Привет, артисты!
Сегодня поговорим о проблеме, которая объединяет начинающих и уже чего-то достигших музыкантов. Все ищут свой звук. Новички обычно пытаются подражать своим кумирам, а кумиры, в свою очередь, продолжают экспериментировать и развиваться дальше. Вопрос фирменного звучания очень сложен и индивидуален, я же попытаюсь сформулировать основные принципы, которыми нужно руководствоваться, чтобы облегчить муки выбора и поиска.
Для начала определимся, как формируется гитарный звук. Цепочка в общем случае выглядит так: музыкант – инструмент – оборудование. В случае студийной записи или более-менее серьезного концертного выступления сюда еще можно добавить особенности сведения. Будем разбираться по порядку.
Звук начинается с исполнителя. Его технический уровень владения инструментом, подача и манера игры, особенности фразировки и музыкального мышления – это самое важное в конечном результате. Профессионал сыграет в плохой аппарат лучше, чем новичок сыграет в самый топовый. Кроме того, даже научившись играть так же хорошо, как ваш любимый гитарист, и купив такие же примочки, вы всё равно, может и приблизитесь к его звучанию, но никогда не будете звучать в точности, как он, потому что каждый человек уникален, и через музыку эта индивидуальность также передается. Однако все ценят оригинальность, поэтому нет смысла в бесконечном подражательстве. Вы можете изучать приемы и фишки своего кумира, переигрывать его произведения, перенимать его опыт, но вместе с тем, вносить и что-то своё. По сути, всё новое в музыке – это практически всегда комбинация и дальнейшее развитие старого. Причем развитие – это далеко не всегда усложнение, это может быть, как раз упрощение, либо принципиально иной взгляд.
Думаю, здесь всё понятно. Далее в нашей цепочке идёт инструмент, в нашем случае – гитара. Последнее время разразилось много споров о том, насколько велика или мала разница между дорогими и дешевыми гитарами, влияет ли дерево или только звукосниматели, и многое другое. Здесь нужно понимать вот что. Успешно исполнять музыку можно на любом инструменте, если этот инструмент… играбелен! То есть если гитара строит по мензуре, высота струн адекватна, на всех ладах ноты звучат одинаково чётко и долго, исправно работает электроника, то это инструмент, пригодный для дела, вне зависимости от того, сколько он стоит, сколько ему лет и из какой древесины собран.
Всё остальное – нюансы. А именно, форма и внешний вид гитары. Они должны нравится вам, должно быть удобно держать в руках и всё такое. В электрогитаре важное значение имеют звукосниматели. Если играете музыку полегче, стоит рассмотреть синглы, то есть датчики с одной катушкой. Классический пример – стратокастер (показать фото).
Если играете потяжелее, лучше взять гитару с хамбакерами, то есть датчиками с двумя катушками.
Опять же классический пример – лес пол.
Хотите универсальности – к вашим услугам уже давно существуют гитары с обоими типами звукоснимателей на борту, а также хамбакеры с возможностью отсечки.
Ну и наконец, вопрос цены и бренда. Тут всё зависит от ваших предпочтений и финансов. Есть желание и возможности – берите подороже, нет – сэкономьте. В целом, сейчас можно найти годные инструменты почти в любой ценовой категории, а у многих именитых компаний есть бюджетные модели. Главное, что стоит помнить – дорогая гитара не всегда значит, что она без недостатков. Многие профессиональные музыканты доводят свои дорогие инструменты до ума, подгоняют под свои требования у мастеров, а кто-то вообще не использует серийные гитары, играя на изготовленных по индивидуальному заказу.
Переходим к третьему звену цепочки – оборудованию. Под этим словом я имею в виду ту аппаратуру, которая усиливает и обрабатывает сырой сигнал с вашей гитары. Это может быть усилитель, педали эффектов, кабинет или их цифровая эмуляция. Причём последний вариант уже давно не является чем-то маргинальным, и уже вполне конкурирует с традиционными решениями.
Почему в индустрии существует так много разных усилителей и педалей эффектов? Чтобы удовлетворить пожелания разных музыкантов. Кому-то нужно много гейна, чтобы играть злой метал, кому-то нужен деликатный звук для джаза и блюза. Одним из самых популярных и универсальных решений являются усилители фирмы Маршалл,
эталоном чистого звука по праву считается схема Fender Twin Reverb.
