Загрузить PDF
Загрузить PDF
У вас есть идея для пьесы, возможно даже блестящая. Вы хотите развернуть ее в комичный или драматический сюжет, но как? Драматургия – это дар, который либо есть у вас, либо его у вас нет. Однако ниже вы можете познакомиться с методами, которых должно быть достаточно, чтобы начать писать.
-
1
Сформулируйте свою концепцию. В вашей истории должен быть центр – либо это плохой парень, которого надо спасти, либо плохой парень, которого надо победить. Как только у вас есть основная идея, можете разрабатывать другие элементы.
-
2
Создайте логическую серию событий. Начните с абзаца, описывающего, что происходит. Определите главное действующее лицо, опишите, что он (или она) должен сделать, создайте несколько препятствий и способов преодолеть их, придумайте развязку.
- Не волнуйтесь, если на данном этапе вы идете по шаблону. Рассмотрите такую последовательность: мужчина встречает женщину; они влюбляются; они изо всех сил пытаются преодолеть силы против них; мужчина умирает благородно. Это “Кинг Конг” или “Ромео и Джульетта”? Ответ в обоих случаях: да. То, как вы обрабатываете детали, ваше дело.
-
3
Выберите структуру. В этом месте все, что вы должны сделать, это открыть себя для возможностей и посмотреть, куда они вас приведут. Это может быть один акт на двадцать минут или двухчасовая эпопея.
-
4
Сделайте первый набросок. Вам пока не нужны имена персонажей, но вы должны дать персонажам что-то сказать. Пусть диалог течет на основе того, что мотивирует персонажи.
- У Эдварда Олби в “Кто боится Вирджинии Вульф?” Марта, исполнительница главной роли, возвращается домой с вечеринки, осматривает дом и говорит “Иисус Х. Христос!” Это было довольно необычной первой строкой в 1962 г., но привлекло интерес аудитории.
-
5
Станьте безжалостным редактором. Даже самым блестящим писателям нужно редактирование, и это часто – зверский процесс вырезания слов или даже целых речей, изменение последовательности событий, вывод персонажей, которые не работают. Вам нужна храбрость, чтобы распознать и сохранить только лучшие части вашей пьесы.
-
6
Просите обратную связь. Не просто найти кого-то, кто даст объективное и честное мнение, но это может быть очень полезным. Попытайтесь определить, где можно найти таких людей онлайн или там, где вы живете. Совершенно необходим взгляд еще одной пары глаз.
-
7
Посмотрите еще раз. С обратной связью, которую вы имеете в виду, перечитайте пьесу. Посмотрите пристально и внесите изменения, чтобы улучшить состоятельность, характеристики и удалить все ошибки.
-
8
Начните продавать. Отправляете ли вы рукопись агенту, издателю, или пытаетесь предложить местному театру ее поставить, маркетинг зависит от вас. Верьте в ценность пьесы и не сдавайтесь.
Реклама
Советы
- Действие большинства пьес происходит в определенное время с указанием места, так что избегайте противоречий. Персонаж в 1930-х гг. мог сделать телефонный звонок или отправить телеграмму, но не мог смотреть телевизор.
- Проверьте источники в конце этой статьи для надлежащего форматирования сценария и следуйте установленным правилам.
- Удостоверьтесь, что вы сохраняете динамику действия, не забывайте, что она должна следовать из вашего текста! Иногда хорошая динамика еще важнее, чем удачное начало!
- Прочитайте сценарий вслух на малочисленную аудиторию. Пьесы основываются на словах, и ее сила или слабость быстро становятся очевидными, при прочтении.
- Не кладите пьесу под сукно, пусть все знают, что вы – писатель!
Реклама
Предупреждения
- Театральный мир полон идей, но пусть ваша обработка истории будет оригинальной. Кража чьей-либо истории не только нравственно несостоятельна, но вас почти наверняка поймают.
- Защитите свою работу. Убедитесь, что титульный лист пьесы включает ваше имя и год написания пьесы, а далее – символ авторского права: ©.
- Отказ значительно перевешивает принятие, но не расстраивайтесь. Если вашу пьесу настойчиво игнорируют, напишите другую.
Реклама
Об этой статье
Эту страницу просматривали 23 192 раза.
Была ли эта статья полезной?
Download Article
Download Article
You have an idea for a play script — perhaps a very good idea. You want to expand it into a comedic or dramatic storyline, but how? Although you may want to dive right into the writing, your play will be much stronger if you spend the time planning out your storyline, before you start your first draft. Once you’ve brainstormed your narrative and outlined your structure, writing your play will seem a much less daunting task.
-
1
Decide what kind of story you want to tell. Though every story is different, most plays fall into categories that help the audience understand how to interpret the relationships and events they see. Think about the characters you want to write, then consider how you want their stories to unfold.[1]
Do they:- Have to solve a mystery? Sometimes you can even have other people write the script for you .
- Go through a series of difficult events in order to achieve personal growth?
- Come of age by transitioning from childlike innocence to worldly experience?
- Go on a journey, like Odysseus’s perilous journey in The Odyssey?[2]
- Bring order to chaos?
- Overcome a series of obstacles to achieve a goal?
-
2
Brainstorm the basic parts of your narrative arc. The narrative arc is the progression of the play through beginning, middle, and end. The technical terms for these three parts are exposition, rising action, and resolution, and they always come in that order. Regardless of how long your play is or how many acts you have, a good play will develop all three pieces of this puzzle. Taken notes on how you want to flesh each one out before sitting down to write your play.
Advertisement
-
3
Decide what needs to be included in the exposition. Exposition opens a play by providing basic information needed to follow the story: When and where does this story take place? Who is the main character? Who are the secondary characters, including the antagonist (person who presents the main character with his or her central conflict), if you have one? What is the central conflict these characters will face? What is the mood of this play (comedy, romantic drama, tragedy)?
-
4
Transition the exposition into rising action. In the rising action, events unfold in a way that makes circumstances more difficult for the characters. The central conflict comes into focus as events raise the audience’s tension higher and higher. This conflict may be with another character (antagonist), with an external condition (war, poverty, separation from a loved one), or with oneself (having to overcome one’s own insecurities, for example). The rising action culminates in the story’s climax: the moment of highest tension, when the conflict comes to a head.[3]
-
5
Decide how your conflict will resolve itself. The resolution releases the tension from the climactic conflict to end the narrative arc. You might have a happy ending, where the main character gets what he/she wants; a tragic ending where the audience learns something from the main character’s failure; or a denouement, in which all questions are answered.
-
6
Understand the difference between plot and story. The narrative of your play is made up of the plot and the story — two discrete elements that must be developed together to create a play that holds your audience’s attention. E.M. Forster defined story as what happens in the play — the chronological unfolding of events. The plot, on the other hand, can be thought of as the logic that links the events that unfold through the plot and make them emotionally powerful.[4]
An example of the difference is:- Story: The protagonist’s girlfriend broke up with him. Then the protagonist lost his job.
- Plot: The protagonist’s girlfriend broke up with him. Heartbroken, he had an emotional breakdown at work that resulted in his firing.
