Это распространенный вопрос, ответить на который непросто — я не эксперт! Мой стиль всегда был со мной. Я часто чувствовал, что пора “осесть” в определенном стиле, но мне нравилось экспериментировать с техниками и материалами. Вспоминая себя в прошлом, я осознаю, как сильно помогли мне эксперименты в становлении себя как художника. Повторение для меня — смерть! И если не смерть, то скука как минимум. Со временем я остановился на аутентичном стиле, оставляющим свободу для роста и изменений. Теперь я могу помочь развить его вам. Запомните, стиль должен развиваться постоянно. Искусство — путешествие без конечной заданной координаты.
1. Найдите связь с цветом
Естественно, большинство художников любит цвет — это неотъемлемая часть творческого человека. Цвет привлекает нас, посредством него выражаются эмоции.
Обычно человек может назвать наиболее и наименее любимые цвета. Важно спросить себя: почему мне нравится именно этот цвет? Например, вы выбрали синий. Почему именно синий? Вам просто нравится, как он выглядит? Или вас цепляет ощущение, которое синий цвет вызывает? Поймете причину своего выбора — осознайте, какой смысл привнесет цвет в работу.
Важно понимать и влияние цвета на настроение. Прямо сейчас, пока я пишу все это, я сижу в серых штанах, белой безрукавке и серой хлопковой футболке. Это моя рабочая форма. Я выбрал серый не потому, что не люблю цвета. Напротив, я их обожаю! Но также я знаю, что у меня к ним повышенная чувствительность. Носить одежду ярких цветов значит влиять на настроение и образ мысли. Поэтому мне легче работать в серой одежде — она нейтральна, не влияет на работу и не вступает с ней в конфликт.
По той же причине я не люблю использовать в работах яркие краски, предпочитая им более мягкие. Яркими красками можно делать акценты. Слишком яркие, насыщенные цветом иллюстрации ассоциируются с хаосом. Виной этому моя зрительная чувствительность, плюс цвет влияет на меня в эмоциональном плане. Многих привлекает насыщенность добавочных цветов, мне же зачастую сложно на них смотреть (ощущения схожи с мигренью).
Знаю человека с абсолютно противоположным взглядом на цвет. Яркие краски поднимают ему настроение и заряжают энергией. Он обожает использовать МНОГО цвета. Его стиль был сформирован под влиянием этой зависимости.
Исследуя свою связь с цветом, выясните, какими оттенками вы пользуетесь и как к ним относитесь. Это поможет выбрать цветовую палитру. Вам не придется использовать только эти цвета, они лишь добавят целостность работам.
2. Проанализируйте свой стиль работы
Четко следуете дневной рутине или предпочитаете непоследовательность? Вы трудоголик или прокрастинатор? Наслаждаетесь возможностью привнести изменения или предпочитаете стабильность?
Понимание особенностей своей личности поможет подобрать наиболее комфортный для вашей деятельности стиль работы. Я, к примеру, не могу назвать себя последовательным и не являюсь фанатом расписаний. Меня часто тянет прокрастинировать, мне нравятся изменения и эксперименты.
Я знаю, что мне не нужно брать работу, которая требует следования графику и определенной схеме. Еще я осознаю, что с большим удовольствием закончу работу за пару дней, а не растяну ее на целые месяцы. А тестирование новых техник придаст мне в процессе работы еще больше энтузиазма.
Художникам с противоположными привычками мысль быстрого выполнения работы может показаться ужасной. Они чувствуют дискомфорт при сжатых сроках. Любителям стабильности подойдёт стиль с наиболее предсказуемым результатом.
Сочетание любимых художественных техник с привычками работы создаст идеальную среду для рождения наиболее подходящего вашей личности художественного стиля. Хорошая новость состоит в том, что нет правильных и неправильных способов рисования, так что найти стиль можно вне зависимости от того, какие техники вы используете.
3. Найдите то, что вызывает эмоции
Это довольно очевидный способ разработки личного стиля. Посмотрите на работу, поймите, что вам в ней нравится, научитесь рисовать так же. Но что если вам нравятся диаметрально разные стили? Легче будет задаться вопросом, какие стили не вызывают у вас совершенно никаких чувств. Так можно исключить те стили, к которым вы ни в коем случае не будете обращаться.
Смотря на картину, наступает момент, когда она заставляет вас поменять характер наблюдения. В какой момент вы перестали просто наслаждаться ею и начали анализировать? “Как автор сделал это? Какую кисть он использовал? Я смогу такое повторить?” Замечая за собой такие вопросы, вы можете быть уверенными, что стиль картины увлек художника внутри вас.
