Привет, артисты!
Сегодня поговорим о проблеме, которая объединяет начинающих и уже чего-то достигших музыкантов. Все ищут свой звук. Новички обычно пытаются подражать своим кумирам, а кумиры, в свою очередь, продолжают экспериментировать и развиваться дальше. Вопрос фирменного звучания очень сложен и индивидуален, я же попытаюсь сформулировать основные принципы, которыми нужно руководствоваться, чтобы облегчить муки выбора и поиска.
Для начала определимся, как формируется гитарный звук. Цепочка в общем случае выглядит так: музыкант – инструмент – оборудование. В случае студийной записи или более-менее серьезного концертного выступления сюда еще можно добавить особенности сведения. Будем разбираться по порядку.
Звук начинается с исполнителя. Его технический уровень владения инструментом, подача и манера игры, особенности фразировки и музыкального мышления – это самое важное в конечном результате. Профессионал сыграет в плохой аппарат лучше, чем новичок сыграет в самый топовый. Кроме того, даже научившись играть так же хорошо, как ваш любимый гитарист, и купив такие же примочки, вы всё равно, может и приблизитесь к его звучанию, но никогда не будете звучать в точности, как он, потому что каждый человек уникален, и через музыку эта индивидуальность также передается. Однако все ценят оригинальность, поэтому нет смысла в бесконечном подражательстве. Вы можете изучать приемы и фишки своего кумира, переигрывать его произведения, перенимать его опыт, но вместе с тем, вносить и что-то своё. По сути, всё новое в музыке – это практически всегда комбинация и дальнейшее развитие старого. Причем развитие – это далеко не всегда усложнение, это может быть, как раз упрощение, либо принципиально иной взгляд.
Думаю, здесь всё понятно. Далее в нашей цепочке идёт инструмент, в нашем случае – гитара. Последнее время разразилось много споров о том, насколько велика или мала разница между дорогими и дешевыми гитарами, влияет ли дерево или только звукосниматели, и многое другое. Здесь нужно понимать вот что. Успешно исполнять музыку можно на любом инструменте, если этот инструмент… играбелен! То есть если гитара строит по мензуре, высота струн адекватна, на всех ладах ноты звучат одинаково чётко и долго, исправно работает электроника, то это инструмент, пригодный для дела, вне зависимости от того, сколько он стоит, сколько ему лет и из какой древесины собран.
Всё остальное – нюансы. А именно, форма и внешний вид гитары. Они должны нравится вам, должно быть удобно держать в руках и всё такое. В электрогитаре важное значение имеют звукосниматели. Если играете музыку полегче, стоит рассмотреть синглы, то есть датчики с одной катушкой. Классический пример – стратокастер (показать фото).
Если играете потяжелее, лучше взять гитару с хамбакерами, то есть датчиками с двумя катушками.
Опять же классический пример – лес пол.
Хотите универсальности – к вашим услугам уже давно существуют гитары с обоими типами звукоснимателей на борту, а также хамбакеры с возможностью отсечки.
Ну и наконец, вопрос цены и бренда. Тут всё зависит от ваших предпочтений и финансов. Есть желание и возможности – берите подороже, нет – сэкономьте. В целом, сейчас можно найти годные инструменты почти в любой ценовой категории, а у многих именитых компаний есть бюджетные модели. Главное, что стоит помнить – дорогая гитара не всегда значит, что она без недостатков. Многие профессиональные музыканты доводят свои дорогие инструменты до ума, подгоняют под свои требования у мастеров, а кто-то вообще не использует серийные гитары, играя на изготовленных по индивидуальному заказу.
Переходим к третьему звену цепочки – оборудованию. Под этим словом я имею в виду ту аппаратуру, которая усиливает и обрабатывает сырой сигнал с вашей гитары. Это может быть усилитель, педали эффектов, кабинет или их цифровая эмуляция. Причём последний вариант уже давно не является чем-то маргинальным, и уже вполне конкурирует с традиционными решениями.
Почему в индустрии существует так много разных усилителей и педалей эффектов? Чтобы удовлетворить пожелания разных музыкантов. Кому-то нужно много гейна, чтобы играть злой метал, кому-то нужен деликатный звук для джаза и блюза. Одним из самых популярных и универсальных решений являются усилители фирмы Маршалл,
эталоном чистого звука по праву считается схема Fender Twin Reverb.
Всё это дело вкуса и вопрос конкретных творческих задач. Но допустим, у вас есть подходящий усилитель или его цифровая эмуляция – не суть, принцип один. Как его настроить?