- You must develop a story that’s compelling and moves the action of the play along quickly enough to keep the audience’s attention. At the same time, you must show how the actions are all causally linked through your plot development. This is how you make the audience care about the events that are transpiring on stage.
-
7
Develop your story. You can’t deepen the emotional resonance of the plot until you have a good story in place. Brainstorm the basic elements of story before fleshing them out with your actual writing by answering the following questions:[5]
- Where does your story take place?
- Who is your protagonist (main character), and who are the important secondary characters?
- What is the central conflict these characters will have to deal with?
- What is the “inciting incident” that sets off the main action of the play and leads up to that central conflict?[6]
- What happens to your characters as they deal with this conflict?
- How is the conflict resolved at the end of the story? How does this impact the characters?
-
8
Deepen your story with plot development. Remember that the plot develops the relationship between all the elements of story that were listed in the previous step. As you think about plot, you should try to answer the following questions: [7]
- What are the relationships between the characters?
- How do the characters interact with the central conflict? Which ones are most impacted by it, and how does it affect them?
- How can you structure the story (events) to bring the necessary characters into contact with the central conflict?
- What is the logical, casual progression that leads each event to the next one, building in a continuous flow toward the story’s climactic moment and resolution?
Advertisement
-
1
Begin with a one-act play if you are new to playwriting. Before writing the play, you should have a sense of how you want to structure it. The one-act play runs straight through without any intermissions, and is a good starting point for people new to playwriting. Examples of one-act plays include “The Bond,” by Robert Frost and Amy Lowell, and “Gettysburg,” by Percy MacKaye.[8]
[9]
Although the one-act play has the simplest structure, remember that all stories need a narrative arc with exposition, rising tension, and resolution.- Because one-act plays lack intermissions, they call for simpler sets and costume changes. Keep your technical needs simple.
-
2
Don’t limit the length of your one-act play. The one-act structure has nothing to do with the duration of the performance. These plays can vary widely in length, with some productions as short as 10 minutes and others over an hour long.
- Flash dramas are very short one-act plays that can run from a few seconds up to about 10 minutes long. They’re great for school and community theater performances, as well as competitions specifically for flash theater. See Anna Stillaman’s “A Time of Green” for an example of a flash drama.
-
3
Allow for more complex sets with a two-act play. The two-act play is the most common structure in contemporary theater. Though there’s no rule for how long each act should last, in general, acts run about half an hour in length, giving the audience a break with an intermission between them. The intermission gives the audience time to use the restroom or just relax, think about what’s happened, and discuss the conflict presented in the first act. However, it also lets your crew make heavy changes to set, costume, and makeup. Intermissions usually last about 15 minutes, so keep your crew’s duties reasonable for that amount of time.[10]
- For examples of two-act plays, see Peter Weiss’ “Hölderlin” or Harold Pinter’s “The Homecoming.”
-
4
Adjust the plot to fit the two-act structure.[11]
The two-act structure changes more than just the amount of time your crew has to make technical adjustments. Because the audience has a break in the middle of the play, you can’t treat the story as one flowing narrative. You must structure your story around the intermission to leave the audience tense and wondering at the end of the first act. When they come back from intermission, they should immediately be drawn back into the rising tension of the story.- The “inciting incident” should occur about half-way through the first act, after the background exposition.
- Follow the inciting incident with multiple scenes that raise the audience’s tension — whether dramatic, tragic, or comedic. These scenes should build toward a point of conflict that will end the first act.
- End the first act just after the highest point of tension in the story to that point. The audience will be left wanting more at intermission, and they’ll come back eager for the second act.
- Begin the second act at a lower point of tension than where you left off with the first act. You want to ease the audience back into the story and its conflict.
- Present multiple second-act scenes that raise the stakes in the conflict toward the story’s climax, or the highest point of tension and conflict, just before the end of the play.
- Relax the audience into the ending with falling action and resolution. Though not all plays need a happy ending, the audience should feel as though the tension you’ve built throughout the play has been released.
-
5
Pace longer, more complex plots with a three-act structure. If you’re new to playwriting, you may want to start with a one- or two-act play because a full-length, three-act play might keep your audience in its seats for two hours![12]
It takes a lot of experience and skill to put together a production that can captivate an audience for that long, so you might want to set your sights lower at first. However, if the story you want to tell is complex enough, a three-act play might be your best bet. Just like the 2-act play, it allows for major changes to set, costumes, etc. during the intermissions between acts. Each act of the play should achieve its own storytelling goal:[13]
- Act 1 is the exposition: take your time introducing the characters and background information. Make the audience care about the main character (protagonist) and his or her situation to ensure a strong emotional reaction when things start going wrong. The first act should also introduce the problem that will develop throughout the rest of the play.
- Act 2 is the complication: the stakes become higher for the protagonist as the problem becomes harder to navigate. One good way to raise the stakes in the second act is to reveal an important piece of background information close to the act’s climax.[14]
This revelation should instill doubt in the protagonist’s mind before he or she finds the strength to push through the conflict toward resolution. Act 2 should end despondently, with the protagonist’s plans in shambles. - Act 3 is the resolution: the protagonist overcomes the obstacles of the second act and finds a way to reach the play’s conclusion. Note that not all plays have happy endings; the hero may die as part of the resolution, but the audience should learn something from it.[15]
- Examples of three-act plays include Honore de Balzac’s “Mercadet” and John Galsworthy’s “Pigeon: A Fantasy in Three Acts.”
Advertisement
-
1
Outline your acts and scenes. In the first two sections of this article, you brainstormed your basic ideas about narrative arc, story and plot development, and play structure. Now, before sitting down to write the play, you should place all these ideas into a neat outline. For each act, lay out what happens in each scene.
- When are important characters introduced?
- How many different scenes do you have, and what specifically happens in each scene?
- Make sure each scene’s events build toward the next scene to achieve plot development.
- When might you need set changes? Costume changes? Take these kinds of technical elements into consideration when outlining how your story will unfold.
-
2
Flesh out your outline by writing your play. Once you have your outline, you can write your actual play. Just get your basic dialogue on the page at first, without worrying about how natural the dialogue sounds or how the actors will move about the stage and give their performances. In the first draft, you simply want to “get black on white,” as Guy de Maupassant said.
-
3
Work on creating natural dialogue. You want to give your actors a solid script, so they can deliver the lines in a way that seems human, real, and emotionally powerful. Record yourself reading the lines from your first draft aloud, then listen to the recording. Make note of points where you sound robotic or overly grand. Remember that even in literary plays, your characters still have to sound like normal people. They shouldn’t sound like they’re delivery fancy speeches when they’re complaining about their jobs over a dinner table.
-
4
Allow conversations to take tangents. When you’re talking with your friends, you rarely stick to a single subject with focused concentration. While in a play, the conversation must steer the characters toward the next conflict, you should allow small diversions to make it feel realistic. For example, in a discussion of why the protagonist’s girlfriend broke up with him, there might be a sequence of two or three lines where the speakers argue about how long they’d been dating in the first place.
