Как музыкант и композитор, я знаю, что цель каждого из нас в домашней студии — создавать убойные хиты, которые одинаково хорошо звучат как на радио и ТВ, так и в социальных сетях и других источниках.
У вас есть отличные идеи для будущих песен. Беда в том, что вы не знаете, как правильно перенести эти идеи из своей головы в реальный мир, превратить мысли в качественные треки. Чтобы решить эту проблему, я написал руководство «6 Steps To a Radio-Ready Song», в котором расскажу о 6 этапах, через которые должна пройти любая песня, чтобы звучать отлично.
Речь не будет идти о каких-то конкретных методиках: из этого гайда вы не узнаете, какие ручки на эквалайзере крутить и как сводить бас-бочку. Я собираюсь рассказать о том, как вести работу над качественной музыкой, не более того.
Даже если музыка никогда не попадет в радиоэфир, каждый музыкант хочет, чтобы его песни звучали не хуже, чем то, что он слышит у «больших дядей и тётей». После прочтения этого руководства вы поймете, как делать качественную музыку в своей домашней студии. Более того, я уверен, что мои советы мотивируют вас вернуться к работе и писать новые отличные песни.
Слова и мелодия
Качественные и хитовые песни начинаются задолго до посещения студии. Их отправная точка — хороший текст и яркая мелодия. Любой, даже самый крутой вокальный микрофон бесполезен, если текст скучный, а мелодия не запоминается.
Несмотря на очевидность этих слов, меня не перестает удивлять, как домашние музыканты игнорируют работу над текстом и мелодической составляющей композиции. Песня еще даже не придумана, а мучительные рассуждения об оборудовании и техниках звукозаписи уже вовсю идут.
Прежде чем думать о записи, вы должны написать отличную песню. Нельзя записать то, чего не существует.
Сложно сказать, что определяет хит — это очень субъективные вещи. Тем не менее, я верю, что хорошие песни отличает наличие нескольких ингредиентов.
Ингредиент №1. У каждой отличной песни есть запоминающаяся мелодия
Мелодия ведет песню вперед и делает ее запоминающейся. Именно с помощью мелодии трек «застревает» в голове слушателя. Если придуманная вами мелодическия линия слишком простая и блеклая, то она быстро забудется: через 2-3 песни слушатель уже и не вспомнит, что вы там записали. Сделайте все, чтобы мелодия была приставучей и хорошо запоминающейся.
Ингредиент №2. У каждой отличной песни есть запоминающийся текст
Слова неразрывно связаны с мелодией — через нее они попадают прямиком в мозг слушателя. Речь не идет о том, чтобы писать лирику с глубоким философским смыслом: достаточно одной реально хорошей строчки или фразы, которая запомнится людям. Совместив достойный текст с яркой мелодией вы обеспечите своей песне запоминаемость.
ВОПРОС ПО НАПИСАНИЮ ПЕСЕН
С чего вы начинаете работу над песней: со слов или с музыки? Я обычно начинаю с музыки, с вокальных мелодий — создаю их, не думая о тексте. Мне кажется, что начиная с музыки мы накладываем на себя приятные ограничения, которые делают лирику лучше и одновременно лаконичнее.
Ингредиент №3. В каждой отличной песне есть что-то необычное
Большинство песен следует проверенному сценарию: куплет, припев, куплет, припев, бридж, проигрыш, припев, концовка. Идти проторенным путем — нормально, в этом нет ничего плохого.
Тем не менее, в песне должен быть элемент, который удивит слушателя и произведет на него приятное впечатление. Это может быть неожиданный проигрыш, какой-то уникальный инструмент или звук в аранжировке, даже вокальный ход.
Слушателям нужно что-то такое, что заставит их подумать: «Вот это круто! Вот это необычно!»
Вне зависимости от вашего любимого стиля (EDM, рок, джаз, поп), вы должны написать яркую приставучую мелодию, достойный и запоминающийся текст и придумать хотя бы один необычный элемент для песни.
Это не просто. Хорошие новости в том, что все приходит с опытом: чем больше вы сочиняете, тем лучше становятся ваши песни, и тем проще вам придумывать клевые мелодии, тексты и элементы аранжировки.
Чтобы писать хорошие песни, не нужно быть гением от рождения. Вы можете стать таковым с течением времени. Песни обязательно станут лучше, просто убедитесь, что в них есть эти три секретных ингредиента.
Плохие новости в том, что написание песен — это упорный труд. Нельзя сидеть сложа руки и ждать, когда к вам придет муза. К написанию песен нужно относиться как к работе — лучшие авторы именно так и делают.
Аранжировка и планирование
Этап работы над аранжировкой и планирования будущей песни — самый недооцененный среди всех. По какой-то причине музыканты не уделяют достаточного внимания этому пункту или вовсе забывают про него.
Этот этап — один из самых веселых и вместе с тем полезных процессов для будущей композиции. Во время планирования и работы над аранжировкой закладывается фундамент качественного трека, что дает песне больше шансов понравиться слушателю.
Когда мы говорим об аранжировке и планировании, то подразумеваем ряд решений касающихся инструментального наполнения музыки. Сюда же входят все процессы, связанные с выбором битов, лупов, используемых виртуальных инструментов.
Представьте, что ваша песня играет на радио. Какова вероятность того, что вы смените радиостанцию после прослушивания первого куплета и припева своего трека?
С точки зрения композиции, современные песни очень похожи между собой. Это вполне нормально. Не нормально другое: схожая по своему содержанию песня, в которой все части звучат одинаково. Зачастую после прослушивания первого куплета и припева мы имеем полное представление о том, что будет дальше. Так какой смысл слушать песню дальше, если все в ней известно заранее?
Аранжировки большинства радиохитов никогда не останавливаются на чем-то одном, постоянно предлагая слушателю новый опыт в рамках песни. Композиторы делают все, чтобы удержать внимания пользователя с первых секунд и до самого конца трека: убирают инструменты из музыкальной картины, вводят в нее новых участников и многими другими методами всячески развивают течение музыки по ходу песни.
Среди приемов, которые удерживают внимание слушателя, можно привести такие примеры:
- Применение вокальных эффектов («голос из трубки», наложение дисторшна);
- Добавление перкуссии (шейкер, бубен);
- Введение синтезаторов, струнных, пэдов;
- Появление второй (дублирующей) или третьей партии вокала;
- Появление второй (измененной) партии гитары;
- Использование замедления или смены темпа.
Помните, что в качественной музыке (с крутой аранжировкой) новые элементы не добавляются беспорядочно, а появляются в определенных, «стратегически важных» местах. Например, можно сделать два совершенно разных куплета, в одном из которых звучат все инструменты, а в другом — только вокал и гитары (клавишные, ударные) или бас и синтезаторы.
Цель аранжировки — аккуратно провести слушателя через музыкальное повествование, сделав его путешествие интересным и необычным.
Схожие по содержанию части песни не должны быть полной копией друг друга. Разбейте все инструменты на группы и дайте каждой из них «минуту славы»: в одном куплете пусть звучит только группа из синтезаторов, баса и вокала, в другом — из ударных и вокала. Если песня никак не развивается, то она быстро теряет интерес слушателей.
