Искусство дизайна персонажей годами накапливало знания, приёмы и хитрости, которые художники используют сегодня, чтобы воплотить в жизнь самые разные замыслы. Попробуем заглянуть за кулису этого процесса и понять, как устроена работа над внешним обликом персонажа для мультфильмов и мультсериалов.
Прежде чем углубиться в то, какого оттенка голубого должны быть глаза у прекрасного принца, необходимо заложить надёжный фундамент для образа героя.
Дизайн персонажа держится на трех китах: форма, силуэт, цвет. Вокруг этих понятий вращается всё, что связано с визуальной разработкой героев. Почему это так важно?
Форма
Миллионы лет назад, до появления зубных врачей и счетов за коммунальные услуги, наши предки больше всего боялись природы. И вопрос “быть или не быть” решался скоростью реакции. Пара секунд, чтобы отделить крадущегося тигра от мирно бредущего по своим делам муравьеда, оценить устойчивость камня, отличить дружелюбного соплеменника от разозленного соседа с острой палкой — вот какие задачи нам приходилось решать.
Поэтому наш мозг выработал своеобразные схемы, в рамках которых определенные формы и их сочетания вызывают у нас моментальные реакции. Хотя сегодня нам не грозит встреча с диким зверем, стремление как можно быстрее идентифицировать объект как угрожающий или безопасный — у нас в подкорке.
Пока философы гадают: определяет ли бытие сознание или сознание определяет бытие, художники по персонажам давно знают, что сознание определяет лежащую в основе героя форму. Скажем, что общего у Малефисенты и Джафара?
Гордая осанка, отвратительный характер, магическое могущество и треугольники.
Если вы затеяли создать злодея, то без треугольника вам не обойтись. Так как это самая агрессивная форма, персонаж с большим количеством острых углов будет подсознательно восприниматься зрителем как более опасный. Треугольники – энергичная форма, поэтому он также поможет при создании инициативного, активного и быстрого героя.
Прямоугольник – это стабильность, сила, железная воля и упорство. Множество классических силачей из мультфильмов и комиксов выглядят, как бетонный блок с ногами.
Героическая осанка и габариты, которые позволяют мирному жителю действительно почувствовать себя “как за каменной стеной” – идеальная комбинация для защитника справедливости.
Круг – непорочность, доброта и комфорт. Круглые формы делают персонажа мягким и приятным, с ним хочется обниматься, его хочется любить. Круги ассоциируются с детьми, поэтому часто круглые персонажи обладают не только добрым сердцем, но и интеллектуальными способностями пятилетнего ребенка.
Естественно, при создании персонажа мы не можем целиком полагаться только на одну фигуру, ведь характеры наших персонажей редко укладываются в одно слово. Например, «злой тупой великан» и «злой коварный волшебник», безусловно, будут иметь сходные черты, но показать различия между ними помогут сочетания и вариации трёх основных форм.
Вот пара известных персонажей с не совсем неоднозначными характерами.
Ёж Соник – положительный герой, но вдобавок к этому он еще быстрый, амбициозный и немного хулиган. Поэтому его дизайн сочетает в себе круглые и острые формы.
Стич – мутант, созданный безумным учёным чтобы крушить и разрушать. И в то же время он — нелепый питомец маленькой девочки. В его дизайне пропорции ребёнка и округлое тело сочетаются с острыми когтями, зубами и хищным взглядом.
Силуэт
Узнаваемый силуэт – опознавательный знак вашего персонажа. Если его легко считать, то значит, и глядя на персонажа в движении зритель будет лучше понимать, что происходит. Считается, что силуэт — это первое, что считывает наш мозг при взгляде на объект. Персонажей со сходными силуэтами люди могут путать или воспринимать как сбой в матрице. Если вы преследуете цель намеренно лишить ваших персонажей индивидуальности (например, если вы создаете солдатов или сектантов), то сходные силуэты — ваш вариант.
Кроме того, для коммерческой анимации яркий и уникальный силуэт — жизненная необходимость. Он понадобится для продвижения бренда и производства различного мерча.
Во имя чистоты силуэта создатели иногда закрывают глаза на законы логики и биологии. Например, уши Микки Мауса всегда выглядят, как два идеальных круга независимо от того, как он поворачивает голову.
Цвет
Цвет в визуальном дизайне фильма – одна из самых непростых задач. Художнику по персонажам необходимо одновременно выполнить 3 задачи: убедиться что персонажи гармонично смотрятся на фонах и не сливаются с ними, направить внимание зрителя на важные детали, а также передать характер героя.
Чтобы подобрать идеальную палитру для персонажа, художник не может полагаться на простой перебор, его опорой становится теория цвета. Есть несколько базовых положений, которые помогают структурировать работу над цветовой схемой персонажа.