-
5
Include interruptions in your dialogue. Even when we’re not being rude, people interrupt each other in conversation all the time — even if just to voice support with an “I get it, man” or a “No, you’re completely right.” People also interrupt themselves by changing track within their own sentences: “I just — I mean, I really don’t mind driving over there on a Saturday, it’s just that — listen, I’ve just been working really hard lately.”
- Don’t be afraid to use sentence fragments, either. Although we’re trained never to use fragments in writing, we use them all the time when we’re speaking: “I hate dogs. All of them.”
-
6
Add stage directions.[16]
Stage directions let the actors understand your vision of what’s unfolding onstage. Use italics or brackets to set your stage directions apart from the spoken dialogue. While the actors will use their own creative license to bring your words to life, some specific directions you give might include:- Conversation cues: [long, awkward silence]
- Physical actions: [Silas stands up and paces nervously]; [Margaret chews her nails]
- Emotional states: [Anxiously], [Enthusiastically], [Picks up the dirty shirt as though disgusted by it]
-
7
Rewrite your draft as many times as needed. You’re not going to nail your play on the first draft. Even experienced writers need to write several drafts of a play before they’re satisfied with the final product. Don’t rush yourself! With each pass, add more detail that will help bring your production to life.
- Even as you’re adding detail, remember that the delete key can be your best friend. As Donald Murray says, you must “cut what is bad, to reveal what is good.” Remove all dialogue and events that don’t add to the emotional resonance of the play.
- The novelist Leonard Elmore’s advice applies to plays as well: “Try to leave out the part that readers tend to skip.”[17]
Advertisement
Outline for a Play Script
Add New Question
-
Question
How do you format a script?
Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry. Under Melessa’s leadership, SWN has won numbers awards including the Los Angeles Award from 2014 through 2021, and the Innovation & Excellence award in 2020.
Scriptwriter
Expert Answer
Support wikiHow by
unlocking this expert answer.Using a writing software can be really helpful if you’ve never formatted a script before. You can also go online and look at examples of other scripts to get an idea of what the formatting should look like.
-
Question
Can anyone write a script or do you need formal training?
Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry. Under Melessa’s leadership, SWN has won numbers awards including the Los Angeles Award from 2014 through 2021, and the Innovation & Excellence award in 2020.
Scriptwriter
Expert Answer
Support wikiHow by
unlocking this expert answer.Yes, anyone can write a script! If you put your mind to it and really commit to doing it, you definitely can. You don’t necessarily have to go to school or have formal training first, although a lot of people do.
-
Question
How do I build a relationship in a play in a short time?
Make it as though the characters have just met. Something as simple as having something in common triggers their connection. Intense, stressful, life-or-death situations typically hasten connection, so you might think in that direction. Then simply let yourself script-writing skills do the work, making sure that there are not too many obstacles for them to overcome to make their relationship strong.
See more answers
Ask a Question
200 characters left
Include your email address to get a message when this question is answered.
Submit
Advertisement
Video
-
Most plays are set in specific times and places, so be consistent. A character in the 1930s could make a telephone call or send a telegraph, but couldn’t watch television.
-
Read the script out loud to a small audience. Plays are based on words, and that power or the lack of it quickly becomes obvious when spoken.
-
Write a lot of drafts, even if you are satisfied with the first one you write.
Show More Tips
Advertisement
-
Rejection vastly outweighs acceptance, but don’t be discouraged. If you get worn out with one play being ignored, write another.
-
Protect your work. Make sure the play’s title page includes your name and the year you wrote the play, preceded by the copyright symbol: ©.
-
The theatrical world is full of ideas, but take care your treatment of a story is original. Stealing someone else’s story is not only morally bankrupt, and you’ll almost certainly be caught.
Advertisement
References
About This Article
Article SummaryX
If you’re writing a play script, start by brainstorming a story. Then write an exposition, or beginning, some rising action, or conflict, and a resolution. Write dialogue that’s natural by reading, recording, and listening to what you’ve written to be sure it sounds authentic. Include interruptions and go off on tangents, since that’s what happens in real life! Remember to add stage directions, using italics or brackets to set them apart from dialogue, so the actors have a sense for the actions you expect to see on stage. For more tips on writing a play script, including how to structure 1-, 2-, and 3-act plays, scroll down!
Did this summary help you?
Thanks to all authors for creating a page that has been read 630,496 times.
Reader Success Stories
-
Alex Solhdoost
May 28, 2017
“I always thought that writing a play is super difficult. One night I was super-bored, and I love reading plays so…” more
Did this article help you?
С чего начать писать свой первый сценарий? Зачем нужен логлайн и что это такое? Из каких частей состоит сценарий? Как прописывать персонажей, их действия и диалоги? Что делать, когда готов первый драфт? Советы профессионалов, успешные примеры и частые ошибки в написании сценария.
Что такое сценарий?
Сценарий — это кино-драматургическое произведение, являющееся основой для съёмки проектов или театральной постановки. Сценарий является в первую очередь текстовым документом, на базе которого команда проекта выполняет свою часть работы для воплощения сценария в жизнь.
Правильный формат текста в сценарии такой: шрифт Courier New 12-ым размером. При таком форматировании каждая страница текста будет равняться одной минуте хронометража.
Сценарий полнометражного фильма обычно составляет от 90 до 120 страниц, то и длительность фильма составит от полутора до двух часов. Сценарий пишут не только к фильмам, но и к эпизодам сериалов. Ситкомы — это обычно серии на 20-30 минут, соответственно на 20-30 страниц. Драмы — 50-60 страниц.
Вы можете создать свой сценарий на основе оригинальной идей или же на основе существующих интеллектуальных прав (книг, фильмов, комиксов, журналистских статей).
Использование чужих интеллектуальных прав должно всегда оформляться договором и сопровождаться, конечно же, оплатой. Но есть произведения, за использование образов из которых, не нужно платить. Они называются общественным достоянием. Общественное достояние в России — это произведение, с года смерти автора которого прошло 70 лет. Подробно про поиск идей и интеллектуальные права мы писали здесь.
Сценарий — это чёткий план фильма или эпизода сериала. В этом работа сценариста очень сильно отличается от работы писателя.
Если на этапе разработки сценарист тоже ищет эмоциональные ходы, яркие образы, любые другие творческие решения, то на этапе написания все эти наработки все равно должны улечься в инструкцию для съемки. Хороший сценарий должен быть чётким, понятным, наглядным документом, отражающим всю предыдущую творческую подоплёку.
Ваш сценарий увидит огромная команда из продюсеров, режиссёров, актёров, постановщиков и других, и для их работы важным станет каждое написанное вами слово. Давайте ниже разберёмся вместе, как написать сценарий.
Выбор названия
Название сценария можно оставить на самый последний момент работы над ним. Но если вы всё-таки решили всё-таки чем-то назвать текстовый файл, то название должно:
- отражать жанр вашего проекта;
- быть цепким и броским;
- заявлять эмоции, которые зритель скорее всего испытает;
- быть лёгким в произношении и запоминающимся.