Всё это дело вкуса и вопрос конкретных творческих задач. Но допустим, у вас есть подходящий усилитель или его цифровая эмуляция – не суть, принцип один. Как его настроить?
Большинство усилителей оснащено регулировками гейна, то бишь перегруза, который компрессирует звуковой сигнал и обогащает его гармониками. Это то, что мы любим в звучании электрогитары. Новички любят выкручивать этот параметр чуть ли не по максимуму, что в большинстве случаев ошибочно. Чем больше перегруза, тем труднее положить гитару в микс. Чем больше перегруза, тем труднее контролировать соотношение полезного сигнала и ненужной грязи с фоновыми призвуками. Наконец, чем больше перегруза, тем меньше динамический диапазон звука, а он очень важен для того, чтобы при игре передавать эмоции, экспрессию, пульсацию музыки. Конечно, иногда уровень гейна действительно нужен большой, если это обусловлено художественной задумкой, и чаще всего это используется для солирующих партий. Но всегда нужно стараться играть на как можно меньшем перегрузе, компенсируя его недостаток хорошей атакой. Всё это приходит с опытом.
Также усилитель как правило оснащен трехполосным эквалайзером – регулировками басов, средних и высоких частот. Тут мои рекомендации таковы: поставьте все ручки посередине – на 12 часов. Если звучание вас при этом устраивает, то есть смысл так всё и оставить! А вот если звук вам кажется излишне зудящим или наоборот слишком глухим, можно попробовать соответственно уменьшить или увеличить высокие частоты. Многие любят зарезать середину, что в некоторых случаях может и оправдано, но в целом нежелательно, так как середина – это фундаментальная частота гитары. Без нее инструмент будет плохо слышно в пачке, то есть вместе с барабанами, басом и так далее. Также сомнительным решением может быть выкручивание низких частот на максимум, лучше их даже понизить где-нибудь на 9-10 часов, так как за этот диапазон в миксе отвечает бас. Вообще, никогда не настраивайте тембр гитары, не рассматривая ее в контексте аранжировки. Пусть гитара сама по себе будет звучать как бы недостаточно мощно и жирно, но зато она займет правильное место среди других инструментов, и все вместе они и выдадут тот самый качевый, плотный саунд, который всем так нужен.
Еще один важный момент – если записываете гитару, то ее звук уже на этой стадии должен быть максимально близок к тому, каким вы хотите его слышать после микширования. Не важно, сами вы будете сводить свой микс или отдадите звукорежиссеру, в любом случае не стоит думать, что запишу сейчас абы как, а на сведении всё поправят. Просто это так не работает. Задача сведения не в том, чтобы из плохого сделать хорошее, а в том, чтобы отдельные хорошо звучащие записанные дорожки хорошо сочетались друг с другом.
Важной частью гитарного оборудования являются и всевозможные примочки. Эффекты модуляции и пространственной обработки как правило включаются в петлю усилителя, то есть в специально сконструированный разрыв между предусилителем и усилителем мощности.
Самый популярный эффект, помимо овердрайва и дисторшна – это дилэй, имитирующий эхо и часто использующийся для соло. Где-то до 2000-х годов популярным был и хорус, но в последнее время все реже можно услышать этот эффект на записях известных музыкантов.
С эффектами надо быть аккуратнее. Это как сахар, который вы кладете в чай – пересластите, будет слишком приторно. Не рекомендую записывать гитару сразу с эффектами (перегруз – не в счет), потому что если на стадии сведения станет понятно, что с количеством ревера или дилэя вы перестарались, то придется все заново переписывать. Большинство эффектов цифровые и есть в каждом секвенсоре, разумнее накладывать их на уже записанную сухую дорожку гитары, что откроет широкий простор для экспериментов.
Возможно, у вас остался вопрос – ну и как, собственно, найти свой звук? Увы, ответа у меня нет. Это индивидуальный творческий путь каждого музыканта. Я лишь обозначил своего рода маяки, на которые стоит ориентироваться. А вообще, искать свой звук, конечно, увлекательно, но не стоит забывать, что в конечном итоге, мы занимаемся музыкой, а не бесконечным перебиранием гитар, педалей и усилителей.
Ну что ж, всем удачи и пока!
Основатель проекта Recording Revolution Грэхем Кокран написал заметку о поиске собственного звука, которую разослал подписчикам Email-рассылки проекта. По мнению Кокрана, найти собственный звук не получится, его можно только выработать, вдохновляясь звучанием других групп и объединяя свои усилия с другими музыкантами. Редакция SAMESOUND.RU приводит адаптированный перевод материала.