Создание аранжировки — это сложно. Я сам часто сталкиваюсь с тем, что хочу показать слушателю все и сразу: вот четыре разных партии гитары, а вот клевые вокальные гармонии, оригинальные сбивки и все-все-все остальное. Несмотря на это я должен мыслить более здраво и понимать, когда, где и какие элементы стоит использовать, чтобы вовремя удивить слушателя. Не нужно вываливать на людей все сразу, но не стоит затягивать с введением новых элементов — ожидание слушателя должно вознаграждаться.
Возьмите написанную песню и методично пройдитесь по всем ее частям. Спросите себя: «Что нового есть в этой части?», «Чем новая часть отличается от предыдущей?». Как только вы расскажете самому себе об отличиях всех составных элементов трека, и выделите все индивидуальные и интересные моменты в них, то будете готовы двигаться дальше.
Запись
Итак, у нас есть отличная песня с запоминающейся мелодией, хорошим текстом, интересной и нескучной аранжировкой. Пришла пора записывать материал (ну наконец-то!)
Запись (или трекинг) — один из самых сложных этапов работы над песней. Трекинг превращает ваши идеи в реальность, и именно от качества записи зависит рождение хорошего трека.
По иронии судьбы, домашние музыканты во время записи начинают думать, что вся магия происходит на этапе сведения. Из-за этих мыслей появляется невнимательность и спешка, отношение к записи меняется («ой, это обычная фиксация того, как мы играем!»), а сам процесс проводится абы-как.
Я знаю, о чем говорю: ежемесячно я сталкиваюсь с сотнями музыкантов, которые хотят поскорее все записать и перейти к более важным вещам (сведению и мастерингу). Я и сам так часто думаю!
Тем не менее, если вы хотите создавать качественные песни, то запомните одну важную вещь:
Момент, на котором происходит вся магия — это запись.
Ни в коем случае не торопитесь, не делайте трекинг спустя рукава и не останавливайтесь на достигнутом.
У вас есть все необходимое оборудование. Прежде чем начинать процесс, запомните и постоянно держите в уме три простых правила, которые помогут вам добиться лучших результатов.
Правило №1. Расположение микрофонов — залог успеха
Не так важно, какой микрофон вы используете — важно, где вы установите микрофон в помещении. Разные варианты расположения очень сильно влияют на звук: приближение или отдаление микрофона от источника звука даже на пять-десять сантиметров радикально меняет картину.
Не идите простым путем («я поставлю микрофон строго напротив усилителя, и дело в шляпе!»). Вы ведь прекрасно представляете, как должен звучать инструмент, поэтому экспериментируйте и ищите оптимальное расположение микрофонов. Ведите поиск до тех пор, пока инструмент не зазвучит так, как вы видите звук инструмента в своей голове (или очень близко к этому).
Правило №2. Запись на максимально возможной громкости — большая ошибка
Запись на слишком высоких уровнях громкости и гейна — одна из самых распространенных ошибок, допускаемых музыкантами. Кто-то когда-то сказал музыкантам, что записывать надо на максимально возможном (до появления пиков, впритык к этому уровню) уровне громкости, и теперь все следуют этому ужасному моменту.
Чтобы инструменты звучали чисто и не растеряли своей музыкальности, уровень входящего сигнала должен быть в районе 50-75% от пикового значения. Если пики появляются на условной единице, поверните ручку громкости на отметку 0,5-0,75. Следование этому правилу сделает ваши записи чище, яснее и музыкальнее.
Правило №3. Вы должны думать как продюсер
Все мы знаем, что с известными группами в студии работает не только звукорежиссер, но и продюсер. Чем занимается этот человек? В отличие от российского понятия «человека при деньгах», продюсер в студии руководит записью и отвечает за то, как должна звучать песня. Продюсер рассказывает, какой звук должен получиться в итоге, и уже на основании этих слов звукорежиссер выбирает микрофоны и предусилители, и подыскивает им оптимальное место в пространстве.
В своей студии вы сидите на двух стульях сразу, выступая и в роли звукорежиссера, и в роли продюсера. Только от вас зависит, как в конечном итоге будет звучать песня. Определиться с её саундом вы должны до того, как нажмете на красную кнопку. Ваша задача — нарисовать звуковую картину песни и перенести ее на реальную запись.
Забудьте о вопросе «Хорошо ли звучат барабаны в миксе?». Спрашивайте себя: «Какой звук ударных я хочу получить?».
Существует методика, помогающая научиться думать как продюсер. Выберите 3 любимые песни своих любимых исполнителей и опишите их звучание прилагательными. Как вы опишете саунд ударных? Какой вокал в этих песнях? Что вам нравится или не нравится в этих записях и почему?
Если вы будете руководствоваться этими тремя истинами, то результат оправдает все ожидания. Получить отличный звук можно только думая как продюсер, найдя лучшее местоположение для микрофонов и ведя запись на нормальных уровнях громкости. Отличный звук вряд ли придет с первой попытки, но со временем вы будете получать его намного быстрее и проще. Помните, что все приходит с опытом.
Запись звука — это не наука, а искусство. Вы можете научиться этому и развить свои навыки.
Редактирование
Я обожаю современную цифровую звукозапись за возможность легко поправить, отредактировать и улучшить свое (или чужое) исполнение. Это дает музыкантам еще один эффективный инструмент достижения лучших результатов в студии.
В до-цифровую эпоху редактирование записанного материала было настоящей болью. Звукорежиссеры брали бритву, нещадно резали пленку, а затем кропотливо склеивали ее в нужных местах. Сегодня все действия по подрезке, копированию, склейке, сдвигам, вставке и любой другой редактуре делаются в два клика и без ущерба качеству звука.
Цель этапа редактирования — навести порядок в записанном аудио, подтянуть и исправить все не понравившиеся моменты. Браться за правки нужно строго после того, как вы все запишете, но до того, как вы начнете сведение.
Несмотря на простоту процесса, редактирование — опасный процесс. Вы постоянно ходите по краю: грань между реальным улучшением и порчей тонка, вероятность перестараться и убить всю жизнь в записанном материале как никогда высока.
Когда дело доходит до редактирования, я разбиваю процесс на четыре шага. Такой подход позволяет обезопасить материал от излишних правок и превращения его в непонятную мертвую звуковую субстанцию.
Шаг 1. Работа с дублями
Во всех DAW есть возможность записи нескольких дублей одной и той же партии инструмента. К примеру, вы можете записать три разных дубля вокала, чтобы затем по кусочкам собрать из них один, но самый лучший вариант исполнения (куплет из первого дубля, припев — из второго, второй куплет — из третьего).
Прежде чем редактировать что-то, пройдитесь по всем дорожкам и всем имеющимся дублям. Выявите, какие части партии и в каком дубле звучат лучше, и определитесь, что и где вы будете использовать. Желательно выписать все на бумагу, чтобы не запутаться во время сбора конечных дублей.
Шаг 2. Правка вокала (автотюн)
Я работал как с хорошими, так и с плохими вокалистами, и могу сказать, что автотюном пользуются все. Вне зависимости от того, используете вы Melodyne или Auto-Tune, коррекция высоты звука — обычный студийный инструмент.
Пение в студийном окружении далеко от естественной среды вокалиста. Порой даже самые профессиональные и опытные певцы не могут настроиться должным образом и записать в студии идеальный дубль, хотя пели этот материал на концертах сотни раз, без каких-либо ошибок. Поэтому не мучайте себя и вокалиста в надежде записать идеальный дубль, а просто примите коррекцию питча как должное (это не значит, что вы должны всегда полагаться только на автотюн и не стараться петь вообще).