Логлайн
Логлайн — это основная идея вашего фильма. По старым голливудским стандартам логлайн принято формулировать не более чем в тридцать слов. То есть вставить туда все сюжетные линии, описание мира и гениальные навыки главного героя не получится. В России к этому относятся мягче – допустимо уложиться в 35-45 слов. Что же включить в логлайн:
- кратко укажите, кто герой (мальчик-волшебник, вдовец и отец пятерых детей, говорящая мышка);
- чего герой хочет (победить злого волшебника, отомстить за смерть жены, найти семью);
- что стоит на пути к достижению цели (огромная армия из злых магов, вынужденность постоянно уделять внимание детям или то, что мышка не такая как люди).
Существует такое драматургическое правило: та цель, которую вы сформулировали для героя в начале должна проходить через всю историю. Как только цель перестаёт быть важной или достигается героем, то история заканчивается. Интересная и чётко сформулированная цель главного героя поможет написать хороший сценарий.
Персонажи сценария
Когда вы знаете, о чём ваша история, пора для себя решить, кто её раскроет и покажет. Выше мы уже сформулировали логлайн и знаем, какие качества героя точно понадобятся для раскрытия темы.
На этом этапе важно выяснить, как герой изменится, и с какими своими пороками будет сражаться. С учётом логлайна поиск ответа на этот вопрос может быть таким. Например, наш главный герой отец семейства, потерявший жильё за долги. Его цель вернуть квартиру, чтобы дети смогли вновь обрести дома. Каким герой должен быть в начале, чтобы набрать столько долгов, не платить их и даже лишится квартиры? Что это за качества, которые привели его сюда? Возможно, лень, игромания, вера в удачу, безответственность? Тогда каким герой должен стать в конце, чтобы достичь цели? Возможно, он будет вынужден победить свою лень, вылечится от игромании, начать принимать ответственные решения.
Для сценарной записи вам потребуется придумать имя каждому из героев, знать приблизительно их возраст и особенности внешности. Когда вы будете презентовать героев впервые, то их имя нужно писать большими буквами, в скобках давать возраст и краткую характеристику через запятую. Например. “ЖЕКА (45), тучный мужчина в деловом костюме”.
Структура сценария
На данном этапе ещё рано создавать титульный лист в вордовском документе. Нужно провести работу над структурой сценария и расставить основные точки сюжета. Как правило, в этом помогает трёхактная структура.
Трёхактная структура — это классическая структура практически любого драматического произведения. Все остальные структуры, так или иначе основаны на ней. Так что начинающим сценаристам мы рекомендуем начать с нее. Разделите историю как минимум на начало проблем персонажа, развитие событий (попытки решения проблем) и их разрешение. Ниже мы рассмотрим, что нужно включить в каждую из частей. Обязательно запишите все эти части в виде текста, это станет хорошей основой будущего сценария.
Акт 1. Вступление и завязка истории
Первый акт может располагаться приблизительно на 20-25 страницах. Обязательно начните с интересной экспозиции, то есть описания статуса-кво персонажа. Что можно включить в экспозицию:
- показать главные черты героя;
- рассказать о его семье, социальном статусе, любых других важных для истории социальных аспектах;
- заявить второстепенных персонажей;
- продемонстрировать текущие проблемы героя или наоборот его беззаботную жизнь до того, как он окунулся в перипетии;
- обозначить первые звоночки надвигающейся проблемы на героя.
Когда всё выше готово, то пора и ударить первыми сложностями по нашему главному герою. Следующей сюжетной точкой станет катализатор — событие, которое меняет всё.
Правило для катализатора такое: нужно придумать событие, после которого герой ни сможет не решать проблемы или ни сможет не отправиться в путешествие.
Например, в начале у главного героя, главы семейства, много долгов, но из-за своей лени и плохого характера, он никак не может заработать денег и погасить их. Но за долги у него наконец-таки отбирают квартиру. До этого долги героя мало влияли на его жизнь и жизнь его семьи. Да даже после того, как тот лишится квартиры, он может и не особо против поспать в машине. Но понимая, что дети не могут жить в машине, герой вынужден изменить свой характер, чтобы справится с финансовыми сложностями. То есть перед героем в этот момент должна чётко оформиться цель, о которой мы говорили выше, и которую он будет достигать от начала до конца, а от усугубившейся проблемы уже никуда не деться.
Акт 2. Борьба главного героя со сложностями на пути к заданной цели
Основная часть сценария должна уйти под борьбу главного героя за поставленную цель. Если сказать простыми словами, то главное правило, которое существует для написания второго акта такое. Герой решает возникшую проблему, она не решается и становится всё хуже. Затем герой снова что-то делает для решения проблемы — и вновь должно стать хуже. И так до конца второго акта.
Правильным будет второй акт закончить тем, что герой опускается до самой нижней точки своего состояния. Чем хуже ему, тем лучше. В качестве примера можно вспомнить фильм “Дюна” (2021). Второй акт фильма заканчивается тем, что весь народ и семью главного героя, Пола Атрейдеса, уничтожили Харконнены. Пол остался без дома, без отца, без своего народа, без каких-либо средств к существованию, да ещё и посреди дикой неподвластной человеку пустыни, убивающей всё живое.
Акт 3. Главный герой выходит победителем
В начало третьего акта герой входит, будучи на дне. Зритель должен видеть, что все отвернулись от героя, его покинули силы, ресурсы утрачены, а злодей ликует. Но в какой-то момент у главного героя появляется некий лучик надежды, и он совершает что-то невероятное, чтобы перевернуть ситуацию с ног на голову.
Кульминация должна быть яркой, оригинальной, логичной и эмоциональной. В чём её яркость может состоять? В нетривиальных решениях. То есть герой должен сделать что-то такое, чего раньше не делал или на что не решился бы никогда. Как проявляется логика? Хорошей логичной кульминацией можно назвать ту, где именно действия героя становятся финальным источником решения проблемы, исходя из качеств и изменений героя. А также кульминация не должна наступать благодаря “богу из машины” или “роялю в кустах”. Не надо в кульминации вестерна про ковбоев и борьбу за сердце дочери местного губернатора прописывать пришельцев, которые уничтожают врага главного героя своими лазерами. О том, что такое “бог из машины” и почему использовать его надо в исключительных случаях, мы рассказывали здесь.
Кульминация — это момент, когда антагонист повержен, а герой заполучил желаемое. Но на этом фильм не заканчивается. Не забывайте про развязку.
Развязка — это то, к чему привела кульминация. Как изменился герой и его жизнь после достижения цели? Вот наконец-то желаемый Кубок огня в руках Гарри Поттера в финале Турнира трёх волшебников, и он возвращается победителем на поле Хогвартса (“Гарри Поттер и Кубок огня”). Трибуны ликуют, ведь ученики Хогвартса и Гарри получили то, что хотели — победу школы в престижнейшем и опаснейшем международном конкурсе магов. Но чем она обернулась? В руках Гарри труп Седрика Диггори, его соперника, перед глазами до сих пор жуткий процесс возрождения лорда Волан-де-Морта, и пока только Гарри знает, что самый жестокий и сильный маг современности жив и строит планы на весь мир. Победа ему уже не нужна. Седрику победа принесла смерть, а его отцу и ученикам — скорбь.
