадонна конестабеле. Фрагмент. Рафаэль Санти. Колорит эпохи Возрождения.

В истории искусств существует два типа колористического решения:
+ на основе локальных цветов, с использованием символического значения цвета (например, искусство эпохи Возрождения);
+ полноцветная, живописно-эмоциональная передача действительности с применением свето-теневой моделировки формы (рефлексы, отражения, тепло-холодность, валёры, воздушная перспектива и другое) (например, искусство Барокко).

Персей и Андромеда. Питер Пауль Рубенс. Колорит эпохи Барокко.

  Колорит, в зависимости от авторской идеи художника, бывает: холодный или тёплый; тёмный или светлый; лёгкий или тяжёлый; с доминирующим цветом – красноватый, голубоватый и др.; яркий или блёклый; сдержанный (ограниченная палитра; мрачный;, тревожный; золотистый, серебристый; серый и т.д.
  Основа колорита – гармонизация цветов и их оттенков по принципу контраста, дополнения, количественного сочетания цветов, по принципу цветовых гармоний.
  Увидеть и проанализировать колорит картины возможно только с расстояния, поэтому картины не рассматривают вплотную и во время рисования отходят от работы. Колорит включает в себя не только мазки краски разного качества, одинаковых по названию (например, зелёных), разных по тону (светлых и тёмных (салатовых и болотных)), укрывистости (лессировочных и кроющих), но и их смесей, а также группы оттенков, объединённые по принципу близких тонов (полутонов, например, изумрудные, бирюзовые и др.). Оптически колорит может восприниматься как согласованным, единым по полутонам, так и гармоничным по принципу контраста (на основе противоположных тонов спектра и их производных), в зависимости от цели художника.

Персей и Андромеда. Фрагмент. Питер Пауль Рубенс. Колорит эпохи Барокко.

Особую роль в создании колорита играют:
* определение разницы и единства лежащих рядом цветовых тонов в натуре (например, тон лица, тон воды и другое) и полутонов;

* соотношение в живописном произведении линии (рисунка) и цвета (живописности). Есть мнение, что художники делятся на живописцев (владеющими колористическим богатством и не очень умелые рисовальщики) и графиков (слабых колористов, основное внимание уделяющих линиям и форме);

* точная светотень (по цвету, тону, насыщенности, прозрачности, тепло-холодности, соотношения со светом и тенью);

* живость мазка (цветовые вибрации);

* соразмерность гармоничных по цвету кусков живописного полотна (цветовые гаммы).

Колорит – это собственная система цветовых отношений художника в каждом конкретном произведении, зависящая от замысла, материала исполнения и функций картины. Поэтому колористическое решение художника на картине может отличаться от реальных отношений цветовых тонов в натуре.

Колорит напрямую отображает содержание произведения через единство цветовых отношений: драма или гармония; радость или грусть; печаль или воодушевление. Качество живописи определяет богатство колорита – разнообразие оттенков и цвето-тональных отношений внутри заданного цветового строя их гармоническое соотношение (нет ли лишних, вырывающихся цветов, не выглядит ли картина излишне скучной и невыразительной по цвету).

Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком» 1478 г.

Кроме живописи, колорит – средство художественной выразительности в искусстве цветной графики, иллюстрации, изделиях ДПИ и народных промыслов, в скульптуре и архитектуре (в последних применимо понятие – полихромия).
Мастера живописи, особо ценные и значимые в истории искусств художники-колористы: Рембрандт, Вермеер, Тициан, Веронезе, Суриков, Делакруа, Борисов-Мусатов и другие.

В обучении живописи освоить принципы колористического живописного решения и научиться гармонизации цветовых отношений помогает написание этюдов с натуры. Основная задача учебного колористического этюда – передать в работе художника разнообразие и гармоническое единство цветовых тонов, взятых в натуре и отображающих свойства предмета в заданном освещении и цветовой среде.
Оценка качества колорита в этюде складывается из:
* соответствие пропорций цветовых отношений этюда к натуре в соответствии с тональным и цветовым состоянием освещённости;

* многообразие оттенков полутонов и рефлексов, в зависимости от цвето-воздушной среды и освещения;

* гармоничная передача контрастных оттенков тёплых и холодных цветов в этюде;
* качество влияния цвета света на локальные цвета элементов натуры и их единство, в соответствии с этим, – принадлежность родственных, близких изменённых цветов предметов и объектов друг другу.

Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком» Фрагмент. 1478 г.

Колорит в истории искусств.

* Искусство Древнего Мира.