Следуйте следующему шагу и начните разбирать волнующие вас картины и техники. Цвет неба в работах такого-то автора, неровные осколки вазы в картине следующего, контраст в цвете воды в иллюстрациях третьего. Скоро вы будете иметь четкое представление о любимых стилях.
4. Что именно вы хотите тренировать?
Художественный стиль не задается текущим уровнем мастерства. Он задается теми навыками, которые вы хотите развивать и совершенствовать, ведь на подобную работу над собой будут уходить часы практики. Вы можете быть несильны в рисовании портретов, но если вы представляете себя, часы напролет тренирующих работу в этом жанре, то оно может стать элементом вашего стиля.
В полной мере выразить свой стиль без соответствующего уровня техники не получится. Уровень поднимается посредством постоянной практики. Выбирайте для тренировки то, что сделает вас счастливыми. Я уверен в том, что стал бы хорошим портретистом, но еще я точно знаю, что меня не захватывают мысли о практике портретного рисунка. Я не чувствую необходимости двигаться в этом направлении.
5. Объедините повседневную жизнь и искусство
В идеале, ваши работы должны быть отражением вашей жизни. Если вы фанат долгих прогулок, то вашим жанром может стать пейзаж. Если сердце лежит к садоводству, рисуйте цветы. Это очевидный способ выбора сюжета для работы, но еще и шаг к тому, чтобы научиться творить исходя из событий повседневной жизни.
Чем вы увлекаетесь? Как развлекаетесь? Когда чувствуете себя самим собой? Какой жизненный опыт смогли бы запечатлеть в картинах? Ответы на эти вопросы уже влияют на ваш стиль, но это влияние можно расширить.
Мне нравится тишина. Общество — это хорошо, но зачастую мне необходимо побыть одному. Выбирая между шумной, людной вечеринкой и скромным уютным ужином, я выберу последнее. Поэтому в моих работах превалируют приглушенные цвета и мягкий контур. Это не значит, что все работы выйдут нежными и пастельными, но подавляющее большинство будет выражать мою личность.
6. Творческий процесс должен быть приятным
Рисуйте для себя. Нельзя рисовать только из желания продать работу или выиграть награду. Нужно рисовать, потому что вам этого хочется.
Подумайте, какая часть творческого процесса ваша любимая. Вам нравится непредсказуемость и импровизация в работе? Или, скажем, точность и методичность? Когда вы полностью погружаетесь в работу и теряете чувство времени? Мне лично нравится этап разработки концепта иллюстрации, который может привести к тому, что я даже не ожидал получить. Обожаю эксперименты и создание эффекта таинственности.
Если творческий процесс не приносит удовольствия, есть два выхода: поменять угол наблюдения или сменить деятельность.
7. Разрешите последней работе влиять на следующую
Наверно, лучший способ разработки стиля — это забыть о стиле и просто работать, работать, работать.
Создайте иллюстрацию, подметьте ее лучшие фрагменты, выполните следующую работу в стиле этих фрагментов. Повторите. Повторяйте опять и опять.
Многие художники создают серии работ, связанные темой или стилем. На их создание уходят дни, месяцы или годы. Это могут быть три работы или все триста. Еще не пробовали рисовать связную серию? Попробуйте. Этот метод эффективен тем, что научит двигаться по
инерции и разовьет навыки в самых неожиданных для вас направлениях. Лучший учитель — ваши рисунки, так позвольте же им учить вас.
Если поиск фирменного стиля вызывает в вас смятение, расслабьтесь. Даже стиль известнейших художников менялся на протяжении их деятельности. И кроме того, если только вы не владелец галереи, кого волнует ваш стиль? Разве не здорово рисовать что угодно и как угодно? Разве вас поджидает за углом полиция искусств?
Рисуйте так, как чувствуете. Творите постоянно. Покажите, кто вы есть на самом деле. Естественность в творчестве придет только тогда, когда вы сами этого захотите.
ВИДЕО: Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании
Поделиться статьей:
Download Article
Download Article
When it comes to your artwork, your style changes and develops as you grow as an artist. To find your own art style, learn the basics of whatever type of art you practice, such as painting, drawing, sculpture, or printmaking. Make lots and lots of artwork, and then take a step back and look for similarities present in all of them. Once you see which elements tends to pop up in all of your pieces, you’ve found your style.
-
1
Explore different artistic genres for style inspiration.[1]
Begin looking through different examples of art to find styles that you’re interested in replicating or learning from. You can do this by doing an online search, looking through art books, reading articles about up-and-coming artists, or visiting art museums.[2]
-
2
Study individual artists whose style you admire. Once you’ve explored different kinds of art, pick out artists with unique styles that you really like to become your “style mentors.” Research this artist to find out more about their work process, where they gather inspiration, and the methods and tools they use to create new pieces.[3]
- Study a large collection of art from one specific artist to understand the similarities between each of their pieces.