Диалоги и описание действий
Что нам поможет на этапе диалогов из предыдущей разработки? Всё, что мы знаем про персонажа. Мы уже прописали какой он, как действует, его фишки и даже особенности речи. Всё это необходимо понимать при прописывании действий и диалогов.
В этом разделе мы используем слово диалоги в общепринятом значении. На внутреннем сленге сценаристов диалогами называют собственно сам сценарий – финальный документ, где расписана вся история с действиями и репликами.
Когда вы пишите действия, то старайтесь каждое описывать отдельным абзацем, что позволит проще читать и чётко видеть, кто, куда и как направляется в рамках сцены. Сами описания действий и вообще любые другие описания должны быть краткими и лаконичными. О том, как этого можно достичь мы рассказывали здесь.
Если даже вы нашли для вашего героя увлекательные действия, с помощью которых герой круто решает свои проблемы, это не значит, что всю сцену надо превращать в сплошной набор из них. Не стесняйтесь разбивать действия ёмкими фразами, шутками, комментариями героя. Но и не увлекайтесь.
Не торопитесь начинать прописывать диалоги. Убедитесь, что все сюжетные линии продуманы, все важные события расставлены, а структура работает как надо.
Одно из главных правил диалогов в том, что он, как и действие, должен продвигать сюжет. Например, один герой уговаривает скромного друга пойти с ним на концерт рок-группы. Каждый герой будет гнуть свою линию: первый уговаривать, другой отказывать. Ни один из героев не должен повторять свои предыдущие аргументы. Более того, каждая реплика героев должна отдалять или приближать их к концерту. А в идеале диалог должен усугублять отношения между персонажами, вскрывать их обиды друг на друга, а может быть и разгораться в ссору, которая возможно сильно ударит по их отношениям или сюжету.
Ещё один важный совет при написании диалогов: не повторяйте уже известную информацию. Пример. Ваш герой входит в сцену, он избитый и окровавленный. А его мать говорит: “О, Боже, у тебя кровь!”. То есть мы потратили лишний бит и лишнюю строчку, чтобы описать то, что зритель уже увидел, а читающий прочитал.
Избегайте в диалоге длинных непонятных слов: жаргонизмов, терминов, просто заумных выражений. Зрителю будет скучно даже полминуты смотреть и слушать то, чего он не понимает и что его не продвигает по истории.
Ну и заключительная рекомендация в написании диалогов состоит в том, чтобы их проговаривать. Диалог должен произноситься естественно, без запинок, звучать приятно для ушей. При произнесении реплик вслух вы сразу почувствуете, всё ли хорошо с фразами.
Редактирование сценария
Закончили писать – пора переписывать. Редактирование и переписывание — это вторая по объёму часть работы сценариста (первая — разработка идеи).
Самостоятельно
Во-первых, перечитайте сами. Уже в первую читку вам захочется местами подправить диалоги, убрать те или иные действия, что-то будет вас раздражать в тексте по мелочам.
Во-вторых, проанализируйте, работает ли каждая сцена, эпизод, акт. Работают ли детали, которые вы указали. Всё должно быть действующим в сценарии и не должно быть лишних движений, слов, вздохов, одёргиваний юбки и подобного. Каждый раз можно спрашивать себя:
- для чего это написано?
- как это работает на историю?
- что даёт это зрителю?
В-третьих, проверьте, не нарушилась ли логика в процессе создания первого драфта сценария. Точно ли одно событие вытекает из другого? Или это только вам так кажется?
В-четвёртых, в процессе написания сценария некоторые сцены могут просто перестать быть нужными. Удаляйте их безжалостно.
В-пятых, проверьте мотивацию героев. Каждый раз ваш главный персонаж входит в сцену по какой-то причине. И если эта причина не выглядит весомой и понятной для читателя или зрителя, то она оставит негативное впечатление.
Редактор
Если у вас есть бюджет и потребность в профессиональной помощи, то можно обратиться к редактору. Он прочтёт работу от начала до конца и будет искать примерно то же, что перечислено выше. Профессиональный редактор сможет найти все нестыковки, слабые мотивации персонажей, задаст нужные вопросы к тексту и даже отметит ненужные диалоги или описания.
Часто встречающиеся ошибки
Драматургия и кинодраматургия развивается уже не первую сотню лет. Современный зритель ожидает с каждым годом всё более крутых, увлекательных и сложных проектов. Давайте обсудим, какие ошибки вы можете избежать на пути к своему первому фильму, если обратите на них внимание и что сделать, чтобы он соответствовал уровню самых искушённых зрителей.
Персонажи
Во-первых, ошибкой может быть слишком много неработающих персонажей. Не нужно для каждого безобидного взаимодействия героя создавать нового персонажа — ограничьтесь массовкой. Каждый полноценный персонаж должен нести какую-то функцию, отражаться на истории, на главном герое и даже лучше бы иметь свою понятную и законченную линию.
Во-вторых, чисто технически большое количество персонажей может запутать зрителя. А если у них ещё и похожие или плохо запоминающиеся имена, то зрителя это может ещё и раздражать.
Задавайте себе вопрос при разработке и перечитывании: нужен ли мне этот персонаж? Нужен ли он вообще? Можно ли его удалить?
Конфликты
Конфликт — это основа любой истории. Правильный конфликт — это когда два героя преследуют противоположные интересы. Убедитесь, что герой постоянно вынужден противостоять кому-то или чему-то.
Ошибкой сценариста станет слабый или поверхностный конфликт внутри истории. Если цель героя легко достижима, то ему ничего не стоит просто подойти и взять то, что ему нужно. Достигнута цель — закончилась история.
Нужно избегать и слабых антагонистов. Каждый раз зритель должен видеть усугубление и ломать голову, как же наш герой одолеет невероятно жуткого огромного монстра или вооружённого до зубов террориста. А ещё лучше бы, чтобы в эти же моменты у героя заканчивались бы все пули и укрытия.
Конфликт должен проявляться не только в виде внешнего противостояния. Например, когда герою нужно спасти мир и забрать у антагониста супер-лазер, которым он его собирается взорвать. Конфликт должен лежать внутри ценностных убеждений. Самая распространённая и довольно банальная тема, которую можно отыскать в кино — это противостояние добра и зла. Но и за этими категориями чаще стоит что-то ещё. Например, Гарри Поттер (сторона добра) смог победить Волан-де-Морта (сторона зла) с помощью любви и дружбы. В то время как тот пытался вести борьбу с помощью устрашения сторонников и силы.
Мир
Условности и законы мира должны быть понятны с первых сцен. Если вы начинаете проект в жанре сай-фай, антиутопии, фэнтэзи, хоррора, то так или иначе нужно обозначать грань того, как работают придуманные законы. Мир должен иметь свои незыблемые законы и быть опасным для главного героя.
Если у вас фильм ужасов, в котором существуют призраки, то нельзя, чтобы герой в конце их всех уничтожил магией своей взятой из ниоткуда волшебной палочки.