Цвета, находящиеся по разные стороны цветового круга — наиболее контрастны по отношению друг к другу. Этот контраст можно использовать, чтобы привлечь внимание зрителя (прим. ред. Подробнее о сочетании цветов можно почитать в книге Йоханнеса Иттена «Искусство цвета»).
Как это работает на практике?
Еще контраст используют, чтобы подчеркнуть различия в характере между двумя персонажами.
Характер персонажа диктует, какими правилами стоит руководствоваться при выборе цветовой палитры. Определенные цвета ассоциируются с определенным типом личности. Холодные оттенки обычно соответствуют спокойным, уравновешенным личностям, прагматикам. Тёплые цвета ассоциируются со взрывными персонажами, холериками. Яркие цвета помогают передать высокую энергию персонажа, а приглушенные – спокойствие или даже апатию.
Пропорции и сочетания
Главное оружие мультипликатора – правильная диспропорция. Чересчур гармоничный и “равномерный” персонаж не захватывает зрительское внимание и на экране смотрится довольно блекло.
Гиперболизируя черты персонажей и отступая от канонов реалистичной анатомии, мы не только создаём приятные глазу образы, но и подчеркиваем нужные черты личности.
Персонажи с высоким лбом почти всегда будут отличаться незаурядным умом.
Мощные нависающие надбровные дуги и тяжёлая челюсть обычно делают персонажа визуально более тупым и агрессивным.
Важно помнить, что нет какого-то однозначного решения при разработке персонажа. Полноценный образ складывается из совокупности всех признаков. Комбинируя в разных пропорциях формы и цвета, мы ищем именно то решение, которое идеально подходит определённому персонажу. Каждый изложенный выше пункт — наш инструмент и помощник в достижении цели.
Чем руководствоваться при разработке дизайна? Какие вопросы задать перед началом работы?
Кто наш герой?
Это самый первый вопрос, который возникнет у любого профессионала.
Перед началом работы у художника по персонажам должно быть чёткое представление о том, кого он рисует. Фоновых персонажей и персонажей-функций достаточно просто определить в нужный “лагерь”, но для главных героев информации в духе «хороший-плохой» явно не хватит.
Биография, привычки и склонности характера персонажа находят отражение в его внешности. Даже для второстепенных персонажей нужны определяющие черты. Согласитесь, добродушный пекарь-сладкоежка и пекарь — ветеран войны с гоблинами — это очень разные персонажи, и рисовать их одинаково было бы довольно скучно.
То, из какой среды вышел герой, как он себя ведёт в разных ситуациях и кем он хочет казаться для других — всё это может найти отражение во внешности персонажа. Внутренний мир героя часто дает ответы даже на самые сложные вопросы дизайна.
Если герой появляется в кадре сверкая, словно новогодняя ёлка, не говорит ли это о том, что за внешним лоском прячутся неуверенность в себе или какие-нибудь недостатки?
Где наш герой?
Ответы на этот вопрос лежат в двух разных плоскостях: сеттинга и жанра.
Сеттинг
От сеттинга, то есть условий, в которых находится персонаж, зависит выбор одежды, причёски и аксессуаров.
Важно помнить, что персонаж может как вписываться в окружающую обстановку, так и выглядеть белой вороной. Небольшой атрибут, не вписывающийся в общий антураж, может стать визитной карточкой героя.
Жанр
Жанр и основная идея фильма диктуют нам правила игры — как глубоко нам нужно углубляться в детали, насколько сильной будет стилизация. Для примера сравним двух скелетообразных злодеев из разных вселенных: комедийной космооперы и мрачной легенды.
Можно идти двумя путями: нарочито иллюстративным, когда черты характера персонажа напрямую транслируются в его внешний облик, или создать контрапункт, когда внутренние стремления персонажа противопоставляются его облику.
На картинке ниже два тирана. Их объединяет властность, желание полного контроля, гордыня. Это и их высокий статус объясняют сходство в дизайне. Однако «Шрек» является пародийным фильмом, высмеивающим классические тропы и клише, поэтому в отличие от высокого статного Фроло, лорд Фаркуад — коротышка.
Теперь, когда мы познакомились с языком, на котором разговаривают художники по персонажам , вы можете задать еще один хороший вопрос. Как научиться врать на этом языке? Как сделать персонажа, который сможет заинтересовать зрителя, но при этом не выдать слишком много информации о нём, чтобы ярлык “герой” и “злодей” не возник у аудитории с первого взгляда?
Продолжение следует.
Автор Василиса Тикунова специально для Smirnov School, онлайн-школы, где готовят концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации.
Открыт набор на курс «Основы создания персонажей». Скажите, что пришли с DTF и мы с радостью предоставим вам приятную скидку.