Колорит определялся сочетанием лаконичных пятен чистых цветов, не смешанных между собой. Такой условный, локальный колорит присутствует в картинах наивных художников и в детском творчестве. Он изображает качества объектов и предметов самих по себе, без воздействия на них освещения, свето-воздушной среды, погоды и т. д. (небо голубое, трава – зелёная, солнце – жёлтое).

* Эпоха Средневековья.

Цвет приобретает символическое значение, поэтому колорит выстраивается равновесием пятен локального цвета, их размером, силуэтом и изменением светлоты в порядке допустимого. Так построен колорит в произведениях иконописи и в средневековой книжной миниатюре.

Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком» Фрагмент. 1478 г.

* Эпоха Возрождения.

Основное внимание в живописи уделено моделировке формы, поэтому локальные цвета всё ещё присутствуют в колорите художников. Но, в отличие от предыдущих эпох, цвет в картине не так категорично условен и гармонизируется при помощи светлоты и насыщенности (замутнённости), т. е. с применением светотени (например, Леонардо да Винчи “Мадонна Литта”, “Мадонна с цветком”).

* Колорит венецианцев XVI века.

Художники начинают видеть, анализировать и изображать в картине то, что они видят в реале. На смену сухой схемы приходит единство изобразительных средств и художественная выразительность в колорите. В дополнение к тщательному рисунку, цвет передаёт содержание картины, авторскую мысль художника и является ключом к раскрытию художественного образа. Также картины художников этого периода начинают оказывать эмоциональное воздействие на зрителя посредством колорита (Тициан, Джорджоне, Веронезе, Тинторетто). Начинаются поиски выразительности цветового решения картины (не путать с повышенной цветностью, характерной для многих современных художников, балансирующих на грани китча).

Художник: Тициан “Императрица Португалии Изабель” 1548 г. 117 x 98 см. Холст, масло. Museo del Prado Madrid, Spain.

* Реализм XVII века.

Основа колорита – природная связность цветов. Основное внимание художника в работе с цветом направлено на гармоническое распределение тёплых и холодных оттенков под влиянием локального цвета и ярко выраженного освещения. Цвета картины складываются из малых интервалов внутри больших контрастных массивов, как мозаика цветовых переходов, объединённых логикой заданного света (Рембрандт, Веласкес, Рубенс). Впервые используются цветные тени и рефлексы. Имеет значение и характер наложения мазков краски (фактуры). Многие колористические находки художников основываются на принципах зрительского восприятия цвета и формы пятен и их взаимодействия (позже продолжат импрессионисты).

* Классицизм XIX века.

Возврат к локальному колориту и трактовке картины как выражение авторской идеи посредством сюжета и рисунка (форма, объём). Цвет и его оттенки условны, выдуманы художником.

Художник: Тициан “Императрица Португалии Изабель” 1548 г., фрагмент, 117 x 98 см. Холст, масло. Museo del Prado Madrid, Spain.

* Колорит на пленэре.

У художников появляется желание увидеть цвет в натуре и понять принципы гармонизации цвета в окружающей среде. Задача художников – передать иллюзию реальности, т. е. происходит поиск “правды цвета”. Это взаимосвязь предметного цвета, цвета среды, освещения и глубины пространства. Колорит выстраивается при помощи валёров, основанных на цвете воздуха (А. Иванов, Коро, Руссо). Особое значение придаётся цветным теням, общим рефлексам среды.

* Реализм XIX века.

Колорит в картинах художников работает на эстетический результат, при помощи него раскрывается авторский замысел, вызываются задуманные художником, в соответствии с идеей картины, эмоции и чувства. Появляется небывалая до этого смелость мазков в соединении со значимостью красок. Цвет в картине приобретает значение метафоры – оттенки отображают цвет предмета, цвет среды, освещения, пластику, движение и эмоции одновременно (Репин, Суриков).

Анри Матисс – Танец с настурциями, 1912

* XX век.

Художники стремятся усилить эмоциональное воздействие картин на зрителя. Идейная составляющая доминирует над иллюзорностью реальности, поэтому происходит возврат к локальному колориту, полностью или частично (Гоген, Матисс и другие).

Использовалась литература:

1. Беда Г. В. “Словарь специальных терминов в живописи”;

2. Сокольникова Н. “Краткий словарь художественных терминов для учащихся 5-8 классов”.

3. “Популярная художественная энциклопедия.” Под редакцией Полевого В. М.; – Москва: “Советская энциклопедия”, 1986.

4. “Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.” Под редакцией проф. Горкина А. П., Москва: Росмэн, 2007.

5. Большой энциклопедический словарь;
6. Волков Н.Н. “Цвет в живописи”. – М., 1965.