За 8 лет существования Recording Revolution я понял, что аудитория проекта — это не только звукорежиссеры, но и обыкновенные музыканты, авторы песен, продюсеры и многие другие. Я понял, что все, кто изучает премудрости звукозаписи и сведения музыки, хотят создавать музыку, которую увидит мир. Музыку, которая уникальна и значима. Музыку, которая выделяется на фоне всего остального.
Когда перед музыкантами встает вопрос о том, как должна звучать песня, мы часто теряемся в поисках ответа на него. Ситуация выглядит таким образом, что написать, записать и свести песню намного проще, чем понять, как она должна звучать. Поиск собственного, уникального и неповторимого звука становится мучительным путешествием, полным вопросов без ответов.
Мы хотим звучать подобно нашим любимым исполнителям, но в то же самое время не хотим повторять их звук, хотим быть уникальными. Мы придумываем хуки и последовательности аккордов, но по какой-то причине они звучат точно так же, как большинство песен из любимого плейлиста. Казалось бы, чтобы сделать что-то новое, достаточно покинуть привычную нам зону комфорта и начать мыслить не стандартно, но это не дает нужного результата, а получающаяся музыка оставляет желать лучшего.
Я очень долго бился в поисках собственного звука, пока не пришел к нескольким выводам, сделавшим мою жизнь намного проще. О них я и хочу рассказать, но прежде чем мы начнем, давайте поговорим об одном популярном мифе, в который верит практически каждый музыкант.
У вас должен быть собственный уникальный звук, не похожий ни на кого другого.
Эта фраза — один из самых опасных советов, который я слышал в спорах о поиске собственного звука. Услышав его, мы начинаем думать, что не хотим звучать, как Led Zeppelin, Queen или любая другая группа. Затем мы перестаем слушать и изучать звучание любимых групп, опасаясь стать их полной копией. Правда в том, что вы никогда не сможете стать чьей-то копией на 100%.
Я видел множество музыкантов, которые могли записать дюжину отличных песен, но ограничились лишь парой-тройкой посредственных композиций. Всему виной их нежелание звучать так, как Led Zeppelin, The Beatles или Эд Ширан. Они попросту побоялись изучить звук, который хотели получить. Но только так можно найти собственный саунд: изучая звук других музыкантов и пытаясь его повторить, мы приходим к собственной музыкальной идентичности.
Я считаю, что поиск собственного звука должен начинаться с понимания, что вы из себя представляете как исполнитель. Большего добиваются те музыканты, кто честно говорит себе: «Да, я знаю, что нахожусь под влиянием этих групп». Они не прекращают писать песни, даже если треки похожи на чье-то творчество, и в конечном итоге находят свой звук. И в таком подходе нет ничего плохого. Просто задумайтесь: все прекрасные группы и музыканты сформировали свой саунд, находясь под чьим-то влиянием.
Хорошим примером для сравнения может служить эволюция гитары в музыке. Современные рок-гитаристы учатся играть по риффам и гаммам Джими Хендрикса и Джимми Пейджа. Блюзовые гитаристы пристально изучают игру Мадди Уотерса, Би Би Кинга и Бадди Гая, чье звучание во многом основано на игре Роберта Джонсона и Ти-Боун Уокера. Похожий паттерн можно найти среди вокалистов, клавишников, барабанщиков в любых стилях музыки. Понимание этого подводит нас к первому совету, касающемуся поиска собственного звука.
1 Собственный звук нельзя найти, его можно только сформировать
Когда вы садитесь за новую песню, худшее, что можно сделать в этот момент — это потратить бесчисленное количество времени на размышления о том, как она должна звучать в вашей голове. Вместо того, чтобы тратить время на бесполезные раздумья, — сделайте демку, грубую зарисовку того, что пришло в голову. Важно записать саму идею, пусть даже с использованием только одного инструмента.
Добавляя к этой идее все больше инструментов, вы обнаружите, что музыка двинулась в совершенно другом направлении. То, что начиналось, как зарисовка в духе вашей любимой группы, постепенно превратилось в вашу собственную музыку, в которой от источника вдохновения не осталось практически ничего.
Для формирования собственного звука вы должны писать, записывать и сводить музыку. Не переживайте, если несколько первых идей не так хороши, как хотелось бы — не существует песен, которые сразу же звучат круто.