Аниме — это не только японские мультфильмы, но и своеобразный стиль рисования, который отличается от других стилей. Сегодня аниме-стиль рисования стал очень популярным во всем мире, и многие хотят научиться рисовать в этом стиле.
В этой статье мы расскажем о различных стилях рисования аниме и дадим некоторые советы, как найти свой собственный стиль рисования.
Стили рисования персонажей аниме
Стили рисования персонажей аниме могут сильно отличаться друг от друга, в зависимости от жанра аниме, художника и даже от конкретного персонажа. Некоторые стили рисования аниме более реалистичны и детализированы, в то время как другие более упрощены и стилизованы.
«Shonen»
Один из наиболее известных стилей рисования аниме – это «shonen» стиль.
Этот стиль часто используется в аниме, ориентированных на мужскую аудиторию и характеризуется сильными, мускулистыми персонажами, яркими цветами и выразительными глазами.
«Shojo»
Другой популярный стиль – это «shojo» стиль. Он более эмоциональный, с яркими и крупными глазами, мягкими линиями и плавными формами, и часто используется в аниме для девочек.
Чиби стиль
Чиби стиль – это стиль, в котором персонажи изображаются в маленьком и пропорционально широком виде. Особенностью этого стиля является то, что персонажи часто выглядят милыми.
Моэ стиль
Моэ стиль – это стиль, в котором персонажи изображаются с большими глазами, маленькими носами и ртом, а также с округлыми формами. Особенность этого стиля – это его мягкие и дружелюбные черты.
Сёдзё стиль
Сёдзё стиль – это стиль, который часто используется для рисования аниме для девушек. Он характеризуется детализированными и изысканными чертами персонажей, которые могут быть сопровождены более мягкой и пастельной цветовой гаммой.
Сэйнэн и дзёсэй
Сэйнэн и дзёсэй – это стили, которые часто используются для рисования аниме для взрослых. Сэйнэн – это стиль, который обычно используется для создания серьезных и драматических историй, а дзёсэй – это стиль, который обычно используется для создания комедийных и юмористических историй.
Кодомо
Кодомо – это стиль, который часто используется для рисования аниме для детей. Он характеризуется простыми и яркими чертами персонажей, которые могут быть сопровождены более яркой и насыщенной цветовой гаммой.
Мультяшное аниме
Мультяшное аниме – это стиль, который часто используется для создания комедийных и юмористических историй. Он характеризуется преувеличением черт персонажей и может включать в себя элементы антропоморфизма, то есть персонажи могут быть изображены в виде животных или предметов.
Реалистичная рисовка
Реалистичная рисовка – это стиль, который обычно используется для создания серьезных и драматических историй. Он характеризуется более реалистичными чертами персонажей и может быть сопровожден более темной и грустной цветовой гаммой
Кэмоно стиль
Кэмоно стиль – это стиль, который используется для рисования персонажей, одетых в японские национальные костюмы, такие как кимоно. Он характеризуется более традиционными и детализированными чертами персонажей.
Как называется стиль рисования аниме
Как уже упоминалось выше, стиль рисования аниме может иметь много различных названий в зависимости от его характеристик и целевой аудитории. Однако, есть несколько основных стилей рисования аниме, которые наиболее распространены и узнаваемы.
Manga
Один из наиболее известных стилей рисования аниме называется «manga» стилем. Этот стиль характеризуется выразительными глазами, круглыми формами и многими другими особенностями, которые делают персонажей аниме узнаваемыми. Многие аниме-сериалы и манга используют именно этот стиль рисования.
«CGI» стиль
Еще один стиль рисования аниме, который становится все более популярным, называется «CGI» стилем. Этот стиль использует компьютерную графику для создания рисунков и анимации. Этот стиль обычно используется для создания аниме-фильмов и игр.
Разные стили рисования аниме
Как мы уже упоминали, существует множество различных стилей рисования аниме. В каждом из них есть свои особенности и нюансы, которые делают его уникальным и узнаваемым. Некоторые стили рисования аниме более подходят для рисования женских персонажей, а некоторые – для мужских.
«Bishonen»
Например, стиль рисования «bishonen» отличается от других стилей тем, что использует более женственные черты для изображения мужских персонажей. Стиль рисования «chibi» используется для создания маленьких, забавных и круглых персонажей, в то время как стиль «mecha» используется для изображения роботов и механизмов.
Как найти свой стиль рисования аниме
- Как и в любом другом виде искусства, важно найти свой собственный стиль рисования аниме. Начать можно с изучения различных стилей рисования аниме и их особенностей. Посмотреть множество аниме-сериалов и манга, чтобы получить представление о том, как изображают персонажей в разных жанрах.