Большинство усилителей оснащено регулировками гейна, то бишь перегруза, который компрессирует звуковой сигнал и обогащает его гармониками. Это то, что мы любим в звучании электрогитары. Новички любят выкручивать этот параметр чуть ли не по максимуму, что в большинстве случаев ошибочно. Чем больше перегруза, тем труднее положить гитару в микс. Чем больше перегруза, тем труднее контролировать соотношение полезного сигнала и ненужной грязи с фоновыми призвуками. Наконец, чем больше перегруза, тем меньше динамический диапазон звука, а он очень важен для того, чтобы при игре передавать эмоции, экспрессию, пульсацию музыки. Конечно, иногда уровень гейна действительно нужен большой, если это обусловлено художественной задумкой, и чаще всего это используется для солирующих партий. Но всегда нужно стараться играть на как можно меньшем перегрузе, компенсируя его недостаток хорошей атакой. Всё это приходит с опытом.
Также усилитель как правило оснащен трехполосным эквалайзером – регулировками басов, средних и высоких частот. Тут мои рекомендации таковы: поставьте все ручки посередине – на 12 часов. Если звучание вас при этом устраивает, то есть смысл так всё и оставить! А вот если звук вам кажется излишне зудящим или наоборот слишком глухим, можно попробовать соответственно уменьшить или увеличить высокие частоты. Многие любят зарезать середину, что в некоторых случаях может и оправдано, но в целом нежелательно, так как середина – это фундаментальная частота гитары. Без нее инструмент будет плохо слышно в пачке, то есть вместе с барабанами, басом и так далее. Также сомнительным решением может быть выкручивание низких частот на максимум, лучше их даже понизить где-нибудь на 9-10 часов, так как за этот диапазон в миксе отвечает бас. Вообще, никогда не настраивайте тембр гитары, не рассматривая ее в контексте аранжировки. Пусть гитара сама по себе будет звучать как бы недостаточно мощно и жирно, но зато она займет правильное место среди других инструментов, и все вместе они и выдадут тот самый качевый, плотный саунд, который всем так нужен.
Еще один важный момент – если записываете гитару, то ее звук уже на этой стадии должен быть максимально близок к тому, каким вы хотите его слышать после микширования. Не важно, сами вы будете сводить свой микс или отдадите звукорежиссеру, в любом случае не стоит думать, что запишу сейчас абы как, а на сведении всё поправят. Просто это так не работает. Задача сведения не в том, чтобы из плохого сделать хорошее, а в том, чтобы отдельные хорошо звучащие записанные дорожки хорошо сочетались друг с другом.
Важной частью гитарного оборудования являются и всевозможные примочки. Эффекты модуляции и пространственной обработки как правило включаются в петлю усилителя, то есть в специально сконструированный разрыв между предусилителем и усилителем мощности.
Самый популярный эффект, помимо овердрайва и дисторшна – это дилэй, имитирующий эхо и часто использующийся для соло. Где-то до 2000-х годов популярным был и хорус, но в последнее время все реже можно услышать этот эффект на записях известных музыкантов.
С эффектами надо быть аккуратнее. Это как сахар, который вы кладете в чай – пересластите, будет слишком приторно. Не рекомендую записывать гитару сразу с эффектами (перегруз – не в счет), потому что если на стадии сведения станет понятно, что с количеством ревера или дилэя вы перестарались, то придется все заново переписывать. Большинство эффектов цифровые и есть в каждом секвенсоре, разумнее накладывать их на уже записанную сухую дорожку гитары, что откроет широкий простор для экспериментов.
Возможно, у вас остался вопрос – ну и как, собственно, найти свой звук? Увы, ответа у меня нет. Это индивидуальный творческий путь каждого музыканта. Я лишь обозначил своего рода маяки, на которые стоит ориентироваться. А вообще, искать свой звук, конечно, увлекательно, но не стоит забывать, что в конечном итоге, мы занимаемся музыкой, а не бесконечным перебиранием гитар, педалей и усилителей.
Ну что ж, всем удачи и пока!
Основатель проекта Recording Revolution Грэхем Кокран написал заметку о поиске собственного звука, которую разослал подписчикам Email-рассылки проекта. По мнению Кокрана, найти собственный звук не получится, его можно только выработать, вдохновляясь звучанием других групп и объединяя свои усилия с другими музыкантами. Редакция SAMESOUND.RU приводит адаптированный перевод материала.
За 8 лет существования Recording Revolution я понял, что аудитория проекта — это не только звукорежиссеры, но и обыкновенные музыканты, авторы песен, продюсеры и многие другие. Я понял, что все, кто изучает премудрости звукозаписи и сведения музыки, хотят создавать музыку, которую увидит мир. Музыку, которая уникальна и значима. Музыку, которая выделяется на фоне всего остального.