- Look to see if the artist has a social media site where they upload videos or posts about their work or methods.
Advertisement
-
1
Combine your favorite elements from other artists into your own art. Once you find artwork that you’re passionate about, start practicing replicating the work. You shouldn’t copy the artist’s work exactly, but choose elements that you like most and incorporate them into your own art so that you begin learning the technique.[4]
- For example, if you find another artist’s nature drawings that you admire and want to create your own nature drawings, use the artist’s work as a guide and practice drawing mountains, trees, or bodies of water similar to their work.
- Draw inspiration, but do not try to copy other artists.[5]
-
2
Hone your interest in a specific type of art. Choose a medium that you truly love and focus your energy into delving deeply into all of its possibilities. While you can always play around with different mediums, picking one type of art, whether it’s painting, drawing, sculpture, ceramics, or another type, will help you develop a specific style more efficiently.[6]
- Feel free to try out different types of art until you find one you love.
- For example, you can explore painting by studying color theory, creating work in black and white vs. in full color, and trying a wide range of subject matter such as still lives, the human form, and abstraction.
Advertisement
-
1
Master the basic technical skills you need before worrying about style. Before you dive into your own unique style, it’s important to set the groundwork. Study things such as how colors combine to make intriguing works of art and how light works, as well as the basics of your intended type of art.[7]
- If you’re into drawing, practice drawing anatomy and still lifes.
- If you want to develop your own style of pottery, begin by making a simple bowl or vase.
- Try new materials, subject matter, colors, compositions. Experiment as much as possible![8]
-
2
Challenge yourself by always trying new methods. Try to step out of your comfort zone and test out new ways of creating your art. Use different materials, create on both a large and small scale, and study lots of different subject matter. This will help you figure out which methods you love most.[9]
- For example, create sculptures out of clay, wire, metal, paper mache, and any other material you find.
- Practice drawing using a single stroke without taking your pencil off the page, and then practice using small, tight strokes.
- Paint on super tiny canvases as well as canvases stretching 3–4 feet (36–48 in).
-
3
Embrace your mistakes. If you’re working on a piece of art and do something like make a wrong brushstroke or mess up your clay sculpture, see what you can create out of the mistake instead of casting it aside. Mistakes often lead to the discovery of new techniques or methods, and they might even help improve your style.[10]
-
4
Learn from constructive criticism. It’s helpful to show your artwork to others as you create it to see what they think. Ask a friend, family member, or even someone you don’t know well to look at your art and give you helpful feedback. Listen to what they have to say and use it to help you improve your art.
- For example, if you show your illustrations to someone and they say they’re a bit 2-dimensional, work on making your art more 3-dimensional.
- Ask the person questions like, “What does this piece of art remind you of?” or “Which elements of this artwork are working and which do you think need improvement?”
Advertisement
-
1
Follow a passion in your artwork. Find something you’re curious about, want to explore, or wish to advocate for and use this interest as a basis for your artwork. This will help give your artwork a specific direction and focus, allowing you to use your voice as an artist to develop your own style.[11]
- For example, if you love the ocean and are passionate about marine life, study the shapes and colors of the waves and mimic this movement in your artwork.
-
2
Pay attention to which elements continuously appear in your own art. Once you’ve created at least 10-15 pieces of artwork, take a step back and look for similarities between them.[12]
Which colors, textures, themes, and techniques tend to show up the most? These are things that indicate your specific style as an artist.[13]
- For example, maybe all of your work tends to stay in the same color scheme, or you use very fluid brush strokes as opposed to straight, rigid ones.
- Perhaps you find yourself wanting to only draw realistic urban cityscapes or mostly create sculptures representing an issue in the environment.
-
3
Explore the recurring elements more deeply to progress as an artist.[14]
After you’ve recognized which things reappear in each of your pieces, practice developing those elements into more advanced pieces. You can do this by trying out different alterations of the elements, finding other renditions of your style that you also like.[15]
- For example, if you’ve noticed that you create prints consisting of lots of simple shapes, try arranging the simple shapes in a pattern or obscuring them in some way.
-
4
Practice developing your style every day by making lots of art. The best way to develop your style is to make art every single day, or at least a few times a week. Finding your art style is a process, and the only way it will emerge is if you’re constantly creating and trying new things.[16]
- Try to put aside 30 minutes to an hour each day to create art, whether it’s sketching right before bedtime or practicing mixing certain paint colors.