В мире найдется бесконечно огромное количество песен, которые не переросли статус демоверсии, хотя они написаны топ-исполнителями. Несмотря на это, каждый новый трек приближает музыканта к формированию своего звука и собственной музыкальной идентичности. Чем больше мы сочиняем и записываем, тем выше наше мастерство, и тем ближе момент нахождения своего неповторимого саунда.
В одном из интервью Эд Ширан как-то сказал, что написание песен похоже на работу сантехника.
«Это как засорившийся кран. Вы поворачиваете ручку, и из крана долго льется грязная вода. Постепенно она сменяется чистой. С песнями точно такая же ситуация. В самом начале пути вы будете писать плохие песни. Мои треки были ужасными, мой вокал был ужасным — на днях я переслушал свои первые музыкальные опыты и реально ужаснулся! Чем больше вы пишете, тем лучше у вас получается — из крана постепенно начинает течь только чистая вода».
— Эд Ширан
Если такое говорит обладатель Грэмми, то в этом определенно есть доля правды. Поэтому поиск собственного звука — дело наживное. Чем больше пробуешь, тем ближе к нему подходишь. Да, может потребоваться не одна сотня попыток, но в конечном итоге вы найдете то, что ищете.
Сегодня, когда собрать студию звукозаписи можно за несколько сотен долларов, у вас нет причин не писать музыку, нет причин для отказа от поиска собственной идентичности. Не важно, на каком уровне находятся ваши навыки работы со студийным оборудованием — в Интернете найдется уйма бесплатной информации о том, как работать с DAW, придумывать интересные песни и сводить музыку.
Сочиняя музыку, не задерживайтесь на одних и тех же песнях. Экспериментируйте со стилями, направленностью и характером сочиняемой музыки. Выходите из зоны комфорта и творите, а потраченное время окупится появлением различных музыкальных черт, присущих только вам.
Написание совершенно разных песен облегчает поиск собственного звука. Напишите балладу о муках любви, танцевальную легкомысленную песню, какой-нибудь забойный рок-трек. Переслушивая свои работы, вы будете подмечать в них общие музыкальные черты — это и есть ваш звук.
2 Вдохновляйтесь звучанием других исполнителей
Вам не нужно копировать музыку других исполнителей, чтобы найти свой звук. Вам нужно только вдохновляться звучанием других музыкантов.
Взгляните на последний альбом Daft Punk «Random Access Memories». Стилистически и по своему звучанию этот альбом вдохновлен американской музыкой конца 1970-х и начала 1980-х. Можно ли говорить, что они полностью скопировали музыку того времени и выпустили неуспешный альбом? Нет! Совместив звук 1970-1980-х с собственными наработками (вокодером и синтезаторами), электронный дуэт создал один из самых коммерчески успешных альбомов. Пластинка возглавила чарт Billboard 200, а сингл «Get Lucky» стал одним из самых продаваемых синглов в истории музыки. В дополнение к этому, Daft Punk получили 5 премий Грэмми.
Возьмем другой пример — второй альбом Maroon 5 «It Won’t Be Soon Before Long». Работа вдохновлена многими исполнителями из 1980-х — в музыке слышно влияние Принса, Майкла Джексона, Talking Heads и Шаббы Рэнкса. Сингл «Makes Me Wonder» быстро взлетел на первую строчку Billboard Hot 100, но никто при прослушивании этой работы не сказал: «Эй, да эти же парни полностью скопировали чужую музыку!».
Звучит сомнительно? Тогда вот еще несколько примеров успешных песен и их источников вдохновения:
- Bruno Mars «Locked Out Of Heaven» и The Police «Message In A Bottle»;
- Muse «United States of Eurasia» и Queen «Bohemian Rhapsody»;
- John Mayer «Half of My Heart» и Stevie Nicks & Tom Petty «Stop Dragging My Heart Around»;
- The Strokes «Last Nite» и Tom Petty & The Heartbreakers «American Girl»;
- Daft Punk «Get Lucky» и Bee Gees «Night Fever»;
- Amy Winehouse «Tears Dry On Their Own» и Marvin Gaye & Tammi Terrell «Ain’t No Mountain High Enough»
- The Weeknd «In The Night» и Michael Jackson «The Way You Make Me Feel».
Послушайте все эти песни — даже при явном влиянии одних композиций на другие, между ними не так много общего. Хитрость в том, что все мы пишем музыку по-разному, применяем какие-то собственные приемы. Ваша индивидуальность проявляется в особенностях работы с вокалом, ритмом и фразировками, подходам к записи сведению музыки.