- Также можно пробовать различные стили рисования и экспериментировать с ними. Нарисовать персонажей в разных стилях и посмотреть, какие особенности вам больше нравятся и какие вы хотите использовать в своем собственном стиле.
Для тех, кто хочет научиться рисовать в стиле аниме, существует множество курсов и уроков в интернете. Также можно посетить специальные школы и курсы, где профессионалы научат вас тонкостям рисования в стиле аниме и помогут развить ваше творческое видение.
Важно помнить, что найти свой собственный стиль рисования может занять время и требует постоянной практики. Но когда вы найдете свой собственный стиль, это поможет вам выделиться и создать уникальные персонажи и истории.
Независимо от того, какой стиль рисования аниме вы выберете, важно помнить, что это не только способ выразить свою креативность, но и способ передать эмоции и идеи через истории и персонажей. Истинное мастерство заключается в том, чтобы создавать персонажей, которые не только хорошо выглядят, но и имеют глубокие личности и истории.
Как научиться ребенку аниме?
Если вы хотите изучить стиль рисования аниме и научиться создавать красивых и интересных персонажей, то вы можете обратиться в Coddy – детскую школу программирования. У нас есть курсы, посвященные манге и рисованию в стиле аниме, где вы сможете узнать больше о различных стилях и техниках рисования, а также научиться создавать своих собственных персонажей.
Наши опытные преподаватели помогут вам развить ваши навыки и научат вас техникам рисования, которые помогут вам стать лучшим художником. Вы также сможете общаться с другими учениками и обмениваться опытом, что позволит вам улучшать свои навыки еще быстрее.
Кроме того, мы предлагаем широкий выбор других курсов, связанных с компьютерными науками и технологиями, так что вы можете выбрать то, что наиболее подходит для вас. Мы верим, что наши курсы помогут вам раскрыть свой творческий потенциал и достичь успеха в будущем.
Так что, если вы хотите изучить стиль рисования аниме и создавать удивительных персонажей, обращайтесь в Coddy и начинайте свой творческий путь уже сегодня!
В заключении, стиль рисования аниме – это уникальный и выразительный вид искусства, который становится все более популярным во всем мире.
Существует множество различных стилей рисования аниме, каждый из которых имеет свои особенности и нюансы. Чтобы найти свой собственный стиль рисования, необходимо изучить множество различных стилей, экспериментировать и постоянно практиковаться. Будьте творческими и наслаждайтесь процессом рисования в стиле аниме!
Тут я расскажу как легко и быстро найти свой стиль^^
Надеюсь это вам хоть как-то помогло
До скорых встреч)
Авторы иллюстраций
🤍🤍instagram.com/p/CROzcAXF566/?utm_medium=copy_link
🤍🤍instagram.com/p/CRL1M5ADsP0/?utm_medium=copy_link
🤍🤍instagram.com/p/CRzRdX8FN26/?utm_medium=copy_link
🤍🤍instagram.com/p/CQWnThRB6NO/?utm_medium=copy_link
_♡Сайка-Neko☆_
2023-05-09 13:34:31
У меня никогда не получиться свой стиль потому что если я попытаюсь его сделать такой уже будет хотя я даже не буду об этом знать :<
Неолаим👾
2023-05-01 00:43:21
АААА я тебя либо в лайке либо в тиктоке вмдела😍👺
nestzéra
2023-03-02 19:41:45
подход, я считаю, правильный, но по-моему 4 художника как-то мало
я бы взяла сразу всех, чья манера рисования привлекает, и выбрала бы у них у всех черты, которые нравятся больше всего
glb228
2023-02-22 12:22:53
Ой как все просто и легко сказывается , зря учился рисовать 9 лет. Кек
Занавесочка
2023-02-21 19:53:16
Будет ли ещё видео :с?
Michelle Berlin
2023-02-18 17:01:09
Какой красивый голос я надеюсь что у тебя всё получится успехов я так хочу новых видео ❤🧡💛
Пыталась вспомнить откуда вас знаю. Кажется вспомнила, что это тикток. Поправьте меня если не права. И кстати можно теперь перезалить тиктоки сюда!
ponponchara
2023-02-04 20:34:43
Спасибо большое, смотрела кучу видео, но ничего не помогало найти что то своё. А это видео мне реально помогло
caow !
2023-01-22 02:25:13
только 1 видео и очень красивое ) жаль что нету еще видео
не бедный, а экономный художник
2023-01-11 15:56:00
А также можно прочитать книгу “Кради как художник”. Подходит всем творческим людям
𝗖 𝗛 𝗘 𝗟 𝗜 𝗞
2023-01-05 21:25:52
Моë терпение не сломить я буду ждать пока не выйдет новое видео
ДАЖЕ СМЕРТЬ НЕ СЛОМИТ МОË ТЕРПЕНИЕ
Fake.