-
5
Avoid limiting yourself to one type of style. Your style will likely change and evolve as you grow as an artist, so try not to box yourself into one idea or style. Don’t think too much about making art that fits with your specific style and instead just let your art evolve naturally.[17]
- For example, if you’ve developed a style of painting that mostly only uses bold colors, don’t be afraid to incorporate small amounts of black and white into your artwork to see how it looks.
Advertisement
Add New Question
-
Question
I really like cartoony styles, but I am not good at it. Can you help?
Houndsplash
Community Answer
A cartoony style is known as a ‘stylized’ art style, and is essentially taking realism, and going the opposite. Look at cartoons like SpongeBob or The Loud House, and notice how they have simple shapes and don’t have a lot of detail.
Ask a Question
200 characters left
Include your email address to get a message when this question is answered.
Submit
Advertisement
References
About This Article
Article SummaryX
You can find your own artistic style by taking note of elements and stylistic choices that appear in your work so you can refine them. Find multiple pieces of your artwork so you can take a step back and look for similarities in them such as color palettes, themes, or techniques like brush strokes. To make your art more personal, choose subjects that you’re passionate about to allow yourself to use your voice as an artist. For instance, if you love nature and animals, you can focus on landscapes that capture your imagination. In addition to finding recurring stylistic choices that you make, practice your art regularly to develop your style. Aim to make art at least a few times a week. For tips about how to try new artistic methods and mediums, keep reading!
Did this summary help you?
Thanks to all authors for creating a page that has been read 85,766 times.
Reader Success Stories
-
“This helped me be more creative.”
Did this article help you?
Вы только начали рисовать или рисуете уже какое-то время и задумались — а как сформировать свой стиль? Тогда эти советы могут быть вам полезны:
В определенный момент просто рисовать становится недостаточно. Хочется сделать больше — создать свой уникальный стиль, быть узнаваемым. Но как к этому прийти? Что нужно сделать, чтобы появился стиль? Делимся простыми советами и примерами других художников.
Совет 1. Выберите любимых авторов и проанализируйте их работы
У каждого уже состоявшегося художника есть свой стиль — это набор определенных «фишек», которые он использует. Например, американский художник Чак Клоуз рисует портреты через структуру сетки, которую он наносит предварительно на холст, а затем прописывает каждую ячейку абстрактными пятнами — в итоге получаются довольно реалистичные образы. Его «фишки» — сетка на всю картину, ячейки из абстрактных пятен, фотографии как исходники.
Густав Климт использовал золотой цвет в изображении фона, при этом фон делал абстрактным, а лица писал в традиционной натуралистической манере. Сочетание этих двух «фишек» и делает узнаваемым стиль художника.
Сальвадор Дали часто изображал лица, фигуры и предметы «мягкими», а еще удлинял людям и зверям конечности или использовал что-то вроде костылей. Еще один важный элемент в его картинах — пейзаж как место действия большинства сюжетов.
Не анализируйте всех известных и популярных художников сразу, выберите только тех, которые нравятся. Если работы художника чем-то притягивают, значит, в искусстве этого автора есть то, что близко именно вам.
Совет 2. Не критикуйте себя слишком строго
Ни один художник не начинает сразу с создания тех работ, которые делают его знаменитым. Сначала идут многие часы, дни и даже годы практики, поисков и проб пера и чаще всего все это происходит не в мыслях о славе, а в заботах о технике и материалах. Если это не секрет прихода к собственному стилю, то что еще? Рисуйте, рисуйте и еще раз рисуйте пока не набьете руку. Параллельно смотрите работы других авторов (совет 1), пробуйте новые для себя приемы, изучайте и не спешите — чем больше времени вы уделяете практике, тем быстрее и увереннее вы найдете свой стиль.
Например, художник Наталья Леонова пришла к своему стилю через любовь к технике пастели, в которой она много практиковалась.
Совет 3. Анализируйте собственные работы
В поисках стиля не нужно ходить далеко, он уже есть в ваших собственных произведениях. После того, как вы создали достаточно работ, проанализируйте их. Уберите подальше самокритику и уж тем более сравнение с известными художниками и объективно взгляните на то, что вы сделали. Прежде всего, стоит выделить то, что вам нравится рисовать — это вы наверняка смогли понять в ходе практики. Портреты, пейзажи или предметы? А может, фантастические сюжеты?
Обратите внимание на то, как вам нравится рисовать — реалистично, абстрактно, в технике гризайль, акварелью или пастелью. Далее, присмотритесь к собственным возможным «фишкам» — они порой появляются случайно, на подсознательном уровне. Например, в портретах вы все это время делали большие глаза, а в пейзаже выбирали одно и то же время суток — закат или рассвет.