7. Иллюстрированный энциклопедический словарь – Москва: Аутопан В. И. Бородулин и др., 1998.

8. Большая советская энциклопедия;

9. Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона.

Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:

1. Поставьте «лайк».

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂

Назад
Вперед

Источник

Просмотры: 147 087

Колорит изображения (итал. colorito, от лат. color — краска, цвет) — это общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства, характер цветовых элементов изображения, их взаимосвязи, согласованности цветов и оттенков.

Внешнее выражение колорита — живописность и красочность цветовых сочетаний в произведении. Категория колорита тесно связана и является производной от тональности художественного произведения.

Художественное полотно строится на взаимосвязи всех цветов живописного произведения, то есть когда ни одно цветовое пятно нельзя изменить по яркости или насыщенности, увеличить или уменьшить по размерам без ущерба для целостности произведения.

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом.

Колорит, колоритный — в переносном значении, описательная качественная характеристика объекта, явления, события, местности, произведения искусства, основанная на внешних признаках (в том числе не обязательно зрительных), их взаимосвязи, согласованности. Так, употребляются выражения Музыкальный колорит, звуковой колорит, национальный колорит и т. п.

Про цветовую систему

Хотя художники должны на практике хорошо знать и цветовой круг и законы оптического суммирования, мы (Волков) считаем полезным напомнить здесь эту азбуку цветоведения.

По окружности цветового круга расположены непрерывно изменяющиеся но цветовому тону насыщенные цвета — спектральные и пурпурные. Против пурпурно-красного расположен зеленый цвет, против красного — сине-зеленый, против оранжевого — синий и против желтого — фиолетовый. На каждом радиусе расположены цвета одного цветового тона, непрерывно изменяющиеся по насыщенности от спектрального или пурпурного до белого, расположенного в центре круга. Изменение цвета по светлоте в цветовом круге не учитывается.

На цветовом круге легко наглядно показать три закона оптического смешения цветов. Согласно идее Ньютона, цвет смеси находится (по принципу центра тяжести) на прямой, соединяющей смешиваемые цвета, ближе к тому цвету, которого в смеси «больше».

Соединим хордой два близких спектральных цвета, например оранжевый и красный. Их оптическая сумма расположена на хорде и будет, очевидно, обладать цветовым тоном цвета, промежуточного между смешиваемыми цветами. Это правило оптического смешения, полученное Ньютоном. Легко заметить, что любое смешение цветов ведет к потере насыщенности. Чем дальше друг от друга смешиваемые спектральные цвета, тем больше потеря насыщенности в цвете смеси.

Наконец, наиболее удаленные друг от друга цвета, цвета диаметрально противоположные на цветовом круге, например желтый и фиолетовый, дают при смешении в «равных количествах» белый цвет. Такие цвета называют дополнительными. Итак, дополнительные цвета, смешанные в «равных количествах», взаимно нейтрализуются. Это второе правило оптического смешения. Наконец, сумму двух цветов можно смешать с третьим цветом. Эффект смешения как легко убедиться на цветовом, круге, не будет зависеть от того, как составлен каждый из смешиваемых цветов. При смешении каждый цвет как бы он ни был сложен, рассматривается как простой цвет — точка цветового круга. Это третье правило оптического смешения .

Очевидно, можно выбрать три спектральных цвета, смешение которых в разных количествах может дать все или почти все цвета цветового круга. Такой цветовой триадой принято теперь считать триаду — красный, зеленый, синий. Красный, зеленый и синий называют основными цветами ньютоновской цветовой системы.

Последующие исследования лишь уточняли эту систему.

Новейшие экспериментальные данные о дополнительных цветах фиксируют следующие пары: синий (сходный с ультрамарином темным) и желтый (сходный с желтым кадмием); фиолетовый (сходный с фиолетовым кобальтом лилового оттенка) и зеленовато-желтый; пурпурный (сходный с фиолетовым краплаком) и зеленый (сходный с травяной зеленью); голубой (сходный с берлинской лазурью) и оранжевый; красный (сходный с красным кадмием) и голубовато-зеленый .

Следует особенно подчеркнуть, что красный, типа киновари или красного кадмия, не является дополнительным к зеленому, даже зеленому цвета изумрудной зелени. Матисс в своем натюрморте с золотыми рыбками противопоставляет зеленую листву фиолетово-розовому, а красные пятна рыбок — голубовато-зеленой воде. И это понятно. Он хочет повысить цветность сопоставлениями дополнительных цветов. Мы увидим дальше, что дополнительные цвета связаны с цветовыми контрастами, которыми художники пользуются постоянно.