Корректоры питча — нормальная и естественная вещь, если пользоваться ими только в случае необходимости.
Шаг 3. Чистка лишних призвуков
После сборки дублей и правки вокала я берусь за чистку партий от всевозможных нежелательных призвуков. В случае с пением, это могут быть какие-либо придыхания, вздохи и звуки смыкания губ, появившиеся случайным образом во время записи (физиологию никто не отменял).
В случае с музыкальными инструментами речь идет о лишних случайных «хрюканьях» гитары, неприятных призвуках от касания струн, и других сигналов, неожиданно попавших в поле зрения микрофона. Я слышал десятки хороших песен, впечатление от которых моментально портилось из-за случайных вдохов вокалиста, которые звукорежиссер поленился устранить. Если бы авторы потратили чуть больше времени и устранили эти мелкие недочеты, то их песни звучали бы приятнее, выглядели бы более отполированными и профессиональными.
Одни звукорежиссеры считают, что нужно устранять все, даже едва заметные призвуки, другие предпочитают избавляться от звуков выборочно. Я придерживаюсь гибридного подхода без перегибов в одну из сторон. Порой небольшие неточности могут придать песне больше жизни и динамики, поэтому устраняйте только те недочеты, которые портят трек.
Недостаточная чистка сделает аудио слишком грязным, его будет неприятно слушать. В то же время избыточная чистка сделает звук слишком стерильным и безжизненным. Придерживайтесь золотой середины.
СОВЕТЫ ПО РЕДАКТИРОВАНИЮ
Когда вы работаете с мультитреком ударных, убедитесь, что сгруппировали все дорожки — так вы сможете двигать все треки одновременно и у вас не будет проблем с фазой и расхождений в игре.
Также не забывайте делать небольшие кроссфейды на каждом отредактированном отрезке, чтобы избежать щелчков и кликов.
Шаг 4. Квантование баса и ударных
Возможность редактирования записанного аудио часто приводит к неконтролируемому желанию поправить вообще все — музыканты маниакально начинают редактировать даже те партии, которым это не нужно. Не попадитесь в эту ловушку.
Править нужно только то, что требует правок.
После чистки гитар и вокала, я перехожу к квантованию баса и ударных, но делаю это без фанатизма, только в случаях явной необходимости. Не нужно двигать каждый удар по рабочему и каждую ноту, чтобы они четко совпадали с сеткой — правьте только явные расхождения и моменты из разряда «мимо кассы».
Главное правило, которое нужно усвоить при редактировании записанного материала звучит так: любая малейшая правка может иметь далеко идущие последствия. Иногда небольшая корректировка делает звучание намного лучше, но нередки и обратные случаи, когда небольшие правки тут и там портят песню. Все должно звучать естественно и аккуратно. Не лишайте песню жизни и правьте только явные недочеты.
Сведение
Звукозапись фиксирует музыку, редактирование — полирует. Сведение заставляет записанный материал вырваться из динамиков и предстать перед слушателем в самом лучшем свете.
Сведение — это такой момент работы, когда вы берете все обилие записанного материала и с помощью панорамирования, выставления уровней, эквализации, компрессии и работы с эффектами маскируете слабые стороны инструментов и подчеркиваете сильные.
Одни музыканты не придают сведению должного значения, другие — уделяют ему слишком много времени. Однако мудрый музыкант рассматривает сведение как важный, но довольно простой этап работы над песней.
На мой взгляд, сведение должно быть сделано таким образом, чтобы в дальнейшем (на последнем шестом этапе) вам оставалось вносить только мелкие «косметические» правки, связанные с громкостью и панорамой. Чтобы добиться такого результата стоит разбить на 5 основных фаз.
Фаза 1. Громкость и панорамирование
Одна из важнейших вещей, которые вы должны сделать — это зациклить песню и потратить на подстройку уровней громкости и панорамы столько времени, сколько потребуется. Работая только регуляторами, вы должны сделать так, чтобы ни один участник микса не тянул одеяло на себя и не лез вперед. У каждого инструмента должно быть свое, строгое место в миксе, а общая картина должна быть сбалансированной.
На этапе работы с уровнями и панорамой забудьте об эффектах. Ваша цель — сбалансированное звучание.
Хорошим подспорьем во время первой фазы станут техники интуитивного сведения или сведения Top Down Mixing. Делайте 10-минутные подходы к миксу и расставляйте инструменты ушами, а не глазами. Положитесь на свои чувства, чтобы найти такой баланс инструментов, который лучше всего продемонстрирует все плюсы песни.
Фаза 2. Эквализация
Эквалайзер — ваш лучший друг. Это самый полезный и мощный инструмент в достижении чистого и приятного звучания. Вырезайте все плохие частоты, подчеркивайте сильные стороны инструментов и освобождайте пространство для каждого участника микса.
Я предпочитаю субтрактивную эквалазацию и считаю, что эквалайзер — это скорее инструмент подрезки, чем усиления частот. Благодаря такому подходу можно получить более ясные и чистые миксы, в которых достаточно пространства для всех участников.
СОВЕТ ПО СВЕДЕНИЮ
Помните, что секрет сведения кроется в балансе. Если вы сосредоточитесь на достижении баланса между всеми дорожками и инструментами, то у вас не будет проблем со сведением.
Фаза 3. Компрессия
Компрессор — ваш лучший друг сразу после эквалайзера. Компрессия — это сложно, но вместе с тем возможности компрессоров очень широки. С их помощью можно не только управлять уровнем громкости инструментов, но и добавлять им «жира», «мяса» и энергии.
Чтобы упростить себе жизнь, смотрите на компрессор не как на сложный процессор обработки аудиосигнала, а как на простой автоматизированный фейдер громкости.
Фаза 4. Реверберация и дилэй
Как только у вас на руках окажется хорошо сбалансированный микс, прошедший чистку эквалайзером и улучшение компрессией, принимайтесь за эффекты окружения. Реверберация и дилэй заставляют звучать сухие треки более качественно и живо, легко и воздушно.
Излишняя обработка реверберацией и дилэем может испортить треки, сделать их звучание слишком замыленным. Чтобы обезопасить себя, воспринимайте реверберацию как «клей», который помещает все треки в единое пространство. В свою очередь на дилэй и эхо смотрите как очевидный эффект для оживления слишком «сухих» инструментов.
Фаза 5. Автоматизация
Автоматизация — это необязательный шаг во время сведения. Тем не менее с помощью автоматизации вы можете сделать песню более живой и получить дополнительный инструмент для привлечения внимания слушателей.
Благодаря возможностям современного программного обеспечения вы можете автоматически управлять настройками плагинов, инструментов и регуляторов в разных частях песни. Проявите фантазию: расставляйте акценты, выводите инструменты на передний план или аккуратно убирайте их из микса в определенные моменты, включайте и выключайте эффекты. В общем, делайте все, что может придать песне и миксу больше индивидуальности.
Благодаря сведению происходит оживление песни: в миксе появляются краски, жизнь и красота. Не стоит недооценивать это.
Чтобы понять, какой эффект песне дает сведение, сравните эти два фрагмента. Посмотрите, как простые операции украшают звучание композиции.
Мастеринг
Мы наконец-то достигли финишной прямой, заключительного этапа работы над качественной песней. Добро пожаловать в таинственный мир мастеринга!