Совет 4. Добавьте «фишки» в свои работы
Если на подсознательном уровне в процессе практики никаких фишек не образовалось, создайте их искусственно, из обстоятельств, извне. Например, Ван Гог рисовал желтым цветом, потому что это была самая доступная на тот момент краска, а еще, по одной из версий, у него были проблемы с распознаванием цветов. А Иван Айвазовский не прославился бы, если бы не жил на берегу моря и не рисовал его изо дня в день.
Фишка — это все равно что особенность, определенная деталь в картине, которая становится тем ярче и заметнее, чем чаще будет ее использовать художник.
Главное — регулярность. Чтобы стиль был ярко выражен, нужно применять выбранную «фишку» или несколько фишек в рисовании к большинству своих работ.
Можно привести пример из мира моды и стиля. Если вы выйдете в свет в яркой красной шляпе один раз — вы произведете однодневное впечатление. А чтобы вас запомнили надолго, вы должны ходить с таким головным убором каждый день. В картинах и рисунках точно так же — просто попробуйте рисовать раз за разом что-то одно, например, как итальянский художник Джорджо Моранди, который известен своими нежно-бежевыми натюрмортами с простейшими предметами бытовой утвари, которые находились у него всегда под рукой.
Помните, что выработать яркие «фишки» или особенности вашего стиля недостаточно. Для того чтобы стиль запомнили, нужно все время демонстрировать свои произведения публике — участвовать в выставках, выкладывать работы в социальных сетях.
Поделитесь, есть ли у вас собственный стиль?
Если статья вам понравилась, то поставьте лайк, напишите комментарий и подпишитесь на канал школы Художник Онлайн 💜
#искусство #рисование для начинающих #рисование #лайфхаки рисование #живопись #уроки рисования #советы по рисованию #рисунок #арт #советы художнику
-
ВСЕ
-
Рисование
-
Советы художника
-
История искусств
-
Живопись
-
Рисунок
-
Цветоведение
-
Поэтапное рисование
-
Вдохновение
-
О художниках
-
Ученики
-
Композиция
-
Абстракция
-
Книги
Давайте разберём само определение, проанализируем его и сделаем выводы.
Итак, краткий словарь по эстетике даёт такое понятие:
СТИЛЬ (от греческого и латинского stylos – способ и образ изложения, изображения, выражения) – совокупность главных идейно-художественных особенностей творчества мастера, проявляющаяся в типичных для него темах, идеях, характерах, конфликтах, а также в своеобразии изобразительно-выразительных средств, художественных приёмов.
Огромный набор всего и сразу!
Давайте разбираться.
– Общее определение – только ключ к пониманию сути.
Но для первых мыслей по поводу, его вполне достаточно. Итак, стиль включает в себя как внешние (технические) особенности, то есть технику исполнения, характер экспрессии, способ наложения краски на холст и так далее., так и идейную составляющую – отношение автора к изображаемому конфликту, актуальность его точки зрения и соотнесение с историческими событиями или эпохой, нравственная составляющая произведения, эстетическая или антиэстетическая подача, новизна подачи темы и так далее.
– Стиль в широком смысле (например: стиль эпохи, страны в целом и другое) отличается от стиля художника.
То есть достаточно узкое понятие – стиль художника – вполне может умещаться в рамках стиля, например, общемирового. Чтобы было понятно: стиль Модерн объединял европейское и американское искусство на рубеже XIX-XX веков особой стилизацией, принципами асимметрии, орнаментальности и декоративности. Но, в рамках этого стиля трудились совершенно разные художники, со своим узнаваемым, особенным стилем в творчестве. Сложно спутать, предположим, Врубеля и Климта, Родена и Гауди. Получается, что стилистика отдельных конкретных художников – это одна из составляющих определённого стиля в искусстве. Или направления. Или течения. Но об этом дальше.
Шестикрылый Серафим – Михаил Врубель. 1904. Холст, масло. 131х155
Главное, что стиль не появляется сам по себе от одного желания творца, он формируется во вполне конкретное время и в определённом месте, и обусловлен рядом факторов: исторический период, менталитет, политическая ситуация, традиции, мировые и культурные открытия, влияние опыта предыдущих эпох, предчувствие будущих перемен и так далее.
– Стиль художника – тоже весьма разноплановое явление.