Когда перед музыкантами встает вопрос о том, как должна звучать песня, мы часто теряемся в поисках ответа на него. Ситуация выглядит таким образом, что написать, записать и свести песню намного проще, чем понять, как она должна звучать. Поиск собственного, уникального и неповторимого звука становится мучительным путешествием, полным вопросов без ответов.
Мы хотим звучать подобно нашим любимым исполнителям, но в то же самое время не хотим повторять их звук, хотим быть уникальными. Мы придумываем хуки и последовательности аккордов, но по какой-то причине они звучат точно так же, как большинство песен из любимого плейлиста. Казалось бы, чтобы сделать что-то новое, достаточно покинуть привычную нам зону комфорта и начать мыслить не стандартно, но это не дает нужного результата, а получающаяся музыка оставляет желать лучшего.
Я очень долго бился в поисках собственного звука, пока не пришел к нескольким выводам, сделавшим мою жизнь намного проще. О них я и хочу рассказать, но прежде чем мы начнем, давайте поговорим об одном популярном мифе, в который верит практически каждый музыкант.
У вас должен быть собственный уникальный звук, не похожий ни на кого другого.
Эта фраза — один из самых опасных советов, который я слышал в спорах о поиске собственного звука. Услышав его, мы начинаем думать, что не хотим звучать, как Led Zeppelin, Queen или любая другая группа. Затем мы перестаем слушать и изучать звучание любимых групп, опасаясь стать их полной копией. Правда в том, что вы никогда не сможете стать чьей-то копией на 100%.
Я видел множество музыкантов, которые могли записать дюжину отличных песен, но ограничились лишь парой-тройкой посредственных композиций. Всему виной их нежелание звучать так, как Led Zeppelin, The Beatles или Эд Ширан. Они попросту побоялись изучить звук, который хотели получить. Но только так можно найти собственный саунд: изучая звук других музыкантов и пытаясь его повторить, мы приходим к собственной музыкальной идентичности.
Я считаю, что поиск собственного звука должен начинаться с понимания, что вы из себя представляете как исполнитель. Большего добиваются те музыканты, кто честно говорит себе: «Да, я знаю, что нахожусь под влиянием этих групп». Они не прекращают писать песни, даже если треки похожи на чье-то творчество, и в конечном итоге находят свой звук. И в таком подходе нет ничего плохого. Просто задумайтесь: все прекрасные группы и музыканты сформировали свой саунд, находясь под чьим-то влиянием.
Хорошим примером для сравнения может служить эволюция гитары в музыке. Современные рок-гитаристы учатся играть по риффам и гаммам Джими Хендрикса и Джимми Пейджа. Блюзовые гитаристы пристально изучают игру Мадди Уотерса, Би Би Кинга и Бадди Гая, чье звучание во многом основано на игре Роберта Джонсона и Ти-Боун Уокера. Похожий паттерн можно найти среди вокалистов, клавишников, барабанщиков в любых стилях музыки. Понимание этого подводит нас к первому совету, касающемуся поиска собственного звука.
1 Собственный звук нельзя найти, его можно только сформировать
Когда вы садитесь за новую песню, худшее, что можно сделать в этот момент — это потратить бесчисленное количество времени на размышления о том, как она должна звучать в вашей голове. Вместо того, чтобы тратить время на бесполезные раздумья, — сделайте демку, грубую зарисовку того, что пришло в голову. Важно записать саму идею, пусть даже с использованием только одного инструмента.
Добавляя к этой идее все больше инструментов, вы обнаружите, что музыка двинулась в совершенно другом направлении. То, что начиналось, как зарисовка в духе вашей любимой группы, постепенно превратилось в вашу собственную музыку, в которой от источника вдохновения не осталось практически ничего.
Для формирования собственного звука вы должны писать, записывать и сводить музыку. Не переживайте, если несколько первых идей не так хороши, как хотелось бы — не существует песен, которые сразу же звучат круто.
В мире найдется бесконечно огромное количество песен, которые не переросли статус демоверсии, хотя они написаны топ-исполнителями. Несмотря на это, каждый новый трек приближает музыканта к формированию своего звука и собственной музыкальной идентичности. Чем больше мы сочиняем и записываем, тем выше наше мастерство, и тем ближе момент нахождения своего неповторимого саунда.
В одном из интервью Эд Ширан как-то сказал, что написание песен похоже на работу сантехника.
«Это как засорившийся кран. Вы поворачиваете ручку, и из крана долго льется грязная вода. Постепенно она сменяется чистой. С песнями точно такая же ситуация. В самом начале пути вы будете писать плохие песни. Мои треки были ужасными, мой вокал был ужасным — на днях я переслушал свои первые музыкальные опыты и реально ужаснулся! Чем больше вы пишете, тем лучше у вас получается — из крана постепенно начинает течь только чистая вода».