Ньютоновская цветовая система

Новейшие экспериментальные исследования заставили несколько изменить геометрический образ множества цветов. В частности, идея сложения цветов нашла выражение в более точной модели — так называемом треугольнике смешения цветов. В вершинах треугольника смешения помещаются основные цвета ньютоновской цветовой системы — красный, зеленый, синий. Цвет суммы двух цветов находится по принципу центра тяжести на прямой, соединяющей соответствующие смешиваемым цветам точки треугольника смешения.

С триадой Ньютона связаны все последующие попытки построить господствующую и в наши дни, хотя все еще не доказанную, трехкомпонентную теорию цветового зрения.

Цветовая система Ньютона, нашедшая свое выражение в цветовом круге и в законах смешения цветов, не есть ли это наиболее общая формальная основа колорита — цветовой системы картины?

Недаром художники-колористы, с большей или меньшей долей теоретизирования, говорили о цветовом круге и его использовании в живописи, недаром они изучали законы смешения цветов, пытаясь определить на их основе простейшие цветовые гармонии.

Типы и виды колорита в живописи

Вообще у Волкова надо читать

До сих пор четкого определения колорита нет. Под колоритом принято подразумевать систему цветов, их сочетаний и взаимоотношений в произведении (искусства или дизайна), образующих эстетическое единство и выражающее какую-либо мысль, чувство, состояние природы или человека. О колорите всего произведения можно говорить в том случае, когда выполняются следующие условия:

— одинаковая степень чистоты или смешанности цветов произведения.
— обобщающий налет какого-либо цвета.
— «световая вуаль», т.е. все цвета одинаково насыщены.

Для общего характера колорита чрезвычайно важно преобладание в нем холодных или теплых тонов. Теплыми называются такие тона, которые близки к желтому, красному Они как бы согревают, радуют глаз, в то время как тона, близкие к синему или зеленому, успокаивают живописную поверхность, нейтрализуют ее.
В истории мировой живописи сложились две основные тенденции колористического решения картины. Одна из них, более древняя, связана с преобладанием локального цвета, то есть цвета самого предмета, как правило, чистого, несмешанного, соотносящегося в нашем представлении с определенной окраской, например, голубое небо, зеленая трава, синее море.

Для второй тенденции характерно стремление к наиболее полной передаче цветовой картины мира, пространства и света, широкое использование тона, оттенков, рефлексов. Подобная колористическая живопись рождается в Венеции, давшей такого замечательного мастера колорита, как Тициан. В XVII веке великими колористами были Веласкес, Рубенс, Рембрандт, Вермеер Делфтский, в XVIII—XIX веках — Ватто, Шарден, Гейнсборо, Делакруа, французские импрессионисты, среди мастеров русской школы — А. Иванов, В. Суриков, М. Врубель.

Типы колорита.

	1) Насыщенный или яркий колорит. Главные признаки этого типа: максимально возможная насыщенность его элементов. Основные цвета: Красный, Желтый, Зеленый, Синий, Белый, Черный ( + некоторые промежуточные: Оранжевый, Голубой, Фиолетовый, Пурпурный). Применяется этот тип колорита: — в «примитивных» культурах; — в народном искусстве; — в городском фольклоре; — в искусстве китч (низкопробное искусство); — в агитационной и рекламной графике; — в авангардном течении живописи XX века; — в детском, молодежном и спортивном дизайне; — в искусстве народов южных и северных (прибалты, скандинавы, эскимосы) стран; — в геральдике; — в карнавальном искусстве.
	2) Разбеленный колорит. Это подмесь белого цвета к цветам произведения. Был свойственен доживающему свой век дворянству. Применялись следующие сочетания: белый, оттенки розового, золотого, желтого и т.д.
	3) Зачерненный колорит. Это подмесь в произведение черного цвета. Произведения с зачерненным колоритом выражают тайну, трагизм, старость, угасание, черные мысли, в понимании мира нет ясности.
	4) Ломаный колорит. Получается добавлением серого. Является признаком усталости, пессимизма, предпочитается более пожилыми людьми.

5) Классический колорит. Цвета гармонизированы, не утомляют своей яркостью и насыщенностью, они всегда приглушены и смягчены чем-либо.

Историческая эволюция колорита

Кратко:

Понятие колорита начинает складываться в конце XV века, достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у импрессионистов.

В XV веке краски на полотнах итальянских, французских, немецких художников существовали как бы независимо друг от друга.