Gustav Kilmt, The Kiss, oil and gold leaf on canvas, 1907-08
Помимо всего вышеизложенного, стиль включает в себя:
+ Манеру письма/рисования (как художник кладёт мазки, штрихи; как соблюдает технологию материалов, как преобразует и модернизирует классическую технику живописи и рисунка; как тщательно прорисовывает детали и другое)
+ Философию автора (личные убеждения, гражданская позиция, выбор точки зрения на явления или события, способ осмысления реальности, особенности трактовки, религиозные убеждения, отношение к действительности, деление на бытовое и возвышенное и многое другое).
Auguste Rodin – Danaid (1889)
+ Жанр (описывает художник современные события или исторические эпохи, его интересует предметный мир или природный, человек и его психология или то, как он взаимодействует с социумом, животные или растения, море или лес, цветы или архитектура?)
+Технику (живопись или графика? Масло или акварель? Пастель или гравюра? А может быть собственная уникальная или смешанная техника?)
+ Тему (о чём интереснее всего повествовать или рассуждать: о прекрасном и безобразном; что хорошо, а что плохо; маленький персонаж в большом мире или влияние личности на масштабные события; отношения между людьми или между человеком и природой?)
ANTONIO GAUDI -. Casa Batllo
+ Стилизацию (реалистично или символично ведётся повествование, деформируется ли изображение во имя основной идеи или выглядит максимально похожим на натуру, “нарушается” ли что-то в изображении в контексте реалистического подхода для того, чтобы усилить впечатление на зрителя).
+Композицию и её особенности (замкнутая или открытая, фрагментарная или классическая, как расположен композиционный центр по отношению к периферии, как используются контрасты, плановость, объём и форма и многое другое).
Всего и не перечислишь.
– Стиль художника может меняться во времени (разные периоды творчества), но не от картины к картине.
Василий Иванович Суриков 1899 – Переход Суворова через Альпы (Suvorov Crossing the Alps in 1799)
Если все картины художника разные, в них нет общих, объединяющих черт, – авторский стиль в живописи ещё не сформировался. Или мысли художника и форма их выражения существуют отдельно. Вывод: больше рисовать, раскрывать тему и идею неоднократно, стремиться к большей выразительности и точности интерпретации.
Юродивый, сидящий на снегу. 1885. Василий Иванович Суриков. Боярыня Морозова.
Но, так как художник не стоит на месте, размышляет, анализирует события и идеи, может меняться его точка зрения и изложение. Но это происходит не в раз, постепенно приобретаются новые черты. К примеру, Э. Мане писал очень традиционные портреты и натюрморты в начале своего творческого пути, свобода и лёгкость проявлялись только в расположении фигур на холсте и необычных поворотах персонажей. Уже потом добавился “скользящий” небрежный мазок и некоторое утрирование, разложение на составляющие цветовых пятен.
– Стиль формируется не сам по себе, а сам процесс его формирования требует времени.
Палестинский Монах | Василий Поленов | Масляная живопись
A Palestinian Monk | Vasily Polenov | Oil Painting
Даже если пока нет некоторого единства, связи формы и содержания в вашем творчестве, это не повод отчаиваться – главное продолжать развиваться. Всему своё время. Стиль появится, когда вы созреете, сам собой. Не нужно его искусственно притягивать и выдумывать. Увлечённость и трудолюбие сами всё сделают. Так увлечение историей отечества и исследование быта жителей Сибири сформировали стиль живописи Сурикова, а очарование Палестиной – свежесть и ясность живописи Поленова.
Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:
1. Поставьте «лайк».
2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.
3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂
-
Назад -
Вперед
Как Найти свой стиль
Материалы
В курсе:
14 уроков + задания
Продолжительность:
7 недель
Из чего складывается узнаваемый визуальный язык?
Во многом из возможностей, ограничений, особенностей материала, с которым работает художник. И особенностей того, как лично вы эти особенности используете.
Получается, чтобы стиль был интересным, многогранным, насыщенным, нужно максимально полно понимать, на что материал способен? Какие варианты работы с ним существуют? Какие еще материалы вы можете задействовать для воплощения своего высказывания и какие возможности, ограничения и особенности есть у них?
То есть нужно из всего многообразия материалов и техник собрать те, которые наиболее интересны и близки вам и органично укладываются в вашу художественную практику. Те, которые дают вам больше возможностей для работы с темой вашего исследования.
Главное – действовать зряче и не бояться «набирать» приемы из новых для вас медиа. Выбирать из всего ассортимента возможностей, а не только из того, с чем сталкивались раньше.
Иначе получится ситуация: «Пытаюсь испечь торт Наполеон из того, что было в кладовке: лапши и стирального порошка».
И еще: чем шире ваш кругозор, тем богаче ваш инструментарий. Тем более хитроумные методы и подходы вы можете использовать.