Чтобы вдохновлять музыкантов своим творчеством, нужно самому чем-то вдохновляться. Взяв за основу старый саунд и совместив его с тем звуком, на котором вы выросли, и тем звуком, который вам нравится сейчас, вы получите отличный гибридный звук, который удивит слушателей.
Оглянитесь на 20-30 лет назад и посмотрите, какие альбомы, жанры, инструменты и звуки были популярны в те времена, а затем совместите их с тем, что популярно сейчас. Возьмите творчество тех исполнителей, которые вам нравятся, и посмотрите, чем они вдохновлялись, а затем используйте эту информацию для своей следующей песни.
Вопреки распространенному мнению, гораздо проще найти свой звук, музицируя с кем-то еще, чем пытаться сделать это в одиночку. Когда вы работаете с кем-то еще, вы делитесь своими идеями друг с другом, охотнее экспериментируете со звуками и инструментами. Благодаря этому, вы быстрее генерируете новые идеи и придумываете какие-то интересные вещи, на которые в одиночку у вас бы ушло намного больше времени. При этом я советую объединять свои усилия с кем-то, кто обычно работает в другом жанре.
Я лично видел плоды такого подхода. Однажды, пытаясь создать что-то новое, я решил объединить свои усилия с одним приятелем. Мы совместили мою любовь к року и вокалу с его талантами в области синтезаторов: я привнес в звук гитары и вокал, мой товарищ — грязные и шероховатые синтезированные звуки. То, как он работал с синтезаторами, направило мои идеи в совершенно новом, неожиданном, но интересном направлении.
Музыка должна быть плодом совместного творчества и не важно, идет ли речь о двух парнях в студии, целой группе или оркестре. Не бойтесь объединений и ищите единомышленников, которые работают в других музыкальных жанрах. Вы удивитесь, какую крутую музыку можно сделать вместе.
Найдите кого-нибудь, кто вам интересен, через SoundCloud, объявление в газете или сообщение в социальных сетях. Напишите этому человеку, предложите встретиться, скажите, что заинтересовались его музыкой и хотите сделать что-нибудь вместе. Вряд ли вам откажут. Пообщайтесь побольше с человеком, найдите точки соприкосновения и попробуйте работать вместе. Установить связь проще, чем кажется.
Да, музыку можно делать и в одиночку, но если у вас есть единомышленник, то добьетесь большего. Будьте открытыми для мыслей других людей, обменивайтесь идеями, записывайте и придумывайте как можно больше. Ни в коем случае не упирайтесь во что-то одно: худшее, что можно сделать вместе, это пытаться биться над одной идеей, не обращая внимание на другие пришедшие мысли.
Надеюсь, что эти три совета помогут вам найти свой звук. Эта проблема имеет массовый характер и вы не одиноки.
Как мы с вами уже знаем ( или не знаем, но узнаем в ближайшее время!) у каждого хорошего гитариста есть свой стиль игры. Так что такое этот стиль спросите вы!? И я вам отвечу так, собственный гитарный стиль – это прежде всего сам гитарист, его личность, все многообразие его души, отраженное в его музыке (или же наоборот скудство). До собственного стиля нам с вами еще далеко ( у кого то он конечно уже есть ,но эта статья не для них).Так давайте же с вами разберемся, как все же найти в себе этот СТИЛЬ, как раскрыть свою музыкальную личность и индивидуальность, и сделать ее многогранной.
Сейчас я перечислю несколько основных моментов, вернее всего 3 . Итак, приступим-с:
1) Первое и самое важное – слушайте РАЗНУЮ музыку, не слушайте то, что слушают все или то, что модно сейчас. Слушайте всё , что трогает вас ,вызывает эмоции(весёлые или грустные, комические или трагические и тд.) прислушивайтесь к любой музыке , которая затрагивает вашу душу. Не обращайте внимания на стиль, будь то рэп , рок , опера ,классика или же попса ,среди любой музыки надо искать свое, наслаждаться и осмысливать звуки , поступающие в мозг.( не всегда сразу выходит насладиться и осознать , но не отчаивайтесь , вслушайтесь в другой раз, в другом настроении и если это ваше – то вы примете эту музыку).