Мастеринг — это последний шаг перед тем, как песня увидит свет. Начинающие музыканты зачастую путают мастеринг со сведением и думают, что именно мастеринг заставляет песню звучать круто. На деле мастеринг — это самый тонкий и едва заметный этап во всей работе над треком.
Изначально мастеринг представлял собой процесс подготовки аудиоматериала к записи на источник — виниловую пластинку, кассету или компакт-диск. В целом, это справедливо и по сей день, хотя постепенно звукорежиссеры во время мастеринга стали проводить дополнительную обработку аудио эквалайзером, компрессором, максимайзером и другими эффектами и процессорами.
Я не буду вдаваться в рассуждения о сложности мастеринга и рассказывать о том, что в музыкальной индустрии существуют студии и звукорежиссеры, специализирующиеся только на этой процедуре. Вместо этого я предлагаю вам простой и понятный чек-лист из двух шагов, объясняющий, что вы должны сделать с песней перед тем, как показать ее всему миру.
Шаг 1. Сравнение с профессиональным миксом (референс-трек)
После того, как вы свели песню, пришло время убедиться, что она звучит не хуже профессиональных записей. Процесс сравнения с референс-треком — одна из самых эффективных вещей, которую вы можете сделать для заключительного улучшения своей песни.
Возьмите профессиональный микс в том же стиле, импортируйте его в проект. Затем уменьшите громкость про-записи до аналогичного вашей работе уровня. Делая профессиональную запись громче и тише своего трека, вы сможете понять, чего не хватает саунду песни для достижения похожего, коммерческого, качественного звучания.
Порой небольшая пост-обработка эквалайзером на мастер-канале может внести существенные изменения в звучание всей песни. Это, в свою очередь, приблизит саунд вашего трека к профессиональной записи и сделает общую картину качественнее.
СОВЕТ ПО МАСТЕРИНГУ
Обработка при мастеринге (эквализация, стереорасширение) не должна выбивать микс за пределы пиковых значений (к лимитеру это не относится). Проблема человеческого восприятия в том, что более громкие звуки кажутся нам более качественными, но это обман. Всегда следите за показаниями системы мониторинга!
Шаг 2. Выведение громкости микса на коммерческий уровень
Теперь, когда ваш микс стал ближе к профессиональному примеру, пришло время вывести громкость на стандартный для индустрии уровень.
Каждый из нас сталкивался с ситуацией, когда миксдаун проекта при прослушивании в машине или через аудиосистему звучит намного тише в сравнении с другими песнями или тем, что мы слышали в окне DAW.
Секрет успеха в вопросе итоговой громкости — лимитер. Чтобы обработать сигнал лимитером, вам не нужно дополнительное программное обеспечение для мастеринга, все средства уже есть в вашей DAW. Поместите лимитер на мастер-канал и доведите громкость до нужного уровня, или воспользуйтесь скоростной методикой из видео ниже.
Конечно, мастеринг — это более комплексная процедура. Тем не менее, в условиях домашней студии вам нужно сделать две основные вещи: сравнить свой трек с профессиональным миксом и воспользоваться лимитером для достижения коммерческих уровней громкости. Этого будет более чем достаточно для песен, которые вы выложите в Интернет.
Время делать музыку
Вот и все. У вас на руках есть карта действий, которые необходимо совершить, чтобы получить качественную запись в своей домашней студии. Теперь вы знаете, что качественный трек начинается с написания хорошей песни и аранжировки, процесс записи — это момент, где происходит магия, а любые слабые места инструментов можно скрыть во время сведения.
У вас есть вся необходимая информация для того, чтобы создавать качественную музыку. Все, что вам осталось — начать этим заниматься! Единственный гарантированный способ создания качественной музыки — постоянное написание, запись, сведение и выпуск музыки. Добиться лучших результатов можно только через постоянную практику. Самое классное в этом то, что постоянная практика приносит вам удовольствие, ведь вы — музыкант.
#статьи
- 4 авг 2021
-
0
Как писать песни: памятка для новичков
Всегда мечтали сочинять песни, но не знали, с чего начать? Вот вам несколько простых советов от практика с 25-летним опытом.
Meery Mary для Skillbox Media
Переводчик. Любит языки и всё, что с ними связано. В свободное время учит новые (языков много не бывает!), а ещё рисует.
об авторе
Преподаёт и исполняет музыку уже более 25 лет. Даёт уроки вокала и сочинительства песен, игры на фортепиано и фолк-гитаре, диджеинга и йоги ученикам от пяти до ста пяти лет 🙂 — как онлайн, так и очно. Живёт в «мировой столице живой музыки» Остине, штат Техас, США.
Интересная идея может посетить сонграйтера когда и где угодно. И её, конечно, захочется записать. Важно быть к этому готовым. Поэтому запаситесь блокнотами, ручками и всегда держите их под рукой — дома, на рабочем месте и в машине. Даже если придумается только название, пусть всего из одного слова, — не поленитесь сохранить и его.
Научитесь быстро открывать диктофон на смартфоне — вдруг вам будет удобнее просто напеть мелодию или наговорить слова новой песни.
С подготовкой закончили, а теперь о вдохновении. Так или иначе на всех нас влияют разные исполнители, композиторы и музыканты. Составьте плейлист с творчеством авторов, которых цените больше всего, — пусть он поможет вам не терять это самое вдохновение.
Для этого надо знать, из каких частей вообще состоят песни. Разберём это на примерах.
В самом простом случае у песни всего одна составная часть — куплет (назовём его «А»). Такова популярная ария Summertime («Летней порой») Джорджа Гершвина.
Куплет в ней повторяется дважды (то есть её структура будет A-A). Послушайте сами:
В песнях с припевом уже две разные части (раз куплет «А», то припев пусть будет «В»). Так в знаменитой песне Боба Дилана Blowin’ in the Wind («В дуновении ветра»).
Вот её структура: A-B-A-B-A-B.
Бывает и более сложная структура — из куплета «A», припева «B» и бриджа «C». Такая песня есть у «Битлз» — это Ticket to ride (дословно «Билет в дорогу» или «Билет на поезд»; подробнее о названии песни и её истории читайте в «Википедии». — Пер.).
Структура здесь уже такая: A-B-A-B-C-A-B-C-A-B.
Переслушайте и проанализируйте любимые композиции (обратите внимание на повторяющиеся части внутри каждой).
Так вы научитесь отличать одну песенную структуру от другой и сможете экспериментировать с ними в своём творчестве.
Песня — лаконичная творческая форма. Поэтому важно, чтобы её текст был объединён какой-то общей идеей. Если мыслей много, не пытайтесь все их вместить в одну песню — лучше напишите несколько разных.
С чего бы вы ни начинали, полезно описать идею песни одним-двумя предложениями — сделать логлайн. Он соберёт вас, поможет не растечься мыслью по древу, всегда напомнит о сути.
Для песни «Битлз» Ticket to ride подобный логлайн мог бы выглядеть так: «Моя девушка уходит от меня. И мне грустно, но ей всё равно» (в оригинале: «My girlfriend is moving away from me and I am sad, but she doesn’t care». — Пер.).
Кстати, вовсе не обязательно писать все слова за один присест: многие сонграйтеры ограничиваются куплетом или припевом и продолжают работу позднее, когда вернётся вдохновение.