Тем более технически затейливое воплощение вы сможете подобрать для вашей концепции. Тем более интересной и дорогой получится работа.
Изучаем то, что бывает
Разбираем на атомы, из чего формируется стиль разных художников. Какие особенности, принципы, фишки его составляют
Выбираем «свое»
Выискиваем во всем многообразии те элементы и подходы, которые отвечает вашему вкусу, интересам, видению собственной художественной практики
Собираем цельную конструкцию
Комбинируем из них тот визуальный язык, который будет отличать вас от других художников и органично сочетаться с темой вашего исследования
Старт 13 февраля.
Курс состоит из видеоуроков и практических заданий. Каждый урок – разбор одного из материалов. Раз в неделю в личном кабинете открывается два урока.
Вы смотрите их и выполняете задание. Задания – это в первую очередь анализ своей практики и опыта других художников. Создавать миллион работ на протяжении курса не нужно.
Если требуется помощь или возникает вопрос – вы можете обсудить его с преподавателем в переписке. Если вопрос может быть интересен другим участникам курса, мы запишем подкаст и выложим его в личный кабинет каждого студента.
В конце программы Глеб проведет итоговый вебинар и ответит в прямом эфире на вопросы участников.
Если есть вопросы или что-то осталось непонятным – обсуждаем с преподавателем в переписке
Примеряем на себя различные приемы и техники. Достраиваем свой стиль, расширяем инструментарий
В конце курса встречаемся в прямом эфире: обсуждаем результаты, делимся наблюдениями и выводами
Разбираем особенности и приемы работы с ними на примерах крутых российских и зарубежных художников
Каждую неделю Глеб записывает ответы на вопросы участников курса. Запись публикуем в личном кабинет
-
Глеб Скубачевский
Художник, обучался в Государственном Художественном училище памяти 1905 года, Московском Государственном художественном институте имени В.И.Сурикова и на факультете искусств Гарвардского университета.
- С 2014 года участвовал в 50 выставках, из них 20 – за рубежом
- Участвовал в 10 арт-резиденциях
- Поддерживает контакт с сотнями художников по всему миру
- Жил, работал, выставлялся в 11 странах
Отзывы о наших программах (листайте вбок)
-
Благодаря работе с Каролиной вся моя художественная практика была заново собрана по смыслу и заново сшита стратегически, не разрушившись, а укрепившись! Я осознала ключевые моменты своего художественного исследования и смогла увидеть широкую перспективу своего развития. Там, где я шла интуитивно, она помогла мне обрести теоретическую и смысловую основу. Она вселяет в меня такую уверенность! Я мечтала о теоретическом наставнике, который мог бы направлять меня лично и укреплять профессиональную основу моей практики. Я всегда сомневалась в выборе следующих работ и выставок. Каролина открыла мне и указала на современные актуальные и философские тенденции. Я безмерно благодарна нашему сотрудничеству за расширение моих горизонтов 🖤
-
Этот курс хорош для меня тем, что информация представлена в хорошо сконцентрированном формате и в то же время в доступной, неутомительной форме. У меня не хватает времени, чтобы самостоятельно собрать и обработать все эти факты и данные и сразу же превратить все это в эффективную формулу для себя. Мне также нравится, как Каролина преподносит материал, многое запоминается сразу, и нет необходимости корпеть над конспектами или заниматься зубрежкой. Как лектор Каролина очень харизматична и мне приятно ее слушать, это уже очень заряжает энергией и вдохновляет. Спасибо!!!
-
Вместе с Каролина мы проделали немалый путь по выражению и обобщению в словах того, что я делаю в материале как художник. Это был поистине великий опыт! Лучшее, что может дать стратегирование – это четкое видение и понимание того, что вы уже сделали, где вы сейчас находитесь и в каком направлении двигаться дальше. Это дает импульс к поиску вдохновения и мотивации в собственной творческой практике, вместо того чтобы искать их где-то рядом. Это побуждает чувствовать себя уверенно на своем собственном пути и быть сосредоточенным на развитии своих идей, а не подвергать их сомнению снова и снова.
-
Я хочу сказать миллион слов благодарности Каролина за ее курс “Стратегирование художественной деятельности”, который я прошла в начале этого года. Я рада, что попала на этот курс в самом начале своей творческой карьеры. Курс дал мне уверенность в том, что я делаю, и стал отправной точкой. Он изменил мое видение, и теперь я вижу, как современные художники строят свою практику, когда смотрю на их работы в музеях и галереях. Лекции были очень вдохновляющими, полными примеров и тщательных объяснений; слушая их, я почерпнул много свежих идей для своих будущих проектов. Мне понравилась структура курса с четким расписанием и сроками и соответствующими домашними заданиями.