— Эд Ширан
Если такое говорит обладатель Грэмми, то в этом определенно есть доля правды. Поэтому поиск собственного звука — дело наживное. Чем больше пробуешь, тем ближе к нему подходишь. Да, может потребоваться не одна сотня попыток, но в конечном итоге вы найдете то, что ищете.
Сегодня, когда собрать студию звукозаписи можно за несколько сотен долларов, у вас нет причин не писать музыку, нет причин для отказа от поиска собственной идентичности. Не важно, на каком уровне находятся ваши навыки работы со студийным оборудованием — в Интернете найдется уйма бесплатной информации о том, как работать с DAW, придумывать интересные песни и сводить музыку.
Сочиняя музыку, не задерживайтесь на одних и тех же песнях. Экспериментируйте со стилями, направленностью и характером сочиняемой музыки. Выходите из зоны комфорта и творите, а потраченное время окупится появлением различных музыкальных черт, присущих только вам.
Написание совершенно разных песен облегчает поиск собственного звука. Напишите балладу о муках любви, танцевальную легкомысленную песню, какой-нибудь забойный рок-трек. Переслушивая свои работы, вы будете подмечать в них общие музыкальные черты — это и есть ваш звук.
2 Вдохновляйтесь звучанием других исполнителей
Вам не нужно копировать музыку других исполнителей, чтобы найти свой звук. Вам нужно только вдохновляться звучанием других музыкантов.
Взгляните на последний альбом Daft Punk «Random Access Memories». Стилистически и по своему звучанию этот альбом вдохновлен американской музыкой конца 1970-х и начала 1980-х. Можно ли говорить, что они полностью скопировали музыку того времени и выпустили неуспешный альбом? Нет! Совместив звук 1970-1980-х с собственными наработками (вокодером и синтезаторами), электронный дуэт создал один из самых коммерчески успешных альбомов. Пластинка возглавила чарт Billboard 200, а сингл «Get Lucky» стал одним из самых продаваемых синглов в истории музыки. В дополнение к этому, Daft Punk получили 5 премий Грэмми.
Возьмем другой пример — второй альбом Maroon 5 «It Won’t Be Soon Before Long». Работа вдохновлена многими исполнителями из 1980-х — в музыке слышно влияние Принса, Майкла Джексона, Talking Heads и Шаббы Рэнкса. Сингл «Makes Me Wonder» быстро взлетел на первую строчку Billboard Hot 100, но никто при прослушивании этой работы не сказал: «Эй, да эти же парни полностью скопировали чужую музыку!».
Звучит сомнительно? Тогда вот еще несколько примеров успешных песен и их источников вдохновения:
- Bruno Mars «Locked Out Of Heaven» и The Police «Message In A Bottle»;
- Muse «United States of Eurasia» и Queen «Bohemian Rhapsody»;
- John Mayer «Half of My Heart» и Stevie Nicks & Tom Petty «Stop Dragging My Heart Around»;
- The Strokes «Last Nite» и Tom Petty & The Heartbreakers «American Girl»;
- Daft Punk «Get Lucky» и Bee Gees «Night Fever»;
- Amy Winehouse «Tears Dry On Their Own» и Marvin Gaye & Tammi Terrell «Ain’t No Mountain High Enough»
- The Weeknd «In The Night» и Michael Jackson «The Way You Make Me Feel».
Послушайте все эти песни — даже при явном влиянии одних композиций на другие, между ними не так много общего. Хитрость в том, что все мы пишем музыку по-разному, применяем какие-то собственные приемы. Ваша индивидуальность проявляется в особенностях работы с вокалом, ритмом и фразировками, подходам к записи сведению музыки.
Чтобы вдохновлять музыкантов своим творчеством, нужно самому чем-то вдохновляться. Взяв за основу старый саунд и совместив его с тем звуком, на котором вы выросли, и тем звуком, который вам нравится сейчас, вы получите отличный гибридный звук, который удивит слушателей.
Оглянитесь на 20-30 лет назад и посмотрите, какие альбомы, жанры, инструменты и звуки были популярны в те времена, а затем совместите их с тем, что популярно сейчас. Возьмите творчество тех исполнителей, которые вам нравятся, и посмотрите, чем они вдохновлялись, а затем используйте эту информацию для своей следующей песни.
Вопреки распространенному мнению, гораздо проще найти свой звук, музицируя с кем-то еще, чем пытаться сделать это в одиночку. Когда вы работаете с кем-то еще, вы делитесь своими идеями друг с другом, охотнее экспериментируете со звуками и инструментами. Благодаря этому, вы быстрее генерируете новые идеи и придумываете какие-то интересные вещи, на которые в одиночку у вас бы ушло намного больше времени. При этом я советую объединять свои усилия с кем-то, кто обычно работает в другом жанре.