Для музыкальных экспериментов отлично подходит диктофон на смартфоне или компьютере. Напевайте свой текст на разные лады. Проделайте это хотя бы трижды и переслушайте, что получилось.
А кто-то, наоборот, предпочитает начинать с аккордов. Сыграйте несколько аккордов на гитаре или пианино и запишите на диктофон. Напевайте текст под них, сравнивайте.
Или попробуйте совместить всё сразу: текст, придуманную мелодию и выбранные аккорды.
Если не получается придумать удачную последовательность аккордов, можно позаимствовать её из другой песни с похожим стилем и ритмом. Главное — не копировать саму мелодию: она защищена авторским правом (а вот последовательность аккордов как таковая — нет).
Песне нужно хорошее название! Кто-то выносит в него хук (самую цепляющую строчку), кто-то — повторяющиеся слова из припева. Единого рецепта тут нет: название может быть даже описательным, отвлечённым, то есть без единого слова из самого текста.
Первая версия готова? Теперь дайте своей песне отлежаться. Хотя бы пару дней даже не вспоминайте о ней. Вы вернётесь со свежим взглядом и слухом — и песня предстанет перед вами в новом свете. Скорее всего, вам захочется доработать текст или заменить какие-то аккорды — и ваше творение зазвучит ещё круче.
Готовую песню можно испытать на публике. Например, исполнить на вечере свободного микрофона или хотя бы перед вашим музыкальным наставником. Реальное исполнение и обратная связь помогут исправить недочёты и сгладить неровности, которых вы сами не замечали.
Ещё одна отличная идея — записать своё исполнение и выложить в интернет. В наш век это легко сделать даже дома (достаточно хорошего микрофона и специального софта). Пусть вашу работу оценят потенциальные поклонники и другие артисты. А может, талант ваш приглянётся даже музыкальным продюсерам.
Научитесь: Профессия Сонграйтер
Узнать больше
☞ Ещё больше материалов в нашем Telegram-канале
Почему важно делать законченные работы?
Что такое музыкальное произведение (далее просто трек), если рассматривать с позиции музыкальной индустрии? По сути, это продукт. А продукт не может быть недоделанным или сырым. Стоматолог не бросает лечение зуба на полпути. Вылеченный зуб – тоже готовый продукт (услуга). Думаю тут суть ясна. Или нет? 🙂
Продукт должен быть готов к употреблению конечным потребителем. Поэтому недоделанный, сырой, нераскрытый трек – не продукт, а просто черновик, набросок, идея.
А вот законченный трек, хоть и среднего качества уже какой-никакой продукт. Который можно выкладывать на музыкальные ресурсы, в группы ВКонтакте, публиковать на Youtube, отправлять ди-джеям и лейблам. А если трек получился интересным и качественным, то его можно издать на лейбле и получить поддержки от известных артистов.
Имея на руках готовый трек, можно им оперировать как угодно, в зависимости от ваших целей. А вот если готового трека нет, то и оперировать нечем. Нечего выкладывать и отправлять. Я прям капитан очевидность, да? 🙂
Просто хочу донести до вас то, что если вы можете сделать, например, крутой дроп, но дальше трек развивать не получается, то толку от этого дропа нет. Потому что трек, остаётся только в виде проекта. Продукта нет, а это очень нехорошо 🙂
Помните, сама по себе идея лежащая годами на жестком, ничего не стоит, пока не будет реализована в продукт.
Это касается не только музыки, а вообще всего.
Поэтому, на мой взгляд, лучше иметь хоть и среднего качества, но законченный трек с интересной идей, чем кучу недоделанных проектов, мечтающих выйти в свет 🙂
Какие процессы входят в создание трека?
Прежде, чем разбираться дальше, давайте вспомним, что включает в себя процесс создания трека.
01. Создание мелодии и идеи трека
Тут придумываем главную мелодию, идею, атмосферу и концепцию трека. На мой взгляд, это самый важный процесс, потому что, если у трека слабая мелодия и идея, то надо сильно задуматься, а стоит ли на него тратить время. Я, например, много проектов просто удаляю, оставляю только те, на которые стоит тратить время и силы.
02. Аранжировка
Сюда входит подбор инструментов, семплов и эффектов, создание партий всех инструментов, сочетание инструментов между собой, создание заднеплановых инструментов и атмосферы, проработка структуры и т.п. По сути, на этом этапе мы создаем суть трека и раскрываем её. Важно, что если аранжировка сделана хорошо, то сведение трека становится простым. Качество трека сильнее зависит от аранжировки, а не от сведения, как многие ошибочно полагают.
03. Синтез и лееринг
Здесь создаём инструменты с нуля или докручиваем пресеты в нужную сторону. Главное – это создание интересного звучания инструментов при помощи синтеза. А леерингом добавляем в звук новых деталей и в целом делаем его более насыщенным и полным.
04. Сведение и обработка
На этом этапе делаем звучание чистым, пространственным и звучащим, с одной стороны, так, как нужно нам, а с другой так, как этого требуют современные тенденции. Самое важное тут — это эквализация, компрессия, баланс громкости, панорамирование и пространственная обработка.
Это основные процессы создания трека. И самое интересное то, что всё это нужно уметь делать параллельно. В этом вся сложность, соль, боль и ночные кошмары многих музыкантов 🙂
Как эти процессы можно изучать?
На самом деле не всё так страшно, наоборот, это безумно интересно и круто. Мне нравится ощущение, когда закончил трек и вижу готовый продукт, созданный мной, который слушают люди, поддерживаю ди-джеи и музыканты и т.п. А еще круче ощущения, когда свой трек играешь на выступлении и люди от него балдеют 🙂
Рассмотрим варианты того, как можно прокачаться в этом всем.
Вариант 1
Каждую тему изучать отдельно. Отдельно изучать синтез, отдельно аранжировку, отдельно сведение и т.п. Такой путь, как показывает практика – долгий, сложный и не самый результативный. Почему?
При таком подходе падает мотивация. Из-за того, что у вас не будет в итоге целостного результата, в виде готового продукта (трека).
Изучать отдельно разные аспекты я рекомендую только тогда, когда вы уже делаете пусть и не суперкачественные, но готовые треки. Потому что умея делать готовые работы, вы можете прокачаться, например, в лееринге и после этого делать следующие треки лучшего качества. Далее, прокачавшись в сведении, опять повысите качество треков. И так далее, думаю суть понятна 🙂
И наоборот если вы шарите отдельно в синтезе, сведении, лееринге, но соединить эти знания и сделать готовый продукт не можете. То какой тогда толк от того, что вы гуру синтеза? Разве что вам это просто интересно 🙂
Я рекомендую второй вариант.
Вариант 2
Изучать на примере и в процессе создания целостного трека.
Как показывает мой опыт и опыт наших учеников, такой вариант лучше. Потому что, сделав готовый трек, вы во-первых будете чувствовать, что чего-то достигли и уже это будет мотивировать работать дальше. Что критически важно для творческих людей .
А во-вторых, в дальнейшем можно найти ключевые ошибки, посоветовавшись с опытными музыкантами. И работать уже над слабыми сторонами, а не над всеми процессами подряд. Тут важна системность 🙂
Например, вы прислали опытному музыканту трек, попросили совет и он сказал что в треке отличная идея, мелодия и аранж, но хромает сведение. И вы начали изучать локально тему сведения зная, что в ней нужно залатать пробелы.