-
Курс “Стратегирование художественной практики” стал для меня отправной точкой в мир искусства, своего рода бездонным колодцем, к которому я могу подойти в любое время и утолить жажду идей. Поначалу мне было трудно понять, как и почему я могу использовать художественные стратегии. Но прошло уже больше года после курса, за это время я прошла несколько этапов, создала несколько проектов, сейчас они имеют законченную форму, и я не чувствую панического опустошения, потому что понимаю, что буду ходить к тому колодцу под названием “Художественные стратегии” и собирать столько идей, сколько смогу унести. Курс Каролины дал мне неисчерпаемый инструмент, которым я умело пользуюсь, и мое путешествие как художника стало более интересным, глубоким и захватывающим.
-
Благодаря работе с Каролиной вся моя художественная практика была заново собрана по смыслу и заново сшита стратегически, не разрушившись, а укрепившись! Я осознала ключевые моменты своего художественного исследования и смогла увидеть широкую перспективу своего развития. Там, где я шла интуитивно, она помогла мне обрести теоретическую и смысловую основу. Она вселяет в меня такую уверенность! Я мечтала о теоретическом наставнике, который мог бы направлять меня лично и укреплять профессиональную основу моей практики. Я всегда сомневалась в выборе следующих работ и выставок. Каролина открыла мне и указала на современные актуальные и философские тенденции. Я безмерно благодарна нашему сотрудничеству за расширение моих горизонтов🖤
-
Этот курс хорош для меня тем, что информация представлена в хорошо сконцентрированном формате и в то же время в доступной, неутомительной форме. У меня не хватает времени, чтобы самостоятельно собрать и обработать все эти факты и данные и сразу же превратить все это в эффективную формулу для себя. Мне также нравится, как Каролина преподносит материал, многое запоминается сразу, и нет необходимости корпеть над конспектами или заниматься зубрежкой. Как лектор Каролина очень харизматична и мне приятно ее слушать, это уже очень заряжает энергией и вдохновляет. Спасибо!!!
-
Вместе с Каролина мы проделали немалый путь по выражению и обобщению в словах того, что я делаю в материале как художник. Это был поистине великий опыт! Лучшее, что может дать стратегирование – это четкое видение и понимание того, что вы уже сделали, где вы сейчас находитесь и в каком направлении двигаться дальше. Это дает импульс к поиску вдохновения и мотивации в собственной творческой практике, вместо того чтобы искать их где-то рядом. Это побуждает чувствовать себя уверенно на своем собственном пути и быть сосредоточенным на развитии своих идей, а не подвергать их сомнению снова и снова.
-
Я хочу сказать миллион слов благодарности Каролина за ее курс “Стратегирование художественной деятельности”, который я прошла в начале этого года. Я рада, что попала на этот курс в самом начале своей творческой карьеры. Курс дал мне уверенность в том, что я делаю, и стал отправной точкой. Он изменил мое видение, и теперь я вижу, как современные художники строят свою практику, когда смотрю на их работы в музеях и галереях. Лекции были очень вдохновляющими, полными примеров и тщательных объяснений; слушая их, я почерпнул много свежих идей для своих будущих проектов. Мне понравилась структура курса с четким расписанием и сроками и соответствующими домашними заданиями.
-
Курс “Стратегирование художественной практики” стал для меня отправной точкой в мир искусства, своего рода бездонным колодцем, к которому я могу подойти в любое время и утолить жажду идей. Поначалу мне было трудно понять, как и почему я могу использовать художественные стратегии. Но прошло уже больше года после курса, за это время я прошла несколько этапов, создала несколько проектов, сейчас они имеют законченную форму, и я не чувствую панического опустошения, потому что понимаю, что буду ходить к тому колодцу под названием “Художественные стратегии” и собирать столько идей, сколько смогу унести. Курс Каролины дал мне неисчерпаемый инструмент, которым я умело пользуюсь, и мое путешествие как художника стало более интересным, глубоким и захватывающим.
Обратная связь от преподавателя
Бонусный урок «Редукция и отстранение» (при покупке до 13.02)
Консультация с Глебом Скубачевским
Обратная связь от преподавателя
Бонусный урок «Редукция и отстранение» (при покупке до 13.02)
Курс «Художественные стратегии»
20 часов лекционных материалов
Онланй-курс «Как найти свой стиль. Материалы»
Личная работа с тренером по стратегиям: проверка ДЗ и обратная связь
ИП Пескишева Каролина Сергеевна