Я лично видел плоды такого подхода. Однажды, пытаясь создать что-то новое, я решил объединить свои усилия с одним приятелем. Мы совместили мою любовь к року и вокалу с его талантами в области синтезаторов: я привнес в звук гитары и вокал, мой товарищ — грязные и шероховатые синтезированные звуки. То, как он работал с синтезаторами, направило мои идеи в совершенно новом, неожиданном, но интересном направлении.
Музыка должна быть плодом совместного творчества и не важно, идет ли речь о двух парнях в студии, целой группе или оркестре. Не бойтесь объединений и ищите единомышленников, которые работают в других музыкальных жанрах. Вы удивитесь, какую крутую музыку можно сделать вместе.
Найдите кого-нибудь, кто вам интересен, через SoundCloud, объявление в газете или сообщение в социальных сетях. Напишите этому человеку, предложите встретиться, скажите, что заинтересовались его музыкой и хотите сделать что-нибудь вместе. Вряд ли вам откажут. Пообщайтесь побольше с человеком, найдите точки соприкосновения и попробуйте работать вместе. Установить связь проще, чем кажется.
Да, музыку можно делать и в одиночку, но если у вас есть единомышленник, то добьетесь большего. Будьте открытыми для мыслей других людей, обменивайтесь идеями, записывайте и придумывайте как можно больше. Ни в коем случае не упирайтесь во что-то одно: худшее, что можно сделать вместе, это пытаться биться над одной идеей, не обращая внимание на другие пришедшие мысли.
Надеюсь, что эти три совета помогут вам найти свой звук. Эта проблема имеет массовый характер и вы не одиноки.
Приветствую вас, дорогие читатели блога bass-player.ru! Наверное задавать вам вопросы в самом начале статьи у меня уже входит в привычку =)) И тем не менее эта статья не исключение. Я не знаю почему так получается, наверное мне так легче писать и легче завязать с вами разговор. Не знаю… Ну в общем, сегодня на повестке дня встал вопрос о поиске своего собственного звука на безладовом басу. Может это какая-то бредовая статья, не знаю. Но мне кажется, что приведенные ниже советы, рекомендации, или бред сумасшедшего, в принципе это не важно. Назвать можно как угодно. Так вот, приведенные ниже рекомендации, возможно, помогут вам «найти себя» в мире безладового баса.
Найти свой собственный, отличающий вас от всех остальных, звук — дело, которое по праву можно назвать делом всей своей жизни. Самым простым ответом на вопрос как это сделать, наверное, будет — перепробовать кучу инструментов, всевозможные аппараты, различные струны и т.д. То есть экспериментировать, экспериментировать и еще раз экспериментировать. На сегодняшний день все бас-гитаристы (пользующиеся безладовым басом) разбились на, так сказать, два таких условных лагеря: на тех, кто ищет (или уже нашел) свой звук более подобный классическому, контрабасовому, более аккустическому; и на тех, кто большее предпочитает современный, более электрический звук. Но мне кажется, что следовать какому-то из этих направлений не совсем разумно.
Наверное, правильным решением будет найти такой звук, который полностью бы характеризовал именно вашу игру, вашу манеру. Вне зависимости от того, что сейчас в моде. Подходит ли вам вообще безладовая бас-гитара? Нужна ли на самом деле она вам? Вы задавались такими вопросами? Выяснить это можно, например, приобретя свой собственный хороший инструмент. Или же можно из стандартного инструмента достать лады и наполнить их, например, эпоксидной смолой или другим каким-либо наполнителем. Можно у кого-то одолжить на какой-то срок (мне кажется, это оптимальный вариант, если же Вы ограничены в средствах).
Так что, Вы определились в потребности безладового баса? Если да (да и если нет) то давайте разбираться, что же делает звук безладового баса таким привлекательным и вообще, что же такое привлекательный звук. Наверное, это то — как тянется взятая нота и вот это «рычание». Кто слышал — тот понимает о чем я говорю. Это не тот тяжелый вопль на средних частотах, а насыщение «низкой середины», которое и добавляет то эта теплая вибрация струн о накладку инструмента. Ну и конечно же этот тембр, схожий с контрабасом, лишенный вот этого лязгания о лады. Достаточно вспомнить Donna Lee из дебютного альбома Пасториуса.
Чтобы начать поиск «своего» звука прежде всего вам следует отложить в сторону эквалайзер, различные эффекты и т.п. Что же дальше? Давайте посмотрим, что говорит Штефен Манц из Warwick: «Звук зависит от потребностей исполнителя. Вообще я предпочитаю грифы из древесины твердых пород, например, ovangkol (древесина, по своим звуковым качествам родственная ореху). Наша компания производит грифы в основном из него. Жестче гриф — четче тон, меньше вибрации, дольше сустейн. Корпус тоже зависит от потребностей. Более традиционный тембр, сконцентрированный в частотной области высокой середины, получается, когда корпус изготовлен из мягкой или среднежесткой древесины ясеня или клена. Более округлые густые тона с четкими низами выходят, если корпус выполнен из твердой древесины, вроде bubunga или afzelia. Ovangkol по свойствам где-то посередине между ними».