Исцеление ран святого Роха

Посмотрите на картину неизвестного художника школы Бернарда Стригеля «Исцеление ран святого Роха». Обратите внимание на то, что красный цвет плаща и на свету, и в тени остается красным, только становится светлее или темнее. Художник как бы расцвечивает предметы, фигуры героев не сливаются с окружающим пространством в одно целое, а предстают яркими пятнами на неопределенном серовато-буром фоне.

Первые перемены в колорите появляются в конце XV века. В это время краски стали накладывать не по отдельности, а сливать в полутона, плавные переходы цвета. Цвет и форма сливаются в одно целое, краска становится неотделима от света и пространства. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто — это превращение локального колорита в тональный.

Если в XVI веке цвет в живописи означает жизнь вообще, то далее он все более конкретизируется. Появляются новые оттенки: у Караваджо — томато-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса — неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру темными тонами, но у него цвет приобретает новые свойства — одухотворенность и загадочность.

Живописцы Возрождения, например Тициан, используют цвет как форму проявления жизни натуры. В эпоху барокко цвет является в большей степени элементом живописной фантазии, выполняющей прежде всего эстетические функции.

Живопись старых мастеров была построена на изысканных красочных переходах, смешанных тонах, сложных технических приемах. Они использовали сильные тоновые и цветовые контрасты. Чтобы получить желаемый цветовой тон, старые мастера часто использовали прием лессировки.

В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более изысканной, сложной и виртуозной. Художники используют тончайшие нюансы одного цвета для лица, волос и одежды. На первый план выступают цвета — белый, светло- желтый, кофейно-коричневый.

Для XIX века характерна борьба различных тенденций, противоречие между цветом и формой. В это время цвет служит главным образом для оптических экспериментов.

Живописцы XIX века, особенно импрессионисты, научились воссоздавать солнечное сияние, выделяя светлое на светлом. Они перешли к применению чистых красок, используя эффекты оптического смешения цветов, больше внимания уделяя цветовым контрастам.

«Красные рыбы» Анри Матисс

У Матисса, Гогена, Ван-Гога — ясные контуры и полнозвучные, большие пятна красок. Матисс обрел свою палитру в царстве локальных красок. Он изобрел способ рисовать не красками, а вырезать из бумаги необходимое цветовое пятно и размещать его на плоскости без предварительного рисунка. Наклейки из бумаги Матисса (ил. 96) составляют единое целое по цвету, их легко превратить в гобелены, рисунок на ткани, книжные украшения.

Цвет на картинах Гогена выполняет роль не столько изобразительную, сколько декоративную, символическую — можно увидеть красный песок, ро

зовых лошадей, синие деревья.

Картины Ван Гога построены на контрастных сочетаниях цветов, но здесь краски являются уже не декоративным, а психологическим фактором, передают настроение.

Чувство колорита — очень ценный дар. Выдающимися русскими художниками-колористами были И. Репин, В. Суриков, К. Коровин, М. Врубель, Ф. Малявин, В. Борисов-Мусатов и др.

Vas.Surikov. Bronze Horseman on the Senate Square. 1870. Rusian Museum

Примером яркого выражения колорита в живописи могут служить работы И. Репина, который писал в теплом золотисто-желто-красном колорите. Любимый колорит В. Сурикова состоял из голубовато-синих, холодных цветов. В серо-серебристом колорите написаны многие произведения В. Серова, а М. Врубель предпочитал серо-голубые цвета. Многие картины Ф. Малявина отличаются огненно-красным колоритом.

Историю развития колорита в живописи — смотреть у Виппера:

Если всмотреться глубже в живопись старых мастеров, можно представить эволюцию колорита в следующих главных этапах. В живописи XV века (все равно — итальянской, нидерландской, французской, немецкой) краски существуют как бы независимо от светотени: художник расцвечивает предметы и независимо от их красочной оболочки моделирует их градациями света и тени. При этом фигуры героев не сливаются в колорите с окружающим пространством в одно целое: фигуры предстают пестрыми, яркими, фон выдержан в неопределенно-серых или бурых тонах. Наконец, в каждой краске сильно чувствуется пигмент, она как бы остается на плоскости картины, не погружается в глубину пространства, не превращается в изображение.