2022-12-12 07:32:41
Спасибо вам! Вы очень помогли мне! Коротко и ясно ^^
coffe
2022-11-05 09:50:21
А если стиль похож на другие ?
Сколько не перерисовываю всё равно на чей то похож что тогда делать? Аааа? Что ? Крч я просто порву с рисованием 😭🥲
𝗖 𝗛 𝗘 𝗟 𝗜 𝗞
2022-10-19 11:49:53
Я всë ещё здесь, я всë ещё жду
чай с тобой
2022-10-15 09:58:05
Лучший туториал)
ᴛᴇᴛᴄʜᴏ sᴜᴇʜɪʀᴏ
2022-10-09 12:31:22
Эта что та самая девочка с инстаграмма?!
Красный кисель
2022-10-01 18:01:21
Я тебя жду
Красный кисель
2022-10-01 18:01:09
А где видеооооооооооооооооооооооооооооооо????!!!!
Graveyard of hope
2022-09-22 18:50:15
Очень люблю твоё творчество!! Так обрадовалась когда нашла тебя и в Ютюбе!!!Но почему ты больше не снимаешь(
Здесь известные художники и иллюстраторы делятся своим опытом в создании персонажей.
Иногда дизайн персонажа может быть настоящим врагом для начинающего художника. Персонажи классических мультфильмов, реклам, фильмов кажутся такими простыми, но за фасадом не видно, сколько сил было на них потрачено.
Начиная от дизайна трехпалой лапки Микки Мауса (сделанного специально для увеличения скорости рисования), заканчивая элегантной простотой Гомера Симпсона, создание персонажей всегда крутилось вокруг простых форм.
Но что можно считать дизайном персонажа? Помимо линий и черт, это еще и знание, на что сделать упор, а что упростить, как развить личности и предысторию, добавить глубины.
И, конечно же, техники рисования. Все зависит от направленности рисунка, анимация это или Стрип, необходимо убедиться, что все будет работать правильно.
Для составления этой статьи мы опросили самых известных художников и иллюстраторов дать их советы по созданию запоминающихся уникальных персонажей.
01. Не потеряйте магию
«Я стараюсь не терять свой первоначальный стиль, а дорабатывать его. Мне не хочется ощущать, что я создаю персонажей, намного приятнее как будто встречать их» (Лори Рован)
«Когда начинаешь работать над дизайном персонажей, не нужно сосредотачиваться на деталях. Решите, что вы хотите сделать и создайте грубый набросок в движении. Когда вы начинаете сосредотачиваться на деталях, динамизм начинает исчезать, поэтому сохраняйте минимум статичности на начальных этапах работы. Движение – это единственное, что нельзя добавить позже.» (Пернилла Орум)
02. Не используйте референсы
Несмотря на то что вдохновение надо где-то искать, ваша задача – создать оригинальную работу. Так Роберт Валлас – известный под ником Parallel Teeth – призывает не использовать рефенсы прямо во время работы.
“Если вы только посмотрели на чужую работу и попытались ее запомнить, тогда у вас выйдет что-то новое, это намного лучше простого копирования.»
03. Изучайте другие стили
Для обучения будет полезно детально проанализировать определенные примеры дизайна персонажей. В этом нет ограничений, цветные персонажи просто везде: в рекламе, на коробках хлопьев, дорожных знаков и так далее. Стоит внимательно их осмотреть и подумать, почему выбрали именно их, и что привлекает вас в этих персонажах.
«Когда работаете над персонажами, нужно получить вдохновение, которое можно подчерпнуть из детального анализа. Ваш разум – это хранилище образов, изучайте людей вокруг – их походка, жесты, как они одеваются – все это может быть использовано.» – утверждает Орум.
04. Ищите что-то за границей рисунка
Когда вы находитесь в поисках вдохновения, было бы хорошо выйти и осмотреться. «Мне нравится, как птицы ищут себе пару. Странные движения могут придать персонажу ту самую искру уникальности.» – говорит Рован.
«Когда я работаю над проектом, всегда начинаю с чувства, которое хочу изобразить. Само начало процесса заключается в съемках своих собственных движений в поисках чего-то уникального для персонажа.»
Вдохновение можно найти в керамике, органическая структура, приглушенная палитра цветов не дают работе быть слишком вызывающей.
05. Не теряйте первоначальную задумку
На какой-то момент работы над проектом, ей сказали, что он подозрительно похож на The Last Guardian. Она посмотрела на первые наброски и ощутила такое же чувство, какое она получила от чужой игры. Проект пришлось переделывать.