У Пита Стивенса из Electric Wood, создавшего Wal bass, на котором играли многие известные басисты, в том числе Гедди Ли из Rush, также предпочтением пользуются экзотические породы деревьев: «Безладовые Wal делают в основном из американского грецкого ореха, без применения лаков для покрытия. Тон получается теплый и натуральный. Из эбенового дерева делают, как правило, накладки. Черное дерево гораздо тверже палисандра, имеет лучшую устойчивость к трению, так что сможет выдержать ежедневные нагрузки безладовой игры».
К слову сказать, популярность эбенового дерева в гитаростроении возрастает с каждым днем. Соответственно и поклонников становится все больше и больше. Например, Джон Гиблин. Послушайте композицию Питера Гэбриела и Кейт Буш «Babooshka» из альбома 1980 года «Never For Ever».
У всех музыкантов свои предпочтения. Если взять к примеру Джако Пасториуса, то у него были свои предпочтения по поводу того, из какого дерева должны быть различные части баса. Фендер, «рекламируя» свои инструменты говорил: «Мы делаем корпус из ольхи, гриф из клена, а накладку из розового дерева… Все как у Джако!»
По поводу грифа безладовой бас-гитары. Привинченный или сквозной. Который из них лучше? Чесни отмечает преимущества сквозного грифа: «Wal большой разницы между привинченным и сквозным грифом не имеет. Может, в некоторых случаях сквозной гриф несколько увеличивает сустейн, но если привинченный подогнан качественно — то особых различий нет».
Лео Фендер: «На самом деле это вопрос вкуса. На сквозном грифе получается более мягкий, смещенный к средним частотам тон с большим сустейном, тогда как на привинченном ярче атака и плотность, и поэтому гитара звучит «острее».
Warwick также отмечает то, что все зависит от личных предпостений музыкантов, при этом делая акцент на том, что на безладовой бас-гитаре действуют те же законы, что и на стандартном инструменте с ладами: «На привинченном грифе — сильнее атака, на сквозном — дольше сустейн и выразительнее низы. Гитара со сквозным грифом реагирует более ровно, сохраняя громкость по всей накладке грифа, тогда как на инструменте с привинченным грифом ярче звучат ноты, взятые в верхних позициях нижних струн или в нижних отрезках верхних струн».
А как сами струны влияют на звук безладового баса? Как быстрее понять какие лучше струны подойдут для создания своего собственного «фирменного» звука? Но у производителей нет однозначного ответа на этот вопрос. Также как и нет однозначного ответа на вопрос какие струны лучше для стандартного баса. Об этом я писал в этой статье. Electric Wood отмечает преимущества струн с никелевой круголой обмоткой, однако делает разные, по желанию заказчика: «На Wal ставили струны с круглой канителью, пока покупатели не стали требовать полуплоскую или плоскую обмотку. И хотя многие музыканты выбирают для своих безладовок струны с плоской канителью, на фирме все равно считают, что круглые звучат ярче и чище. Конечно, все это очень субъективно. Тип струн зависит от вкусов покупателей. В конечном итоге люди выбирают то, что им надо».
Уже вышеупомянутый Штефен Манц (как Вы помните из Warwick) согласен с тем, что заказчику нужно давать то, что он просит (или требует). Однако, сам он все-таки предпочитает струны из нержавеющей стали: «Струны с круглой канителью лучше подходят для современных звучаний (прошу на этом заострить внимание), и я считаю, что нержавейка лучше никеля. Плоскоканительные струны хороши для контрабасов и им подобных».
Фендер же предлагает струны с ленточной канителью (tapewound): «Мы полагаем, Fender 9050 из нержавейки с плоской обмоткой — они универсальны, при этом привносят убедительное контрабасовое звучание в ваш саунд».
По поводу струн на этом все. Теперь давайте рассмотрим звукосниматели. Хотя тут на самом деле тоже нельзя однозначно сказать какие датчики подойдут лучше именно для безладовой бас-гитары. Подойдут любые. Поставите два звучка Jazz — получите звук как у Джако Пасториуса. Заманчиво, правда? Например, Lakland и Warwick ставят комбинацию из хамма (располагающегося ближе к подставке) и сингла ближе к грифу. Выходит «рычащий», сочный звук.