2) Импровизация!!! Импровизация!!! ИМПРОВИЗАЦИЯ. Что это и как это??? Сейчас объясним-с. Сядьте в удобное положение , возьмите в руки любимый инструмент и начинайте играть. Что играть спросите вы?! Играть то , о чем поет ваша душа в этот момент. Может это будет грустная мелодия или веселая, будь это аккорд и какие то звуки ,извлеченные случайно, или же что то напоминающее обрывки каких либо мелодий , услышанных вами где то и сплетенных сейчас в единство, в этот миг ,в новой трактовке. Просто сядьте, (если вам неудобно то примете горизонтальное положение теле, кому как) забудьте обо всем или наоборот вспомните все – выбор ВАШ и играйте.
Играйте не замечая ничего вокруг или наоборот подмечая каждую мелочь ,и вслушивайтесь в прекрасные неземные звуки (для вас несомненно божественные, но для других пока нет) звучащие вне пространства и времени.
Импровизируйте же друзья!! И не бойтесь ничего , со временем ваши импровизации станут все ярче, насыщенней и виртуозней ,если только вы сами этого захотите. Дерзайте!!
А последний момент очень прост,учитесь и набирайтесь опыта у разных музыкантов, НО не у всех, а только у тех, с помощью которых вы можете открыть что то новое для себя, может даже и старое , но сыгранное как то иначе.
Принцип такой же как и в первом пункте указанном выше. Если вам(именно вам , а не кому то другому) нравится игра какого либо гитариста или музыканта, черпайте нужное и ценное из его игры, не обращая внимания на мнения других.
Вывод из всего этого такой: слушайте только ту музыку , которая нравится именно вам и учитесь, перенимайте опыт у разных музыкантов, угодных лишь вашей душе.
Вы, сами того не замечая каждый день планомерно идете к собственному стилю и если у вас есть желание, рвение, любовь к музыке, я уверен вы сумеете выработать его – СВОЙ СОБСТВЕННЫЙ СТИЛЬ ИГРЫ НА ГИТАРЕ!
И тогда от вас будет исходить прекрасная музыка, радующая вас и ваших слушателей Удачи вам друзья , в освоении гитары, такой волшебной и многоликой.
P.S. В статье великое множество раз было использовано слово ДУША, так как прежде всего ваша музыка – это ваша душа.
P.S.S. Информация для потребителей: купить или заказать усилители для электрогитар можно на сайте компании MusicLife.
Настройка гитары: интонация
12 апреля 2011 | Максим Иванов
Технически, электрогитара – довольно простой инструмент. Однако за последние 30 лет мастерство владения этим инструментом взлетело до таких высот, что теперь довольно трудно играть на достойном уровне. Более того, очень непросто найти свой индивидуальный звук, правильную комбинацию дерева и железа. Тем не менее, зная основы настройки инструментов, можно добиться нужного вам звука и удобства игры практически с любой гитарой.
Каждая гитара, не важно новая она или из третьих рук 30 лет спустя, нуждается в настройке, если, конечно, вам нужен инструмент для игры, а не для того чтобы висеть на стене. Есть 4 основных этапа настройки гитары: настройка анкера, настройка высоты бриджа (струнодержателя) для максимального удобства звукоизвлечения, настройка высоты звукоснимателей для оптимального звучания и сустейна, и, конечно же, настройка мензуры. Как вы уже догадались, за этой статьёй последуют другие. Таким образом у вас будет полная картина, необходимая для того чтобы уметь настраивать собственную гитару.
Правильно настроенная мензура – это просто необходимость для того, чтобы гитара правильно интонировала в разных позициях. Если мензура настроена неправильно, аккорды в одной позиции звучат хорошо, а в другой – уже не строят. Чтобы настроить мензуру, нужно чтобы сёдла, через которые проходят струны в бридже, были регулируемыми. Как правило в электрогитарах с этим нет проблем. Хотя, бывают варианты.
Если рассуждать логически, то, прижимая струну к грифу, вы натягиваете её и она по умолчанию звучит уже не так, как струна, не прижатая к грифу. Чтобы компенсировать это различие, струне нужен небольшой запас по длине. И хотя ладовые инструменты в принципе более-менее должны строить, ведь конструкция устоялась за сотни лет, тем не менее аккорды и даже просто октавы порой не звучат, особенно если вы пользуетесь нестандартными комплектами струн.
Первый шаг в настройке мензуры – понять, высит ли струна или занижает. Самый лучший способ – взять точный тюнер. Оптимальные для настройки мензуры – игольчатые тюнеры типа BOSS TU12EX. Для начала просто настраиваем гитару в наш обычный строй. После этого проверяем по тюнеру все струны, прижатые на 12 ладу. Правильно настроенная гитара будет выдавать ту же ноту у у открытой струны и струны, прижатой на 12 ладу.