06. Карикатурность
Преувеличение – это определяющий параметр дизайна персонажа, который делает какие-то уникальные черты персонажа ярче, это помогает наблюдателю сразу же увидеть их. Карикатурность – это обязательный ключ для мультипликации, сразу же обозначающий и показывающий черты характера персонажа. Если персонаж сильный, то почему бы не сделать ему гигантский руки, чтобы сразу сказать об этом.
Техника карикатуры может быть применена при разработке дизайна персонажа. Так фильм Анны Мантзарис Enough показывает среднестатистических персонажей в повседневных ситуациях, где они делают вещи, которыми бы хотел заняться каждый из нас в плохой день. «Смешно, что я могу добавить карикатуры в работу, но люди все равно будут принимать это, как реальность. Эмоции также можно преувеличить.»
07. Решите, для какой аудитории вы творите
«При создании персонажа на заказ, художник может быть несколько ограничен, но креативность ограничить нельзя. Можно выполнить все желания клиента, и при этом это все равно будет «ваш» рисунок. Если важной задумкой являются глаза, весь мой проект будет сфокусирован на изображении лица персонажа.»
08. Сделайте вашего персонажа узнаваемым
Создав The Simpsons, Мэтт Гроунинг преподнес зрителям кое-что новое. Его логика заключалась в том, что просматривая каналы, людей зацепит яркий желтый цвет персонажей.
09. Создайте четкий силуэт
Другой хороший способ сделать персонажа уникальным и улучшить его позу – это сделать тень. Об этом рассказывает Орум. «Силуэт поможет сделать позу более четкой, главное не смазать конечности.»
10. Нарисуйте линию динамики
Орум рекомендует художникам придерживаться баланса прямых и изогнутых линий. «Прямые линии и изгибы придают персонажу динамики. Простая линия напрягает глаз, а изгиб помогает им расслабиться.»
Также следует поддерживать баланс между скетчем и плотностью. «Даже нейтральная поза может ожить благодаря правильному соотношению этих двух элементов.»
11. Лаконичность персонажей
Рован стал популярным, выкладывая смешные видео с его персонажами в Инстаграмм, после чего получил работу с Disney,BBC и MTV. Однако, год стендапа был для него не лучшим, он выучил многое, что смог использовать как товарный знак для его анимации.
«Именно через стендап я узнал, что такое лаконичность, это такая юмористическая форма» Знания монтажа приходят только через время ошибок и успехов. «Но вы быстро разберетесь, какими приемами пользоваться.»
12. Не усложняйте
Вместе со знанием, когда нужно усложнить и детализировать, Орум известен за понимание важности простого оформления. «Я пытаюсь использовать как можно меньше линий. Это не значит, что рисунок не проработан или на него пожалели времени, я стараюсь убирать все ненужные линии и цвета.»
13. Проработайте все углы
Тем более, если вы решили творить в формате Стрип, персонажи должны не только проработанными со всех углов, но и выглядеть хорошо, как например «Хильда».
«Как нарисовать Хильду сзади, но так, чтобы ее волосы не смазывали силуэт, как нарисовать ее берет сверху», затяжная битва с видом ее носа, со всеми этими проблемами столкнулся Персон, пока создавал персонажа. Все вопросы вели к тому или иному изменению дизайна.
14. Опробуйте 3D
Если ваш персонаж получит отражение в 3d мире, будь то анимация или игрушка, необходимо поработать над размерами, весом и формой. Еще лучше создать модельку.
«Даже если вы не работаете в 3d, вы может легко обучиться, как создавать персонажа в трехмерном пространстве,» говорит Александр.
15. Аккуратно с цветами
Цвета могут помочь отразить характер персонажа. Обычно темные цвета, такие как черный, серый, фиолетовый указывают на злодеев.
Светлые цвета, белый, голубой, розовый и желтый отражают невинность и чистоту. В комиксах красный, желтый и голубой тем или иным способом подчеркивают героические качества персонажа.
Орум дает советы по этому поводу. «Чтобы выбрать правильные цвета, нужно понимать их правила. Ознакомьтесь с первичными, вторичными и цветами третьей степени, основные и дополнительными цветами. Самая классическая техника – это выбрать два дополнительных и работать с ними на цветовом круге.»
«Вы добьетесь баланса, дополнительные цвета создают динамизм, а основные цветы привносят чувство спокойствия. Можно попробовать добавить третичный цвет, например, фиолетовый, оранжевый или зеленый и поработать с цветовым кругом. Но если вы только начинающий художник, лучше не усложнять.»
16. Не забудьте про волосы
Орум поделился своим опытом с нами «Несколько лет назад я ненавидел рисовать волосы, но теперь это мое любимое занятие. Раньше я пытался проработать каждую деталь с упорством, сейчас же пытаюсь изобразить органическую формы, развивающуюся на ветру, показать динамику.»