Майкл Педулла. Знаете такого? Много полезной информации о нем Вы можете найти в различных источниках, в том числе и в интернете. Возможно и я когда-нибудь о нем напишу. Так вот, Майкл Педулла говорит: «На наш взгляд, сочетание PJ — лучший вариант для воспроизведения того, что дерево и струны делают в акустическом смысле. У Precision — стойкое «рычание» на средних частотах, которое замечательно сочетается с верхне-средними частотами датчика Jazz. Комбинация PJ адекватно передаст весь частотный диапазон инструмента на усилитель, колонку и эквалайзер. Если взять комбинацию JJ электроники Bartolini, то она даст более низкий тембр на переднем датчике и лучше подчеркнет средний диапазон на обоих. Комбинация из двух хамбэкеров даст много плотных низов, насыщенную середину и очень яркие верхние частоты».
Basslines — бас-отделение фирмы Seymour Duncan свое уважение к безладовой бас-гитаре выразило созданием специальной серии датчиков. Причем к участию в разработке был приглашен мастер безладового баса Стив Бейли. Так вот, система была оборудована наводящимся эквалайзером с переключателем, при помощи которого можно оптимизировать частотный контур с целью подчеркнуть обертона, которые так характерны для безладов, и усиления мощности сигнала на средних частотах. Стив Бейли говорит: «Когда мы работали над этой системой одной из наших целей было, чтобы все настройки были нейтральными — это я называю настоящим теплым, «джаз-басовым» тоном. Можно добавить средних частот для большей энергичности или басов для «пресижности». Для меня это простая система, работающая со всем частотным спектром».
На этой ноте, дорогие читатели, я заканчиваю писать. Надеюсь, был вам полезен и вам было интересно! Не забывайте, пожалуйста, оставлять комментарии, нажимать кнопочки социальных сетей и т.д. Спасибо! Заходите ко мне еще!
P.S. Предлагаю вашему вниманию прослушать композицию «Babooshka», о которой речь велась выше.
1. Reverb.com
Как называются инструкции: Potent Pedal Pairings
Как это выглядит: В каждом видео разбирается по полочкам несколько песен одной группы. Как правило, это главные хиты коллектива, но для менее популярных песен с интересным звучанием часто делают исключение. Профессиональный гитарист демонстрирует, какие педали и настройки он использует для каждой композиции, и без лишних слов исполняет культовые риффы и соло.
Чей звук уже разобрали: Led Zeppelin, Pink Floyd, The Beatles, The Cure, Tame Impala, Radiohead
Чем выделяются: Главный плюс Potent Pedal Pairings – отсутствие влогерской болтовни о том, как дедушка исполнителя любил слушать эту песню и как уморительно реагирует на фузз его попугай. Несмотря на то, что эти инструкции являются, по сути, не особо тщательно замаскированной рекламой музыкального магазина Reverb, где можно приобрести все упомянутое оборудование, их ценность от этого не страдает: создатели используют минимальный набор педалей и крупным планом показывают процесс их настройки, поэтому, даже если денег на приобретение всех этих примочек у вас нет, вы можете просто уловить общие моменты и попробовать сотворить подобное из тех ресурсов, которые есть у вас.
2. Livingroom Gear Demos
Как называются инструкции: How To Sound Like
Как это выглядит: Примерно то же самое, что и Potent Pedal Pairings, но в более домашней обстановке (впрочем, качество исполнения, съемки и монтажа здесь ничуть не хуже). Крупные планы каждой педали присутствуют, как и периодические комментарии о тонкостях исполнения той или иной песни.
Чей звук уже разобрали: Tame Impala, Мак Демарко, Джек Уайт, Queens of the Stone Age, Mastodon
Чем выделяются: Создатель этого канала тоже не любит прерывать музыку лишними словами и при необходимости дает комментарии лишь в виде коротких подписей. В отличие от Potent Pairings, где акцент делается на простоте и бюджетности (по крайней мере, такова версия авторов) схем, здесь наборы педалей бывают более мудреными, но и звук зачастую выходит гораздо более похожим на оригинал.
3. Andertons Music Co
Как называются инструкции: Sound Like… Without Busting The Bank
Как это выглядит: Ролики Sound Like более обстоятельны и порой длятся по 20 минут. Все они построены по одному и тому же сценарию: двое ведущих получают задание воссоздать звук какой-либо группы в пределах заданного бюджета и отправляются в магазин за гитарами, усилителями и примочками. Как правило, первая половина видео уходит на подбор оборудования, а вторая – на исполнение нескольких песен.