Такой подход позволяет сфокусировано работать над слабыми сторонами и намного быстрее продвигаться в мастерстве создания качественных треков.
Мы разобрали почему важно делать законченные треки, а не сотни сырых набросков. Дальше разберем то, с чего начать и как сделать трек, имея какую-то идею.
Какую структуру трека использовать для начала?
Что значит «для начала»?
Это значит то, что вы пока еще учитесь и не умеете создавать полноценного, законченного продукта. Иначе зачем вам читать это многотекстие? 🙂 А раз вы учитесь, то начинать нужно с простых и понятных вещей. Кстати! Просто – не значит плохо, чаще даже наоборот.
Структура служит нам «картой». Когда мы знаем, что и где в нашем треке будет звучать, создавать трек становится намного проще.
Поэтому рекомендую первым шагом, продумать структуру трека, на бумаге или в программе.
В наше время идет тенденция упрощения треков, поэтому приведенная ниже структура актуальная и рабочая. Для примера рассмотрим структуры для Trance и Progressive House музыки. Позже я скажу как для вашего конкретного стиля определить структуру.
Как видим, всё просто. По сути, от блока к блоку, плавно раскрываем трек, подводим к кульминации и так же плавно трек закрываем. Я специально не стал указывать мелкие переходы (например, после dance на breakdown), чтобы не нагромождать.
Как определить, какая структура подойдет под ваш стиль?
- Возьмите 5 треков вашего стиля от крутых исполнителей.
- Внимательно проанализируйте, записывая на бумагу, где и когда начинается каждый участок трека.
- Проведите анализ полученных структур и сделайте выводы о том, как в вашем стиле принято развивать треки.
- В результате у вас получатся примерно такие же схемы, как показано выше.
Продумывание структуры заранее — важный шаг, поэтому уделите этому процессу достаточное внимание.
План создания трека
После того как мы подготовили структуру, будет намного легче развивать трек, так как мы знаем, что и где находится.
Развивать трек нужно в той последовательности, которую я покажу. Почему так надо делать — рассмотрим чуть позже. Для начала взглянем на схему.
Почему в такой последовательности нужно работать?
- Сначала создаёте самые сложные участки, потому что от дропа зависит то, как трек будет звучать. Ведь дроп – сердце трека, и если он сделан плохо, то печаль-точка 🙂 Поэтому сначала фокус на главном участке.
- В других участках вы будете использовать те инструменты, которые создали в дропе. Например, в части Dance вы используете как минимум бочку и бас, возможно, лиды и другие инструменты. Таким образом, хорошо проработав основные инструменты дропа, все остальные участки трека будут звучать хорошо.
- Вы можете гармонично развивать трек, используя мелодию кульминации в участках Dance и Breakdown, а не пытаться придумать туда какие-то новые мелодии.
- Создание разгона занимает мало времени, так как основой ему служат уже созданные инструменты ямы. В разгон нужно добавить «разгоняющие элементы» и автоматизацию.
- Создание Intro и Outro занимает мало времени, потому что вы просто «растаскиваете» уже созданные инструменты по этим участкам и автоматизацией их раскрываете и закрываете соответственно.
Если работать так, то создание трека ускоряется в разы. Эта работа называется «От сложного к простому». Попробуйте, уверен вам понравиться 🙂
Теперь рассмотрим где и что можно изучать для ускорения своего развития
- Смотреть обзоры качественных, желательно изданных треков, они есть и от нас. Обзор трека Ozo Effy – Deep Reality, который поддержали многие проекты.
- Самостоятельно анализировать качественные треки и пытаться сделать такое же звучание.
- Приобретать и анализировать проекты качественных треков и темплейты на специальных сервисах: logic-templates.com, wemakedancemusic.com, edmtemplates.net и так далее.
- Изучать курсы, где показывается процесс создания трека от и до. Тут важно, чтобы трек создавался с нуля и до финальной обработки. А еще важнее, чтобы трек курса был качественный и от опытного музыканта. Таких материалов много особенно на английском языке, например можно посмотреть sonicacademy.com. Но тут нужно достаточно хорошо знать английский язык.
- На русском языке такие материалы есть от нашей команды. Это целая линейка курсов «Мастер Uplifting Trance», «Мастер Progressive Trance», «Мастер Progressive House» и «Мастер Big Room House».
Давайте подведём итоги
Создавать законченные треки среднего качества лучше, чем сотни никому не нужных набросков отличного качества. Поэтому и учиться нужно создавая целостные работы.
Помните! Продукт – это законченный трек, а не набросок
Изучать процессы синтеза, лееринга, аранжировки и сведения во время создания целостного трека. Так, быстрее придете к нужному результату, потому что после создания трека сможете выявить слабые стороны и работать над ними, а не над всем подряд.
Чтобы создать законченный трек:
- Продумайте структуру трека заранее.
- Работая по общему плану, создавайте отдельные участки трека.
- Склейте участки при помощи переходов, автоматизации, шумовых эффектов и т.п.
Таким образом, вы не просто изучаете теорию или «полупрактику», а создаёте уже какой-то трек и потом докручиваете свои слабые стороны, каждый раз создавая все более качественные треки.
Это намного лучше, потому что: во-первых — это чистая практика, а во-вторых — это законченная работа, что само по себе уже большой практический опыт. И помните ваша, основная задача – делать готовый к употреблению продукт.
Надеюсь, эта статья была вам интересна и полезна. Если у вас возникли вопросы, задавайте их в комментариях 🙂
Автор: Макс Хожаинов
☞ Ещё больше материалов в нашем Telegram-канале
Современная эстрада способна удовлетворить любой вкус. Обширный репертуар в самых разных жанрах пополняется, обновляется постоянно. Но это не значит, что нет места для творчества, реализации оригинальных идей. У многих людей, обладающих музыкальными, поэтическими способностями возникает желание написать песню. Не нужно думать, что это привилегия профессионалов. У любительских авторских шедевров тоже есть право на жизнь. Необязательно удовлетворять великие амбиции, мечтать о славе, большой сцене. Можно написать текст, музыку для произведения, которое будет звучать в узких кругах, радовать друзей, близких.
Из чего может состоять песня
Если вы хотите в итоге получить достойный результат, перед тем, как написать песню, уделите время изучению информации о структуре таких произведений. Соблюдение существующего регламента поможет создать качественный вариант, отвечающий общепринятым требованиям. Структура песни делится на несколько составляющих, у каждой из них свои особенности.
Название
Не думайте, что название не играет особой роли, его может и не быть. Это важная часть структуры. Броское, цепляющее название вызовет интерес, желание послушать песню. Кроме того нередко именно по нему запоминается произведение.
Обычно название подбирается после написания песни, так как оно должно в краткой форме точно отразить ее содержание, настроение. В нем не должно быть слишком много слов, лаконичность является обязательным условием. Считается, что максимальным размером для названия является пять слов. Это может быть строчка из текста или самостоятельная фраза.
Куплет
Основную информацию содержит куплет. В нем полноценно отражается смысл, вкладываемый в текст песни. В нескольких куплетах постепенно раскрывается сюжет, эмоциональная составляющая. Это может быть конкретная история, размышления, рассказ о каком-либо переживании и др.