Без тюнера – не пытайтесь это сделать на слух. Вы не уловите разницу в интонации. Как вариант – брать флажолет на 12 ладу, а затем прижатую струну. Естественно, идеальной интонации во всех позициях вы не добьётесь, так как сама конструкция гитары не идеальна, но близко к идеальному – да. Если октавы на вашей гитаре звучат правильно во всех позициях – всё в порядке. Если нет – пора настраивать мензуру.
Алгоритм настройки мензуры.
Если струна, прижатая на 12 ладу звучит выше, седло нужно сдвинуть дальше от грифа. И наоборот, если струна, прижатая на 12 ладу звучит ниже, чем флажолет на 12 ладу, седло нужно подвинуть ближе к грифу. Двигайтесь маленькими шагами, чтобы не перескочить дальше, чем нужно.
Хотя расположение сёдел непосредственно влияет на интонацию, бывает, что добиться ровного интонирования при помощи перемещения сёдел не получается. Скорее всего ваши струны слишком высоко от накладки грифа и когда вы зажимаете струны в верхних позициях, натяжение становится слишком сильным и строй плывёт. Изгиб анкера также влияет на интонацию. Но это как правило – проблема гитар со стажем и мы коснёмся ее в следующей статье.
Надо также учитывать, что со временем сёдла изнашиваются и это влияет на интонацию. Замена сёдел решает эту проблему, а часто хорошим выходом является покупка нового бриджа целиком. Стоит принять во внимание и естественный износ ладов. Плоские лады и ямы в них также влияют на натяжение струны, касающейся их. Выход из этой ситуации – шлифовка ладов у гитарного мастера или полная их замена.
Спросите любого мастера и он вам скажет, что струны также сильно влияют на интонацию. Особенно если вы пользуетесь дешевыми марками, с недостаточным контролем качества на производстве. Помимо того, что они неправильно вибрируют, они начинают плыть или просто не держат строй. Не такие уж это большие деньги – играть на хороших струнах. По-моему удовольствие от игры и точная интонация стоит большего.
Если вы меняете марку струн или калибр, знайте, что после их установки нужно проверить мензуру. Скорее всего её придётся перестроить.
Еще один важный момент – высота порожка для струн у головки грифа. Эту вещь многие не принимают во внимание, однако слишком большая высота вынуждает нажимать на струны больше чем надо, что приводит к неправильному интонированию, особенно заметному на первых 3-4 ладах. Эту проблему легко исправить, но лучше, если это делает опытный мастер. Он спилит выемки для струн при помощи специальных напильников для порожка, сделав их пониже.
Гитара с плохим порожком практически не поддаётся настройке, так что у вас есть повод подружиться с хорошим мастером, который будет делать вашей красотке регулярный техосмотр. Если хотите совсем прокачанную версию порожка – попробуйте Earvana или Buzz Feiten. По сути это еще один набор регулируемых сёдел, который позволит решить проблему со строем на первых ладах.
Надеюсь, статья вам пригодится и после ее прочтения вы станете лучше разбираться в настройке вашей гитары. Многие вещи стоит уметь делать самостоятельно, чтобы не быть беспомощным. Так уж сложилось, что идеальная интонация и ладовые инструменты – вещь трудно совместимая. Но, мельчайшие отклонения в строе обычный слух уловить не в состоянии, особенно в условиях когда играет вся группа. Попробуйте применить эти рекомендации на практике и вы с большой вероятностью зазвучите лучше.
Удачи, и не забывайте играть ROCK!
1. Reverb.com
Как называются инструкции: Potent Pedal Pairings
Как это выглядит: В каждом видео разбирается по полочкам несколько песен одной группы. Как правило, это главные хиты коллектива, но для менее популярных песен с интересным звучанием часто делают исключение. Профессиональный гитарист демонстрирует, какие педали и настройки он использует для каждой композиции, и без лишних слов исполняет культовые риффы и соло.