Тициан. «Кающаяся Мария Магдалина» (1560-е)

В конце XV века, раньше всего в Венеции, потом в Северной Европе, намечаются первые перемены в этой системе «архаического» колорита. Теперь краски накладывают не отдельными плоскостями, а сливают их в переходы, полутона. Краска освобождается от своих, так сказать, химических свойств, перестает быть пигментом, обозначением и делается изображением. Краска и форма сливаются в одно органическое целое (в XV веке раскраска и лепка формы существовали отдельно), краска становится неотделимой от света и пространства, она лепит предметы, расставляет их в пространстве, участвует в их движении — одним словом, краска, которая раньше образовывала только декоративную оболочку, теперь составляет атмосферу, жизнь, дыхание картины. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто — это превращение локального колорита в тональный. Вместе с тем коренным образом меняется самое понятие композиции в картине. Если раньше композиция включала в себя главным образом линейную структуру картины, строилась на взаимных отношениях фигур между собой (их симметрии или равновесии, динамике их контуров, орнаментальном ритме их силуэтов), то теперь композиция относится и к колориту картины, к известной системе ее красочных отношений. Причем особенной популярностью в то время пользовалась система композиции, которую можно назвать полярной или перекрестной симметрией: в правой и левой частях картины красочные пятна распределялись более или менее симметрично, но контрастно в смысле тональном, то есть если, например, слева композиция завершалась светлой фигурой, то справа ее уравновешивала темная или же теплому пятну справа соответствовало холодное слева. Часто этот принцип выдерживался не только в

Тинторетто. Обретение мощей апостола Марка (1548)

горизонтальном, но и в вертикальном направлении, так что темному пятну в левом верхнем углу композиции соответствовало светлое пятно в правом нижнем углу. Так впервые в европейскую живопись стал проникать принцип диссонанса, разрешающегося в конце концов в гармонию. Самым излюбленным приемом красочной композиции в эпоху барокко становится так называемая овальная схема, согласно которой композиция картины составляется как бы из концентрических колец овальной формы, вперемежку то светлых, то темных, то теплых, то холодных.

Если в XVI веке краска имеет сравнительно слабое имитативное значение (как идеальное вещество, означающее жизнь вообще), то в XVII веке краска все более конкретизируется и все более взаимопроникается со светом (у Караваджо — свет, а не освещение). Наступает конец золота и сверхчувственности краски. Появляются новые оттенки: у Караваджо — томатно-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса — неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру только темными тонами, зато у него особенно повышается выразительность краски, ее значительность, насыщенность, одухотворенность; краска возбуждает, внушает, кажется загадочной, как бы отрывается от действительности. Для живописцев Ренессанса (Тициан) краска есть элемент жизни и натуры, для живописцев барокко (Веласкес) она в гораздо большей степени есть элемент живописной фантазии, выполняющий прежде всего эстетические функции.

В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более виртуозной, сложной и порой легкомысленной — в тончайших нюансах и преломлениях тонов, которым нет ни названий, ни аналогий в натуре. Краска становится самодовлеющей: лицо, волосы, одежда, стена пишутся в нюансах одного тона. На первый план выступают преломленные тона, заглушенные, вянущие — белый, светло-желтый, кофейно-коричневый.

Забава злого духа (1894)
Поль Гоген — Новая Глиптотека Карлсберга

Для XIX века характерны борьба различных тенденций, противоречие между краской и формой. Краска служит главным образом только оптическим целям, утрачивая более широкое выразительное значение. Теряется ритм краски, ее экспрессия; она ограничивается изображением. Реакция наступает у Гогена, Ван Гога, символистов.

Источник

§7 Колорит

Существенную роль играет в живописи объединение цветов. Обычно объединяются между собой те цвета, которые равны по светлоте и которые близки друг другу по цветовому тону.

Когда цвета тонально объединены между собой, то замечается их качественное изменение, проявляющееся в особой их звучности. Цвет, который выпадает из общей тональности, не согласован с ней, кажется чуждым, разрушает целостность живописного произведения.

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом.

Колорит раскрывает нам красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным.

Живопись старых мастеров позволяет проследить развитие колорита в следующих основных этапах. Понятие колорита начинает складываться в конце XV века, достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у импрессионистов.

Очерки замечательного русского искусствоведа Б. Р. Виппера помогают узнать историю колорита в живописи.

Посмотрите на картину неизвестного художника школы Бернарда Стригеля «Исцеление ран святого Роха» (ил. 93). Обратите внимание на то, что красный цвет плаща и на свету, и в тени остается красным, только становится светлее или темнее. Художник как бы расцвечивает предметы, фигуры героев не сливаются с окружающим пространством в одно целое, а предстают яркими пятнами на неопределенном серовато-буром фоне.

93. Неизвестный художник школы Бернарда Стригеля. Исцеление ран святого Роха

Первые перемены в колорите появляются в конце XV века. В это время краски стали накладывать не по отдельности, а сливать в полутона, плавные переходы цвета. Цвет и форма сливаются в одно целое, краска становится неотделима от света и пространства. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто – это превращение локального колорита в тональный.