Чей звук уже разобрали: Metallica, Muse, AC/DC, Nirvana, Slipknot, Arctic Monkeys, Oasis, Iron Maiden
Чем выделяются: Разговоров в Sound Like довольно много, из-за чего выпуски и кажутся такими затянутыми, но именно это и делает проект уникальным. Ведущие анализируют звук разных гитаристов, выделяют его главные особенности и объясняют, какими способами можно добиться чего-то похожего. Покупать совершенно идентичный набор оборудования вовсе не обязательно – можно просто внимательно слушать рассуждения музыкантов и отмечать для себя направления их поисков, чтобы потом попробовать организовать свой собственный квест.
4. Premier Guitar
Как называются инструкции: Rig Rundown
Как это выглядит: Rig Rundown – это огромная коллекция интервью о гитарном звуке в самых разных областях музыки (настолько разных, что здесь можно найти и Anthrax, и Роджера Уотерса, и Maroon 5, и гитариста Мадонны). Ведущие общаются либо с самими гитаристами, либо с техниками групп, поэтому каждый выпуск может похвастаться достоверностью и подробностью фактов.
Чей звук уже разобрали: Slayer, Joan Jett & the Blackhearts, The Kills, Rise Against, The Black Keys, Def Leppard, Queen, Fall Out Boy, Yeah Yeah Yeahs
Чем выделяются: Как ни удачны догадки и находки некоторых мастеров, с информацией из первых рук они не сравнятся. Речь здесь идет больше не о воссоздании конкретных песен, сколько о том, какими инструментами и педалями обычно пользуется тот или иной гитарист и к какому звуку стремится. Выпуски длятся по 20-30 минут и позволяют гостям во всех деталях рассказать об особенностях своего набора оборудования. Это даже не инструкции, а целые исследования технической стороны чьего-то стиля.
5. Chicago Music Exchange
Как называются инструкции: Tone Clone
Как это выглядит: Формат проекта похож на Potent Pedal Pairings и How To Sound Like, но разбору подвергается не группа, а одна единственная песня.
Чей звук уже разобрали: Radiohead, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Police, Father John Misty
Чем выделяются: Концентрация на конкретных песнях дает ведущим возможность сделать анализ более подробным, при этом не затягивая видео до сложно воспринимаемой продолжительности. Что, как и зачем – обо всем, начиная с выбора гитары и заканчивая расположением микрофона, рассказывается доходчиво и неспешно. Объяснения уравновешиваются практической демонстрацией большинства шагов, и каждый ролик длится всего несколько минут, поэтому смотреть их – одно удовольствие.
Недавно я разговаривал со своим другом. Он барабанщик в метал-группе. Ребята решили уменьшить количество гитар в группе с двух до одной. В теории, одна гитара звучит слабее, чем две, однако…
По рекомендации моего друга оставшийся гитарист начал играть более агрессивно и меньше компрессировать звук. Группа осталась довольна результатом, и они так и продолжили играть вчетвером.
Я считаю себя металлистом до мозга костей. Однако, я слушаю и всегда слушал разную музыку, разный рок. Мне нравились Whitesnake, Motley Crue, Fates Warning, Loudness, Judas Priest, Megadeth, Slayer. Короче, почти все.
В школе не все меня понимали. Как известно, обычно, если ты настоящий металлист, у тебя есть одна-две любимые группы. Но я никогда этого не понимал. Мне это казалось глупым, слушать всего одну группу днями напролет.
Я никогда не заучивал слишком много песен, когда учился играть, но на что я обращал внимание, так это на конкретный звук гитары в каждой группе. Я легко научился различать гитару Мика Марса из Motley Crue и звучание Акиры Такасаки из Loudness. Я понял, как агрессивность и характерное стерео-панаромирование создают уникальный звук Slayer. Можно слышать влияние психоделик-рока на ранних альбомах Judas Priest.
Сочиняя рифы и подбирая звук, я вспоминаю ранние работы Megadeath. Четкий презенс и атака делают рык гитары живым. Я думаю там идеальный баланс между не очень жестким перегрузом ранних Judas Priest и зубодробительным и сухим современным металлом. Отчетливо слышно все ноты, обертона и в то же время мощь.
Полезно слушать группы, которые не очень близки к тому, что ты играешь. Только слушая разное, начинаешь чувствовать разницу.
К сожалению, искусство поиска звука потихоньку ускользает в современном метале. В этом отчасти виновны и звукорежиссеры, которые делают записи одинаковыми. Становится сложно различать одну группу от другой. Раньше можно было сказать по звуку гитары, что за группа играет. Сейчас — нет. Хотя, возможно, люди старшего поколения скажут так о музыке, на которой выросли мы.
Важно понимать, как гитаристы получают звук, который имеют. Звукоизвлечение супер-важно. Многие гитаристы слушают только то, что издает усилитель, но не саму гитару. Не бойтесь сделать свое звучание не таким, как у всех. Уникальность звука — к этому стоит стремиться.