«Начните с создания цельной формы разделяя ее на секции, продумывая детали. Каждая линия должна направлять волосы, создавать форму.» “
17. Добавьте деталей
Детали обстановки и одежды могут показать характерные черты персонажа и его характер. Например, неопрятная одежда показывает финансовое положение персонажа, а куча бриллиантов и блестяшек о богатстве, но отсутствии вкуса. Можно изобразить все еще более прямо, например, попугай на пиратском плече или червей в черепе вурдалака.
18. Сосредоточьтесь на эмоциях
Орум комментирует этот момент «Если вы уже знаете, как сделать простой набросок лица, поиграйте с эмоциями. Возьмите зеркало и посмотрите на себя, изображая те или иных чувства. Поднимайте и опускайте брови. Избегайте симметрии лица, поработайте со ртом и наклоняйте голову.»
Классический пример карикатурности в эмоциях можно найти в работах легенды, Текс Эйвери: глаза его персонажей часто выпадают, показывая восторженность и нетерпение.
19. Пусть у персонажа будет цель
Движущая сила в личности персонажа – это то, чего он хочет добиться. Это что-то может быть богатством, любовью или решением тайны, оно придает драматичности за историей персонажа и его приключениями. Изъяны в дизайне персонажа делают его толлько интереснее.
20. Поработайте над историей персонажа
«Если возникают сложности с предысторией, попытайтесь представить персонажа в каких-то определенных ситуациях. Используйте историю, чтобы продумать эмоции, а потом добавьте деталей. Проработка сцены – лучшее средства, когда перед тобой лишь чистый лист бумаги, кроме того, это делает процесс только интереснее.» “
21. Лицо – не самая важная деталь
Юкаи Ду никак нельзя назвать среднестатистическим художником, в ее работах не найти ни одного лица. Вместо этого, предпочитаемой частью тела для нее стали руки. Такой выбор она сделала после обнаружения, что ей трудно отобразить эмоции. «Руки очень выразительная часть тела. Можно рассказать много историй руками в очень деликатной манере.» Руки – это то, что рассказывает ее истории.
22. Не делайте дизайн скованным
Много материалов – это, конечно, хорошо, но это не поможет сделать персонажа живым. Столько прекрасных персонажей было созданы во времена, когда о компьютерах еще не слышали. Ели персонаж продуманный, он должен хорошо получиться и на бумаге. На этот счет высказывается Сьюн Эфлерс: «Художнику должно быть достаточно палки с грязью и асфальта.»
23. Ищите поддержки
Показывайте людям свои творения, спрашивайте мнения. Не просто нравится/не нравится, пусть смотрят на детали. Будет прекрасно, если вы найдете определенного человека или аудиторию, которые будут давать вам поддержку или адекватную критику.
24. Будьте добросовестны
«Многие мои коммерческие проекты основаны на моих личных работах. Поэтому я всегда качественно прорабатываю персонажей,» комментирует Джон Бонд, известный иллюстратор, недавно выпустивший артбук, основанный на дизайне его персонажа.
25. Создайте правильную атмосферу
Точно также как вы создаете историю для своего персонажа, вам необходимо создать правильную атмосферу. Мир, в котором происходит действие, должен быть логичным и между ним и персонажем должна быть связь.
26. Черты
По этому поводу советует иллюстратор Нэйл МакФарланд: «Подумайте об определении слова «характер». Вы должны вдохнуть жизнь в свое творение, чтобы оно привлекало людей и вызывало у них эмоции»
27. Не бойтесь меняться
С годами Хильда менялась, от книги к книги, но Персон рассказывает, что никто ему этого не высказывал: «Мне хочется думать, что это, потому что дизайн силен настолько, что его принимают в разных формах.»
Поделиться статьей:
Как-то я просматривал свои первые производственные шоты и заметил, что одной из моих основных проблем было непонимание стиля анимации. Во время обучения в Animation Mentor наш стиль был ближе к диснеевскому или очень мультяшный, но я считаю, что стили в CG анимации достаточно разнообразны, а индустрия куда требовательнее.
Сейчас я работаю над своим третьим по счету фильмом, и каждый раз от меня требовали разного стиля анимацию, и почти всегда без времени на подготовку. Я думаю, что это очень хорошее упражнение, не только изучать, но и попробовать работать в разных стилях.
Я составил список тех анимаций, которые, по моему мнению, используют разные стили. Данный список это чисто мое видение и всего лишь пища для размышлений, так что не стесняйтесь комментировать, если считаете, что я что-то упустил
— Tim Rudder’s
с использованием motion capture
Технология Motion Capture или, если по-русски, «захват движений» позволяет оцифровать движения актёра и использовать их для управления трёхмерной моделью персонажа. Захват движения активно используется и в компьютерных играх, и в анимации, и в кинематографе.