94. ВЕЛАСКЕС. Портрет инфанты Маргариты

95. Д. БЕЛЛИНИ. Св. Франциск в экстазе

Если в XVI веке цвет в живописи означает жизнь вообще, то далее он все более конкретизируется. Появляются новые оттенки: у Караваджо – томато-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса – неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру темными тонами, но у него цвет приобретает новые свойства – одухотворенность и загадочность.

В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более изысканной, сложной и виртуозной. Художники используют тончайшие нюансы одного цвета для лица, волос и одежды. На первый план выступают цвета – белый, светло- желтый, кофейно-коричневый.

96. А. МАТИСС. Клоун. Из книги «Джаз»

97. ПОЛЬ ГОГЕН. Ареареа

98. ВАН-ГОГ. Автопортрет

У Матисса, Гогена, Ван-Гога – ясные контуры и полнозвучные, большие пятна красок. Матисс обрел свою палитру в царстве локальных красок. Он изобрел способ рисовать не красками, а вырезать из бумаги необходимое цветовое пятно и размещать его на плоскости без предварительного рисунка. Наклейки из бумаги Матисса (ил. 96) составляют единое целое по цвету, их легко превратить в гобелены, рисунок на ткани, книжные украшения.

Цвет на картинах Гогена выполняет роль не столько изобразительную, сколько декоративную, символическую – можно увидеть красный песок, розовых лошадей, синие деревья.

Картины Ван Гога построены на контрастных сочетаниях цветов, но здесь краски являются уже не декоративным, а психологическим фактором,- передают настроение.

Чувство колорита – очень ценный дар. Выдающимися русскими художниками-колористами были И. Репин, В. Суриков, К. Коровин, М. Врубель, Ф. Малявин, В. Борисов- Мусатов и др..

99. И. РЕПИН. Бурлаки на Волге

100. М. ВРУБЕЛЬ. Гретхен среди цветов

101. В. БОРИСОВ-МУСАТОВ. Водоем

Примером яркого выражения колорита в живописи могут служить работы И. Репина, который писал в теплом золотисто-желто-красном колорите. Любимый колорит В. Сурикова состоял из голубовато-синих, холодных цветов. В серо- серебристом колорите написаны многие произведения В. Серова, а М. Врубель предпочитал серо-голубые цвета. Многие картины Ф. Малявина отличаются огненно-красным колоритом.

102. Ф. МАЛЯВИН. Вихрь. Фрагмент

103. М. САРЬЯН. Виноград

Часто колорит является основным средством в передаче национальных особенностей, природы, быта, людей. В этом случае говорят о «национальном колорите». Примером являются произведения М. Сарьяна. Нередко о колорите художника свидетельствует его палитра.

Искусство живописи – искусство цветовых и световых отношений.

Изображая действительность красками, необходимо учитывать влияние цветов друг на друга, то есть писать цветовыми отношениями.

Важно, что правильно найденные в картине цветовые отношения помогают видеть красоту действительности и красоту самого произведения.

В декоративной работе художники также заботятся о гармоничном соотношении цветов, причем реальные цвета предметов могут быть изменены на символические. Колористическое единство всех элементов орнаментов достигается с помощью цветовых контрастов или нюансов.

Подбирая цветовые отношения в декоративной работе учитывается размер частей рисунка, их ритмическое расположение, назначение вещи и материал, из которого она сделана.

В дизайне большое внимание уделяется тому, чтобы цвет был взаимосвязан с формой и назначением предмета, придавал ему яркость, нарядность.

Что такое колорит?

В наше время колоритом называют общий цветовой тон картины: так, колорит может быть «холодным», «теплым», «голубоватым» или золотистым». Многие известные художники отдавали предпочтение определенному набору цветов, и, зная эти предпочтения, по колориту иногда можно отличить картину одного мастера от другого. Хотя, разумеется, это возможно не во всех случаях, и иногда колорит складывается сам собой, без специальной задумки автора.

Не пропустите!

ТОП прошлой недели

Популярные картины прошлой недели!

Победитель конкурса “Картина дня”

Посмотрите, какая картина победила сегодня!

Источник

Мы можем много говорить о теории цветовых сочетаний. Существуют даже таблицы цветовых гармоний (например, таблица Оствальда), но они, скорее, подходят для использования в области дизайна. Мы не сможем их применить ни к одному значительному произведению живописи. Таблица покажет, что в живописи Тициана нет гармоничных сочетаний, а мы видим в его произведениях совершенную гармонию. В живописи взаимоотношения цветов гораздо сложнее. Мы можем изучить символику цвета, но оттенки чувств и смыслов, передаваемых живописным произведением, будут значительно глубже. Мы можем знать психологию восприятия цвета, но в картине цвет может изменить своё воздействие на противоположенное.