Антиутопии тоже подразумевают очень строгое соблюдение жанровых условий. Для создания антиутопического произведения обычно берётся какая-то одна сторона жизни людей, меняется по усмотрению автора, и мы наблюдаем, как это воздействует на остальной мир по естественным его законам. Допустим, государство приказало с этого дня сдавать всех рождённых младенцев в специальное учреждение. Звучит жутко. Это не означает, что в следующем акте государство прикажет сдавать стариков, потом решит уволить с работы и лишить собственности всех мужчин, а затем сделать президентом мышь. Это всё будет противоречить жанру, и напоминать абсурд.
Далее ошибкой может стать то, что вы не вписали своего героя и его окружение в общий исторический, мировой или национальный контекст. Может быть, иногда отсутствие сеттинга и играет на идею, но это считанные случаи. Ваш мир не может быть безликим и откровенно пластиковым. Например, в сериале “Засланец из космоса” главный герой, внеземное существо, приземляется в американский городок. Казалось бы, зачем уточнять? Американский городок — понятная категория. Внеземное существо мы тоже можем себе представить. Но чтобы сделать пребывание инопланетянина как можно более сложным, авторы поселили его в городок штата Колорадо в горах рядом с огромными ледниками. Более того, город настолько мал, что скрыть свои инопланетные способности там почти невозможно. А ещё в нём живут представители коренных народов, индейцев, погружающие главного героя в человеческие ценности.
В мире вашего сценария должно работать всё — и даже время года. Зачем в одной из сцен дождь? Что он означает? Как он помогает или мешает? Почему именно сейчас пошёл дождь? Или он нужен только для красивой картинки? Если только последнее, то сцену стоит убрать, так как её просто напросто будет дорого снять.
Диалоги
Во-первых, любой бессмысленный диалог ради болтовни станет ошибкой. Если в диалоге нет конфликта, цели и он не продвигает сюжет, то его нужно переписать.
Во-вторых, не очень хорошо, когда зритель не понимает, на чьей он стороне в диалогах. Такое бывает тогда, когда взгляды и убеждения героев размыты и плохо продуманы.
В-третьих, нельзя бросать сцену без ясного финала, то есть результата взаимодействия персонажей. К чему-то в конце должны прийти либо сами герои, либо зритель.
В-четвёртых, попробуйте закрыть рукой или удалить имена персонажей над их репликами и понять, кому принадлежит та или иная фраза. Если вы не смогли точно определить, где чьи реплики и чётко различить персонажей по их словам, то надо вновь начинать работать над описанием персонажей.
Высказывание и изменение героя
Уделите отдельное внимание высказыванию вашего сценария. Откровенно говоря, навык выражать высказывание через сюжет — это постоянная упорная работа. Поэтому лучше заранее знать, с какими ошибками можно столкнуться на пути к хорошему сценарию.
Во-первых, ошибкой будет, если ваш герой никак не изменится. Именно изменение героя транслирует определённую мысль произведения.
Во-вторых, у героя обязательно должны быть какие-то убеждения, через которые он проносит происходящее. То есть как минимум он должен реагировать на события вокруг, как-то оценивать их, делать какой-то вывод. Может эти события противоречат убеждениям героя? Или учат его чему-то? То есть реакции главного героя будут составлять ваше высказывание.
В-третьих, плохо, если у героя отсутствуют сложные дилеммы. Только через морально тяжёлый выбор герой сможет расти, побеждать свои ложные убеждения и выражать высказывание.
В-четвёртых, высказывание не должно быть слишком общим и банальным, типа “Семья — самое важное в жизни” или “Убивать нехорошо”. Зритель сразу почувствует эту натянутость и заезженность темы.
Секреты сценарного мастерства от успешных сценаристов
Есть один самый главный секрет, о котором говорит почти каждый сценарист и в России, и зарубежом. Написать хороший сценарий поможет выбор темы, которая должны быть очень личной для автора. То есть нужно придавать идее такие эмоции, которые автор уже испытывал сам и понимает их. Нельзя назвать сценариста или автора сценарной книги, который не говорил бы об этом.
Ещё одно близкое к этому правило прозвучало от Ильи Куликова, автора знаменитых сериалов “Глухарь” и “Полицейский с Рублёвки”, в подкасте “Поэпизодный клан”. Он считает, что сценарист должен писать то, о чём он знает, что он понимает и что проживает. Например, по его словам, автор не может написать сценарий о странах, в которых не был, а также о людях в этих странах, об их морали, душах, образах жизни. Простыми словами, нужно брать в качестве темы то, что вам знакомо, и это станет сильной стороной вашего проекта.
Примеры хороших сценариев
В сети Интернет выложено в свободном доступе немало сценариев российских и зарубежных фильмов. Часто это делается, когда сезон сериала закончился, или когда проект номинирован на награду в сценарной номинации. Что точно стоит почитать и посмотреть, чтобы научится писать сценарии и избежать потенциальных ошибок, мы перечислим ниже.
“Рассказ служанки”
Пилот и одну из серий 4-го сезона «Рассказа служанки», номинированную на “Эмми” можно найти в свободном доступе. Сценарии эпизодов “Рассказа служанки” отличаются лаконичностью описаний и чёткими эмоциональными битами. Особенность сцен данного проекта в том, что там мало ярких и широких внешних действий, мало драк, погонь и ругани. Эмоциональные изменение и высказывание авторы умело выражают тонкими, но говорящими, кинодействиями.
“Дюна”
В данном фильме начинающему сценаристу может быть интересна структура сценария.
Во-первых, она соответствует классической трёхактной структуре. Более того, во многом там можно найти элементы структуры Блейка Снайдера из его книги про сценарное мастерство “Спасите котика”.
Во-вторых, каждый акт и его подэлементы достаточно краткие, ёмкие и не затянутые.
В-третьих, несмотря на то, что данный проект является экранизацией одноимённой книги, автор сценария, Джон Спейтс, смог создать сразу несколько логичных завершённых сюжетных линий и не увлечься мифологией.
Отдельно хочется сказать про мир “Дюны”. Данный сценарий является хорошим примером того, как автор смог интересно передать множество сложнейших законов вселенной, не спугнуть зрителя, а также ещё и создать плацдарм для эффектной визуальной составляющей.
“Достать ножи”
Не так давно в общем доступе появился сценарий детективного фильма “Достать ножи”. Что полезного можно почерпнуть в нём?
Во-первых, Райан Джонсон, сценарист и режиссёр, смог воплотить сюжет в стиле классического детектива с соблюдением всех законов жанра.
Во-вторых, к детективному жанру автор умело добавил и комедийный элемент. Главная героиня не способна врать физически: её тошнит при произнесении любой лжи. Данная комедийная черта была использована очень сбалансировано: она использовалась для создания юморных ситуаций, в качестве препятствий для героини, но не слишком злоупотреблялась.
В-третьих, данный сценарий можно похвалить за то, как ярко и полноценно прописан каждый герой. Зритель действительно много узнаёт про всех наследников жертвы убийства: про их финансовое состояние, мотивы, отношения, боли, социальное положение и так далее. Но при этом не перегружает деталями — мы видим только то, что работает на убийство как основу сюжета.
Часто начинающие сценаристы пытаются изобрести колесо, начиная сценарий без какой-либо теоретический подготовки. Безусловно любой опыт написания станет полезным, но так или иначе начинающий сценарист будет совершать ошибки, которые до этого уже проходили другие сценаристы. Смелее приступайте к созданию своего первого сценария, используя наши советы.