Сама технология Motion Capture появилась на свет вместе с Mortal Kombat. Что именно Acclaim первой пришла в голову идея облепить актеров проводами и заставить плясать перед камерами, а отснятый материал перевести потом в цифровой вид и вставить в игру.
Уже на «Титанике» (1997) Джеймс Кэмерон использовал визуальные маркеры для создания цифровой массовки на корабле. И с тех пор массовку часто создают таким образом.
На ранних этапах развития этой технологии компания House of Moves предоставляла услуги motion capture для кино. Они работали на «Титанике», «Полярном экспрессе», «Доме-монстре», а также проводили захват мимики лица на первых двух фильмах серии «Человек-паук».
Как пример — работа Бенедикта Камбербэтча на фильме «Хоббит: Пустошь Смауга». Понятно, что анатомии человека и дракона различаются разительно. Человек не может отыграть движение, например, хвоста, поскольку ему нечем это делать. Не говоря уже о том, что и строение лап и гибкость тел у двух существ разные. Естественно, аниматорам придётся вмешиваться в работу актера. И как бы Бенедикт Камбербэтч ни был похож на ящерицу внешне, его лицо все равно не драконье, и где будут стоять заведующие артикуляцией маркеры на морде персонажа — решать будут аниматоры.
Реалистический стиль анимации применяется без гиперпболизации движений. Даже движения выдуманных персонажей выглядят такими же убедительными как если бы они существовали в жизни.
Анимация с намёками на гиперболизацию, но не без детального подхода к движениям. Даже самые незначительные жесты прорабатывают тщательно.
Очень сложно описать данный способ. Обе студии используют несколько различных стилей в разных фильмах.
В этой анимации в полной мере используют пластику движений, здесь невооруженным глазом можно заметить все сквоши, стрейчи и оверлапы.
Мультяшная, но с чрезмерно преувеличенной пластикой. Персонажи сжимаются и тянутся настолько сильно, словно не имеют костей.
Периодически школа запускает курс мультяшной анимации. На курс мы приглашаем опытных аниматоров, работающих в этом стиле. Вы будете не только теоритически осваивать особенности данного стиля, но и на практике создавать поистине мультяшные сцены.
Как пример, работа нашего студента Вадима Исайкина
Записывайтесь сейчас, чтобы первым узнать о старте!
А здесь приходится создавать иллюзию действия самыми экономными средствами. Аниматоры копируют и повторяют заготовленные движения, практически вся анимация строится на циклах.
Это настолько лимитированная анимация, что здесь нет места даже промежуточным фазам. Как пример — мгновенная смена эмоций за 2 ключа.
Анимация Stop Motion – это технология создания фильмов при помощи покадровой съемки объектов.
Пластилиновая анимация — разновидность стоп-моушен анимации, где персонажи сделаны из кусочков пластилина. Создание глиняных анимаций – не пустяковое дело. Этот процесс требует много тяжелой работы. Потому неудивительно, что пластилиновые фильмы обычно короткие.
В этом примере 3D анимация перенимает стиль рисованной анимации, которая производится покадрово. Движения персонажей не такие плавные, как в традиционном 3D, но и не такие отрывистые, как в стоп-моушн. Также в «The Peanuts» сделали попытку санимировать лайн, что не свойственно для 3D.
Каждый уважающий себя аниматор умеет применять 12 принципов анимации, а не просто знает их. Также все стили анимации имеют одну основу – фундамент, с которого всё начинается. И этим фундаментальным навыкам мы обучаем на курсе 3D – анимация. А на курсе по 2D – анимации ты узнаешь не только о принципах, но и о многом другом. Заходи к нам!
Такой стиль сродни перекладки, где каждую двигающуюся часть переносят на отдельный слой, нарочито создавая плоскую анимацию.
Не важно большая студия или маленькая, каждый может позволить себе комбинировать методы стоп моушена с современными технологиями. Яркий пример – это всемирно известная студия кукольной анимации – “LAIKA” с Голливудскими бюджетами на уровне Dreamworks. В последних фильмах вся лицевая анимация у них делается в Майе. Смоделеные лица персонажей с ригом и морфемами анимируют на аниматиках. Затем каждый нужный кадр распечатывают на 3d принетере и затем красят.
Что касается аниматоров, то они проделали просто жутко огромную работу. За те 45 часов в неделю, что они работают, один аниматор может сделать 3 секунды за неделю. Все вместе они делают 1 или 2 минуты в неделю.
Брайан так же процитировал продюссера Трэвиса Найта: “Стоп Моушен анимация в наши дни это самый наихудший способ создания фильма. Но в то же время это невероятная форма искусства, которая так редка и красива”.