Всю сложность отношений цветов в живописном произведении определяет колорит. В истории искусств до сих пор нет чёткого определения этого понятия. В то же время, колорит является наиболее поэтическим, наиболее личным элементом для каждого художника.

Э. Делакруа писал в дневнике: “Если мы бросим взгляд на окружающую обстановку, будь то пейзаж или интерьер, мы заметим, что между вещами, представляющимися нашему взору, существует своеобразная связь, созданная окутывающей их атмосферой и разнообразными отражениями света, которые вовлекают каждый предмет в некую общую гармонию». Эта связь, эта атмосфера – и есть колорит.

“Свобода, ведущая народ” (1830) Эжен Делакруа.

И. Репин говорил: «Колорит наш — не изящные пятна, он должен выражать нам настроение, душу, он должен расположить зрителя, как аккорд в музыке. Б. Кустодиев называл колорит оркестром красок. Д. Уистлер определил колорит, как композицию цвета.

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». (1885) Илья Репин.

Д. Рейнолдс сказал: «Колорит решает первое впечатление, которое производит картина: в зависимости от него зритель, идущий по галерее, остановится или пройдет мимо. Чтобы с первого взгляда произвести большое впечатление, надо избегать всех пустяковых или искусственных эффектов, вроде мелочной игры пятен света или особого разнообразия оттенков; спокойствие и простота должны господствовать над всем произведением».

“Портрет полковника Бенестра Тарлтон” (1782) Джошуа Рейнолдс.

Понятие колорита многозначно, для каждого художника оно наполнено собственным смыслом. В результате своей мифотворческой деятельности, художник создаёт собственную модель мира, непохожую на другие и ранее не бывшую, но достоверную, где колорит играет роль атмосферы, сообщает произведению эмоциональное звучание. Колорит — важнейший компонент художественного образа.

Колоритом можно назвать систему цветовых сочетаний в произведениях изобразительного искусства, которая является одним из важнейших средств эмоциональной выразительности. Колорит может быть теплым (преимущественно красные, желтые, оранжевые тона) и холодным (преимущественно синие, зеленые, фиолетовые), спокойным и напряженным, ярким и блеклым, основанными на локальных цветах и на использовании тональных отношений.

Колорит может быть лиричным, как у Моранди, будоражащим, как у Ван-Гога, сдержанным, как у А.В. Васнецова.

“Ночное кафе” (1888) Ван Гог.

«Натюрморт» (1958) Джорджо Моранди

“Женский портрет” (1955) Андрей Васнецов.

Колорит – это не монохромность, но и не пестрота. Например, в картинах Рембрандта количество использованных цветов очень невелико, зато разнообразно и сложно их размещение на полотне, все колористическое и тональное богатство достигается не за счет использования большого количества цветов, а лишь за счет их сочетания и разнообразия текстуры.

В колорите свет и цвет выступают в неразрывном единстве. В природе, в городской среде, в интерьере почти никогда не бывает цветовой дисгармонии. Это объясняется тем, что свет, окружающий предметы, своим цветом (тёплым или холодным) объединяет все предметы в освещённых частях, и, в то же время, обуславливает общий для всех предметов цвет теней (соответственно, холодный или тёплый).

Существует мнение, что чувство цвета является врождённым. По этому поводу Э. Делакруа говорил: «Является предрассудком, будто колористами родятся, а рисовальщиками становятся». И, действительно, ранние работы Тициана, Рембрандта не отличаются ни изысканностью, ни мощью цвета, следовательно, неповторимый колорит, присущий их более поздним работам, явился результатом не только дарования, но и огромного труда.

К сожалению, в изобразительном искусстве теоретическая часть не разработана так, как, например, в музыке или в литературе. Поэтому художнику приходится опираться только на опыт своих предшественников и учителей. Самый простой путь для начинающего художника — ограничить свою палитру несколькими (например, тремя цветами) и решить, какого цвета будет больше. Именно этот цвет и определит колорит картины (золотое поле, серое утро).

Чувство цвета можно развивать, изучая и анализируя произведения мастеров, занимаясь живописью. Основа профессиональной деятельности живописца, развитое чувство цвета поможет дизайнеру и архитектору, сделает интересной и эмоционально наполненной жизнь любого человека.

Источник