Театр начинается с вешалки, а театральная постановка – со сценария. Пытаться поставить спектакль или снять фильм без сценария – все равно, что пытаться пересечь океан без всякой навигации.
Сценарий в его общем виде может понадобиться и тем, кому приходится выступать на публике. Возможно, вам уже приходилось испытывать неловкость, произнося речь перед аудиторией. Если это так, причиной этому могут быть неумение пользоваться приемами риторики или неправильно подготовленный сценарий выступления. Для решения первой проблемы рекомендуем пройти нашу онлайн-программу «Современная риторика», где вы научитесь хорошо говорить, правильно вести себя на сцене, пользоваться ораторскими приемами и многому другому, что позволит вам успешно выступать перед любой аудиторией.
Ну а начало решению второй проблемы положит наша статья. Что такое сценарное мастерство, почему сценарий так важен и как освоить основы сценарного мастерства, мы и расскажем далее.
Что такое сценарий и почему он так важен?
Сценарий – это руководство для продюсеров, режиссера, актеров, съемочной группы. Сценарий является общей почвой, с которой все в фильме будут работать от начала до конца производства.
Он рассказывает полную историю, содержит все действия и диалоги для каждого персонажа, а также описывает персонажей визуально, чтобы кинематографисты могли воплотить их стиль, внешний вид или атмосферу в реальность. Поскольку сценарий является своего рода чертежом фильма или телешоу, он отражает и стоимость проекта.
Создание фильма требует тщательного планирования бюджета. Например, если сценарий содержит спецэффекты и сцены в разных локациях, то бюджет должен быть значительно выше, чем в фильме, в основном ориентированном на диалог.
Итак, откуда же берется сценарий? Обычно он создается одним из следующих способов:
- Стандартный сценарий подается продюсерам или студии, и если они заинтересованы, то разрабатывается и пишется с их участием. Иногда к известному сценаристу обращаются с просьбой написать сценарий.
- Специальный сценарий пишется писателем заранее в надежде, что он будет выбран и в конечном итоге куплен продюсером или студией.
- Адаптированный сценарий производится из чего-то, что уже существует в другой форме, такой как книга, пьеса, телешоу, предыдущий фильм или даже реальная история. Существует так много бесчисленных примеров адаптированных сценариев, но, вероятно, наиболее распространенными являются самые продаваемые книги. Если художественная книга становится бестселлером, это почти гарантия, что она будет адаптирована для фильма.
Хотя может показаться, что адаптированные сценарии писателю легче готовить, так как история уже есть, тут есть свой набор проблем.
Чрезвычайно страстные поклонники оригинального материала могут быть очень жесткими к сценаристу (поклонникам комиксов и научной фантастики, как известно, трудно угодить).
К тому же, материал должен быть написан в формате сценария, который очень отличается от того, как пишутся книги. В самых общих чертах, сценарий – это документ на 90-120 страницах, написанный шрифтом Courier 12pt. Интересно, почему используется шрифт Courier? Это вопрос времени. Одна отформатированная страница сценария в шрифте Courier равна примерно одной минуте экранного времени. Вот почему среднее количество страниц в сценарии должно составлять от 90 до 120 страниц.
Секреты сценарного мастерства от успешных сценаристов
Для создания стоящего фильма, спектакля, шоу и любого вида представления человеку требуется особое сценарное мастерство, так же как для исполнения ролей необходимо актерское мастерство. К слову, у нас есть соответствующий курс, где начинающие актеры узнают о существующих театральных системах и освоят искусство перевоплощения и переживания. Ну а сейчас мы поделимся секретами сценарного мастерства известных деятелей этой сферы.
Персонажи никогда не говорят то, чего они хотят на самом деле
Все дело в подтексте. Эрнест Хемингуэй лучше всего выразился, ставшей теперь знаменитой, цитатой: «Если писатель достаточно хорошо знает то, о чем пишет, он может опустить известные ему подробности. Величавость движения айсберга обусловлена тем, что над водой видна только одна девятая его часть».
Представьте, было бы крайне скучно, если бы мистер Оранжевый в первом акте «Бешеных псов» прямо сказал мистеру Белому: «Послушайте, я полицейский. Спасибо, что спасли мне жизнь, и мне очень жаль, но, пожалуйста, не позволяйте им убить меня». Вместо этого его диалоги никогда не показывают, чего он хочет, но сценарист дает зрителям ключи на протяжении всего фильма.
Когда персонажи раскрывают свои секреты, нет места для открытия, таким образом, ничто не удерживает внимание аудитории.
Это один из самых больших секретов написания сценария. Навык необходимо освоить и постоянно оттачивать, и если вы сумеете выполнить то, что советует Хемингуэй, вы заметно продвинетесь к тому, чтобы стать хорошим сценаристом.
Спросите себя: «Так ли необходимо персонажу передавать эту информацию?»
Дэвид Мэмет (киносценарист, лауреат Пулитцеровской премии 1984 года за пьесу «Гленгарри Глен Росс»), задающий этот вопрос, считает, что если ответ «нет», то лучше вырезать эту информацию. «Потому что вы не ставите аудиторию в такое же положение с главным героем – я пытаюсь принять это как абсолютный принцип. Я имею в виду, если я пишу не для публики, если я пишу не для того, чтобы им было легче, тогда для кого, черт возьми, я это делаю? И вы следуйте этим принципам: сокращайте, создавайте кульминацию, оставляйте экспозицию и всегда продвигайтесь к единственной цели главного героя. Это очень строгие правила, но именно они, по моему мнению и опыту, облегчают задачу аудитории».
Помните: действие говорит громче слов
«Если вы притворитесь, что персонажи не могут говорить, и напишете немое кино, вы напишите большую драму», – Дэвид Мэмет обучал этому свой писательский персонал.
Хороший диалог часто является результатом того, что сценарист не пишет ни одного диалога. Это может звучать как оксюморон, но это правда. Гораздо больше мы узнаем о персонажах через их действия и реакции.
Посмотрите, как много мы узнаем о характере Антона Чигура в его вступительной сцене в фильме «Старикам тут не место». Он безжалостный убийца, и мы узнаем это через его действия и реакции. Красота этого заключается в том, что когда герой что-то говорит — зритель его слушает, и это имеет значение.
Используя меньше диалога и фокусируясь на действиях и реакциях, сценарист усиливает существующий диалог.
Конфликт – это все
Лучший диалог исходит от двух или более персонажей в одной сцене, которые преследуют разные цели. Все очень просто. Если это присутствует почти в каждой сцене вашего сценария, диалог выскочит из страницы, и аудитория будет следить за героями, ожидая, кто победит в споре.
Конфликт – это все. Если есть конфликт, есть и история.
Аарон Соркин – американский сценарист и лауреат премий BAFTA, «Золотой глобус», «Оскар» и «Эмми» – однажды сказал: «Каждый раз, когда вы видите двух людей в комнате, несогласных друг с другом хоть в чём-то, пусть даже если речь идёт о времени дня, – это сцена, которая должна быть записана. Вот что я ищу».