Чей звук уже разобрали: Led Zeppelin, Pink Floyd, The Beatles, The Cure, Tame Impala, Radiohead
Чем выделяются: Главный плюс Potent Pedal Pairings – отсутствие влогерской болтовни о том, как дедушка исполнителя любил слушать эту песню и как уморительно реагирует на фузз его попугай. Несмотря на то, что эти инструкции являются, по сути, не особо тщательно замаскированной рекламой музыкального магазина Reverb, где можно приобрести все упомянутое оборудование, их ценность от этого не страдает: создатели используют минимальный набор педалей и крупным планом показывают процесс их настройки, поэтому, даже если денег на приобретение всех этих примочек у вас нет, вы можете просто уловить общие моменты и попробовать сотворить подобное из тех ресурсов, которые есть у вас.
2. Livingroom Gear Demos
Как называются инструкции: How To Sound Like
Как это выглядит: Примерно то же самое, что и Potent Pedal Pairings, но в более домашней обстановке (впрочем, качество исполнения, съемки и монтажа здесь ничуть не хуже). Крупные планы каждой педали присутствуют, как и периодические комментарии о тонкостях исполнения той или иной песни.
Чей звук уже разобрали: Tame Impala, Мак Демарко, Джек Уайт, Queens of the Stone Age, Mastodon
Чем выделяются: Создатель этого канала тоже не любит прерывать музыку лишними словами и при необходимости дает комментарии лишь в виде коротких подписей. В отличие от Potent Pairings, где акцент делается на простоте и бюджетности (по крайней мере, такова версия авторов) схем, здесь наборы педалей бывают более мудреными, но и звук зачастую выходит гораздо более похожим на оригинал.
3. Andertons Music Co
Как называются инструкции: Sound Like… Without Busting The Bank
Как это выглядит: Ролики Sound Like более обстоятельны и порой длятся по 20 минут. Все они построены по одному и тому же сценарию: двое ведущих получают задание воссоздать звук какой-либо группы в пределах заданного бюджета и отправляются в магазин за гитарами, усилителями и примочками. Как правило, первая половина видео уходит на подбор оборудования, а вторая – на исполнение нескольких песен.
Чей звук уже разобрали: Metallica, Muse, AC/DC, Nirvana, Slipknot, Arctic Monkeys, Oasis, Iron Maiden
Чем выделяются: Разговоров в Sound Like довольно много, из-за чего выпуски и кажутся такими затянутыми, но именно это и делает проект уникальным. Ведущие анализируют звук разных гитаристов, выделяют его главные особенности и объясняют, какими способами можно добиться чего-то похожего. Покупать совершенно идентичный набор оборудования вовсе не обязательно – можно просто внимательно слушать рассуждения музыкантов и отмечать для себя направления их поисков, чтобы потом попробовать организовать свой собственный квест.
4. Premier Guitar
Как называются инструкции: Rig Rundown
Как это выглядит: Rig Rundown – это огромная коллекция интервью о гитарном звуке в самых разных областях музыки (настолько разных, что здесь можно найти и Anthrax, и Роджера Уотерса, и Maroon 5, и гитариста Мадонны). Ведущие общаются либо с самими гитаристами, либо с техниками групп, поэтому каждый выпуск может похвастаться достоверностью и подробностью фактов.
Чей звук уже разобрали: Slayer, Joan Jett & the Blackhearts, The Kills, Rise Against, The Black Keys, Def Leppard, Queen, Fall Out Boy, Yeah Yeah Yeahs
Чем выделяются: Как ни удачны догадки и находки некоторых мастеров, с информацией из первых рук они не сравнятся. Речь здесь идет больше не о воссоздании конкретных песен, сколько о том, какими инструментами и педалями обычно пользуется тот или иной гитарист и к какому звуку стремится. Выпуски длятся по 20-30 минут и позволяют гостям во всех деталях рассказать об особенностях своего набора оборудования. Это даже не инструкции, а целые исследования технической стороны чьего-то стиля.
5. Chicago Music Exchange
Как называются инструкции: Tone Clone
Как это выглядит: Формат проекта похож на Potent Pedal Pairings и How To Sound Like, но разбору подвергается не группа, а одна единственная песня.
Чей звук уже разобрали: Radiohead, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Police, Father John Misty
Чем выделяются: Концентрация на конкретных песнях дает ведущим возможность сделать анализ более подробным, при этом не затягивая видео до сложно воспринимаемой продолжительности. Что, как и зачем – обо всем, начиная с выбора гитары и заканчивая расположением микрофона, рассказывается доходчиво и неспешно. Объяснения уравновешиваются практической демонстрацией большинства шагов, и каждый ролик длится всего несколько минут, поэтому смотреть их – одно удовольствие.