В написании куплетов важно правильно рассчитывать слоги для строчек. Их содержание отличается, но сохраняется мотив. Куплеты должны исполняться в одном ритме, следовательно, число слогов должно соответствовать длине музыкальной фразы.
Пред-припев
Обязательным элементом пред-припев не является. Но эта составляющая может включаться в текст песни. Одна-две строчки, заканчивающие куплет, подготавливают к припеву. Специалисты называют его pre-chorus. Пред-припевы могут быть одинаковыми во всех куплетах или имеют определенные отличия по настроению, смыслу, но исполняются в одном мотиве.
Припев
Припеву принадлежит важная роль. Смысловая нагрузка у него может быть невысокой. Но именно припев обычно первым запоминается после прослушивания новой песни. Ему нужно уделить особое внимание. Припев может «спасти» не слишком удачное произведение и окончательно испортить шедевр.
Убедиться в его важности несложно. Все слова популярных шлягеров знают единицы, его припев с удовольствием напевают все. Припев должен быть ярким, более динамичным, чем куплет.
Бридж
В классической структуре чередуются куплеты и припевы. Но иногда требуется придать особую выразительность финальной части композиции. Для этого между припевом предпоследнего куплета и заключительной частью вставляется своеобразный мостик, который музыканты называют бридж. Его мелодия отличается от той, что используется для куплета. Бридж может быть текстовым, иногда в этом качестве уместно использовать инструментальный проигрыш.
Как сочинить текст песни
Если вы решили сочинить песню, определитесь, что именно вы хотите донести до слушателей. Смысл текста должен точно передать настроение, эмоции, раскрыть тему. Также нужно выбрать направление для построения песни. Это может быть стихотворная форма, речитатив. У этих вариантов есть существенные различия. Выбор зависит от жанра, стиля, в котором создается произведение.
Можно считать песню литературным произведением, так как в ней раскрывается определенная тема. Нужно понимать, что содержание текста является инструментом, позволяющим выразить определенную идею.
Стихотворная форма
Стихотворная форма используется в нескольких музыкальных жанрах. В такой песне музыка и слова тесно переплетаются, дополняют друг друга. Этот подход используется в написании фольклора, шансона, поп-музыки.
Перед тем как написать песню в таком формате, нужно ознакомиться с некоторыми особенностями стихотворных текстов. В создании шедевра потребуются поэтические способности, умение соблюдать определенный стихотворный размер, подбирать удачные рифмы. Нужно внимательно подходить к рифмовке. Нельзя просто подбирать слова, чтобы обеспечить звучные сочетания. Это может испортить песню, разрушить смысловую составляющую. Строки в куплете, припеве рифмуются парами.
Если обозначить строчку с одной рифмой А, а с другой Б, рифмующиеся фразы в куплете можно расположить в нескольких вариантах:
- АБАБ – рифмы расположены через строчку;
- ААББ – строчки рифмуются по две;
- АААА – все строчки рифмуются;
- АББА – рифмы в первой и последней, во второй и третьей строках.
В песнях не такие строгие требования, как в стихотворениях. Рифмы могут быть неидеальными. Сочетаться между собой им поможет мелодия. Она исправит небольшие нестыковки.
Не у каждого человека есть способности к стихосложению. Можно пойти более простым путем, выбрать для своей песни готовые стихи известных поэтов или произведения друзей, обладающих такими талантами.
Речитатив
Написание шедевра в формате речитатива отличается от стихотворного варианта. В таких песнях музыка является вспомогательным элементом, обеспечивающим оформление композиции. Это направление используется в жанрах ритм-энд-блюз, хип-хоп. Главным элементом мелодической составляющей является ритм. На него нужно опираться при создании текста.
Речитатив симметрическому ряду не подчиняется. Это своего рода разговор, только он певучий. В тексте используется естественная речь. В зависимости от стиля, жанра можно использовать размеренный, певучий или сухой речитатив.
Рэп
Ритм будет важным ориентиром, если вы решили сочинить песню в стиле рэп. Обычно ее написание начинается с хука. Это своеобразный припев, который является лейтмотивом, несколько раз повторяется. Если самостоятельно сочинить его сложно, можно заимствовать строчку из любимой песни. Только не нужно его копировать точно, иначе могут возникнуть претензии в нарушении авторских прав.
Рэп может рассказывать конкретную историю, включать философские размышления, метафоры. Но идея не должна выражаться в сложной форме. Для этого жанра характерны простые слова, четкие образы. В написании слов можно утрировать, раздувать тему, если хочется не просто донести идею, а повеселить зрителя.
Как написать песню к понравившейся мелодии
Можно сочинить песню, начав с создания текста. Но большинство профессиональных музыкантов предпочитают сначала написать музыку. Она формирует настроение, задает ритм. Иногда именно мелодия наводит на определенную тему, подсказывает, о чем нужно рассказать в песне.
Необязательно сочинять мелодию самостоятельно. Такие таланты даются не каждому. Можно написать песню на готовую мелодию. Прослушать ее нужно много раз. Это поможет выбрать подходящий размер стиха или создавать текст песни в формате речитатива, ориентируясь на особенности ритма.
Тематика будущего произведения может определиться автоматически. Музыка вызывает определенные чувства, эмоции, воспоминания, которые можно отразить в стихах. При прослушивании произведения выбираются мелодии для куплета, припева, бриджа. Куплет сопровождает более спокойная, размеренная музыка. Для припева нужны более динамичные, выразительные фрагменты. Бридж отличается от них, является самостоятельной частью.
При выборе тематики для своего произведения можно ориентироваться на безошибочные «вечные» варианты, которые всегда являются для людей самыми важными. Это может быть песня о любви, местах, вере, свободе, отношениях, жестокости окружающих и др. В тексте может содержаться реальная или придуманная история, воспоминания и др. Нужно учесть, что в песне не должно быть идей, способных оскорбить, обидеть людей, нельзя призывать к суициду, навязывать негативные решения.
Настоящий шедевр должен быть уникальным. Следует избегать клише, фраз, которые часто звучат в песнях или используются в разговоре.
Написать красивый, эксклюзивный текст песни можно, обладая обширным словарным запасом. Если он ограниченный, стоит уделить время расширению кругозора. Изучение философии, психологии, истории, чтение литературы окажет существенную помощь в написании песен.
Текстовая составляющая песни должна иметь логическое построение, быть последовательной. Важно соблюдать лаконичность, сделать стихотворение максимально информативным. Есть определенные ограничения в длительности песни, которые следует учитывать. Произведение, длящееся более 4-5 минут, утомит слушателей, снизит внимание, что недопустимо.
После определения жанра, тематики можно приступать к написанию самой песни. Необязательно садиться за стол, приступать к стихосложению, мучительно подбирая слова, рифмы. Многие авторы пользуются спонтанным вдохновением. Оно может придти в любом месте: в дороге, на работе, на отдыхе. Стоит всегда иметь при себе блокнот, карандаш, фиксировать пришедшие идеи. Потом в спокойной обстановке их можно будет скомпоновать, корректировать, сделать качественный текст.
Практические советы профессионалов
Если вы решили не просто сочинить песню, а сделать этот процесс своим главным увлечением, стоит познакомиться с советами профессиональных музыкантов.
- Не оставляйте процесс в стадии мечты. Если вы считаете написание песен своим делом, нужно приступить к действиям. Возьмите пример с писателей, определяющих количество слов для ежедневной работы. Для начала можно пообещать себе, создавать по одной песне в неделю.
- Уделяйте время прослушиванию музыки в разных жанрах. Не нужно ограничиваться на любимых стилях, возможно, вы просто недооценивали достоинства других вариантов. Внимательно проанализируйте все стили, выберите положительные и отрицательные качества. Определите, какой жанр вам ближе.
- Быть профессиональным музыкантом необязательно. Но теоретические основы знать необходимо. Нужно иметь базовое понятие о мелодии, ритме, гармонии. Стоит затратить время на изучение аккордов, минорной, мажорной тональности, научиться определять их особенности.
- Руководить вдохновением невозможно. У автора-песенника всегда должны быть под рукой бумага и ручка для записи внезапно пришедших идей. Они окажут замечательную помощь в написании текста. Еще лучше, если у вас с собой всегда будет мобильный гаджет с функцией диктофона. Он поможет записать не только слова, но и мелодии.
- Наибольшей выразительностью отличаются песни, в которых отражены сильные личные переживания. Нужно тренироваться в стихосложении, учиться отражать таким способом свои эмоции, чувства. Хорошо, если вы играете на каком-либо инструменте. Он поможет сразу положить слова на музыку.
- Не нужно спешить с окончанием работы. Готовую песню стоит внимательно прослушать несколько раз. Это поможет найти недоработки, корректировать материал, перед тем, как выносить его на суд зрителей.
- При написании музыки на готовый текст нужно убедиться, что настроение, эмоции в стихах и мелодичность соответствуют друг другу.
- Красивая музыка важна, но и слова заслуживают внимания. Не нужно подражать поп-шлягерам, в которых зачастую отсутствует серьезный смысл, ставка делается на ритмичную мелодию и простой припев. Долгая жизнь может быть только у песни, которая несет определенную информацию.
- В написании песен используйте различные музыкальные приемы, которые могут идеально украсить произведение, сделать его максимально выразительным, запоминающимся.
Данная статья является частью цикла статей “Fl Studio”
Проектом называется ваша работа (музыка, трек) сделанная в программе.
Первые ударники[править]
Для создания нового проекта необходимо нажать FILE > New (см. картинку ниже).
Перед вами откроется новый, пустой проект. Обратите внимание на окно которое обозначено цифрой 1 на картинке ниже (это окно называется стойка инструментов). Если у вас по какой-либо причине его нет, то нажмите по иконке с цифрой 2. И если окно имеет иной вид, нажмите по иконке под цифрой 3.
Давайте попробуем создать первую партию ударных. Повторите комбинацию, как на рисунке ниже, щёлкая левой кнопкой мыши по нужному месту. Для того чтобы убрать ненужный элемент, щёлкните по нему правой кнопкой мыши.
Для воспроизведения вашего бита (см. картинку ниже), установите переключатель под цифрой 1 в значение PAT. Затем нажмите плей 2, или пробел на клавиатуре.
В итоге получается простая-прямая партия ударных. Существует несколько видов партий ударных: прямая и ломаная, ниже приведён пример ломаной партии ударных.
Сразу скажем, что Kick, Clap, Hat, Snare – это сэмплы (Sample (англ.) – образец). То что вы слышите – это звуки, которые записаны, в основном, в формате файла .wav, то есть эти звуки кто-то (или даже вы) предварительно записал, и теперь вы ими пользуетесь. Данный вид сэмплов, который вы слышите, называются ваншотами (One shots (англ.) – один выстрел), то есть, это звук одного удара/ноты инструмента в одном файле. Послушайте и запомните, как звучат ваншоты.- Ещё один вид сэмплов – это лупы (Loop (англ.) – петля). Луп – это сэмпл уже готовой партии ударных или её части, также это может быть уже готовая мелодия, сыгранная, к примеру, на фортепиано. Послушайте пример лупа:
- Если же сэмпл длинный (к примеру длинная мелодия фортепиано или длинная партия ударных), то это просто трек/дорожка.
Сразу скажем, что Kick, Clap, Hat, Snare – это сэмплы (Sample (англ.) – образец). То что вы слышите – это звуки, которые записаны, в основном, в формате файла .wav, то есть эти звуки кто-то (или даже вы) предварительно записал, и теперь вы ими пользуетесь. Данный вид сэмплов, который вы слышите, называются ваншотами (One shots (англ.) – один выстрел), то есть, это звук одного удара/ноты инструмента в одном файле. Послушайте и запомните, как звучат ваншоты.
Заметьте, что сэмплы – это не только звуки ударных инструментов, но и любой другой звук (фортепьяно, гитара, бас, звуки дождя, ветра и т.д.).
Кстати, эта партия ударных, которую вы только что сделали в программе, и есть луп, а точнее – драм луп.
Описание названий некоторых сэмплов:
- Kick – это “бочка” или “бас-бочка”, но обычно на форумах её называют просто “кик”. Кик трудно с чем-либо спутать, он характерно ударяет и имеет басовую часть.
- Clap – хлопок, обычно на форумах пишут “клэп”. Клэп иногда можно спутать со Snare.
- Hat – тарелка, на форумах обычно пишут “хэт”. Вы наверняка видели рок-выступление и видели, на какой ударной установке там играют; если нет, то посмотрите, и вы увидите там жёлтые (медные) тарелки (сдвоенные), это и есть хэт.
- Snare – малый барабан, обычно на форумах пишут “снэр”. Вообще, звук снэра, если говорить обобщенно – это звук барабана, но многие снэры мало чем похожи на барабаны; не смотря на их непохожесть, их не так сложно определить, хотя и можно иногда спутать с клэпом.
Темп[править]
Темп в многочисленной литературе обозначается как BPM (англ. Beats Per Minute) – количество ударов в минуту. Он устанавливается в этом окне программы:
Попробуйте поменять его (нажмите и перетащите) и послушайте созданный вами бит заново.
Есть некоторые средние значения темпа для стилей музыки:
- BPM 300+ – Speedcore
- BPM 200+ – Hardcore-Techno
- BPM 180 – UK Hardcore
- BPM 160-180 – Jungle, Drum and Bass
- BPM – 150-160 – Schranz Music (Hard Techno), Hardstyle
- BPM 140 – Trance, Dubstep, Techno
- BPM 130 – Minimal, House
- BPM 65-115 – Рэп
- BPM 55-90 – Trap
Увеличение количества шагов[править]
Теперь обратите внимание на ползунок под цифрой 1, внизу стойки инструментов:
Если вы хотите сделать партию ударных длиннее просто перетащите его в право и добавьте новые шаги. Имейте в виду окно стойки инструментов можно просто увеличить потянув за его край (цифра 2), таким образом вы будете видеть больше шагов и вам не придётся пользоваться ползунком. Эта возможность используется редко, но очень полезна при написании Drum and Bass. При темпе 180 количество секций 8.
Сохранение, открытие проекта[править]
После того как вы создали партию проект можно сохранить, для работы над ним в будущем. Для того чтобы сохранить проект нажмите FILE > Save, после этого введите название проекта и место куда вы его хотите сохранить.
Для того чтобы открыть проект, нажмите на кнопку FILE > Open, после этого выберите нужный вам проект.
Внимание! Сохранённый вами только что проект может не открыться! Это может быть вызвано тем что вы пользуетесь программой в DEMO режиме. Чтобы избавится от этого режима вам необходимо купить программу.