Вспомогательные персонажи являются поддерживающими
Слишком часто сценаристы допускают ошибку, давая строки диалога персонажам, которые их не заслуживают.
Дэвид Мэмет однажды мудро заявил: «Без сомнения, одна из самых больших ошибок, которую я вижу у любителей, – это персонажи, которые говорят только потому что они находятся в сцене. Если персонажи говорят только потому что это написано в сценарии, сцена будет невыносимо скучной».
Каждая линия диалога в фильме должна иметь значение и продвигать историю и персонажей вперед. Пустые слова второстепенных героев отнимают у остального диалога время и ценность. Вспомогательные персонажи существуют, чтобы поддержать главных героев и историю. Если то, что они говорят, не относится к истории, это следует сократить.
Забудьте о том, что диалоги должны звучать реально
Отличный диалог в фильмах звучит не так, как мы разговариваем в жизни. Это усиленная реальность, предназначенная для передачи эмоции момента в двух-трех словах.
Внимательно послушайте популярные строки в известных фильмах.
В реальном мире мы так не разговариваем. Мы заикаемся. Мы произносим такие слова, как «эмм», «как», «ну» и т.д. Мы идем по касательной. Мы начинаем рассказ, возвращаемся назад, когда упускаем детали, начинаем снова. Если бы сценаристы писали диалоги так, как люди действительно разговаривают в реальной жизни, никто не мог бы слушать это в кинотеатре. Мы ходим на хорошие фильмы, чтобы послушать развлекательную кинематографическую поэзию.
Поэтому избегайте часто даваемых советов изучать реальные разговоры и подражать им. Да, вы хотите избежать деревянного диалога. Да, вы хотите, чтобы персонажи прерывали друг друга и говорили фрагментами, как мы часто делаем в реальной жизни. Но если вы прислушаетесь к тому, как мы действительно говорим, и сравните это с некоторыми из лучших кинематографических диалогов, вы быстро поймете, что персонажи фильма говорят в гиперреалистичном формате, приправленном развлекательной, привлекательной и иногда поэтической вспышкой. Они разговаривают с ритмом и темпом рассказа.
Мастер диалога Квентин Тарантино сказал об этом лучше всего: «Я думаю, что в моем диалоге есть немного того, что вы бы назвали музыкой или поэзией, и повторение определенных слов помогает придать ему ритм. Это просто происходит, и я просто иду с ним, ища ритм сцены».
Сценарного мастерства, как у Тарантино, Мэмета, Хемингуэя, Соркина, Филда, Коэнса и других, достичь сложно. Вам понадобится немало времени, чтобы приблизиться к тому, что они сделали в своих фильмах, пьесах и историях. Но даже выполнив небольшой процент того, что они применяют в своих работах, вы будете впереди большинства сценаристов.
Просмотрите свои написанные сценарии. Держите эти шесть секретов от мастеров в уме и подумайте, можете ли вы выйти на новый уровень со сценарием, который действительно продуман до мелочей и имеет значение.
И напоследок: если вы хотите основательнее изучить сценарное мастерство, курсы от 4Brain окажут вам в этом хорошую помощь. Например, пройдя наш курс «Скорочтение: как научиться быстро читать» вы быстрее и эффективнее осилите следующие интересные книги по сценарному мастерству:
- Сид Филд «Киносценарий: основы написания».
- Майкл Хейг «Голливудский стандарт. Как написать сценарий для кино и ТВ, который купят».
- Джон Труби «Анатомия истории. 22 шага к созданию успешного сценария».
- Александр Митта «Кино между адом и раем».
- Дэвид Троттьер «Библия сценариста».
Желаем вам успехов!
Cценарий
мастер-класса “Создание сценарного материала для постановки спектакля
с участием младших школьников»
Цели:
способствовать профессиональному развитию педагога в решении
вопроса подбора репертуара детского театра.
Задачи:
1. Актуализировать
знания об этапах создания сценария.
2. Познакомить
с методами подбора, отбора и обработки материала для сценария и его
воплощения.
3. Создать
условия для реализации режиссёрской экспликации в ходе создания
сценария сказки.
Дидактическое обеспечение мастер-класса:
раздаточные таблицы для групп, памятки по созданию сценария, сценарии
спектаклей, видеоролик о театре, варианты музыкального оформления
сказки, маркеры, фломастеры, альбомные листы.
Техническое обеспечение мастер-класса:
проектор, компьютер, колонки, экран.
Структура
и ход проведения мастер-класса.
Выделение
проблемы. Мотивация участников мастер-класса.
Просмотр видеоролика – приглашение.
«Уже в работе
сценарист, хоть белый лист пока что чист» – знакомая ситуация для многих
педагогов дополнительного образования, организаторов, учителей, работающих
самозабвенно, развивающих интеллектуально – творческий потенциал своих
воспитанников. Способности у детей разные, но в театре хотят играть многие.
Поэтому нужно для спектакля использовать такой сценарный материал, который бы
позволил раскрыть способности разных детей. К сожалению, приходится
констатировать тот факт, что не все предлагаемые сценарии отвечают потребностям
нашей театральной студии. Подбор репертуара – важнейшая составляющая в работе
с детским театром. Поэтому тему мастер – класса – “Создание сценарного материала для постановки спектакля с
участием младших школьников»- считаю актуальной. Как в рамках
театральной студии, мастерской, детского объединения
художественно-эстетической направленности создать поле для проявления
таланта каждого ребёнка? (создание сценария, где роль мог бы получить каждый)
Возникает множество вопросов: с чего начать создание сценария? Каким
образом подобрать роли для исполнителей? Как продумать музыкальное,
световое сопровождение спектакля? Какие костюмы придумать актёрам? Где
взять необходимый реквизит? Попробуем вместе ответить на эти вопросы. Итак, давайте попытаемся пройти этапы создания сценария и его
осуществления в школе вместе.
Актуализация
знаний в данной проблемной плоскости.
1. Осознание
предстоящей творческой работы как социального заказа.
Учитель,
организующий творческую деятельность детей в школе, не имеет возможности ждать,
когда к нему снизойдет вдохновение, как у писателей, поэтов, профессиональных
режиссеров и людей других творческих профессий. Все свои творческие способности,
ресурсы фантазии, ума, наблюдательности, весь свой сценарно – режиссерские
предшествующий опыт мы каждый раз «бросаем» на выполнение очередного
«социального» заказа, не дожидаясь вдохновения. Оно нас «догонит», если мы
будем творить, а не выполнять работу формально для очередной галочки в плане
воспитательных «мероприятий».
2. Учет
возможностей сценической площадки и всего места проведения театрализованного
мероприятия.
Мы должны писать сценарий не на идеальные условия, которые могли бы себе нафантазировать,
а на те, которые есть, которые являются непреложной данностью в нашей работе.
3. Учет
интеллектуальных и творческих возможностей исполнителей. Наши
исполнители – дети!!! Они не профессиональные актёры, поэтому у школьного
театра иная цель, чем у профессионального. Нельзя давать
ребенку непосильные сценические работы. Мы не имеем права наносить ему травму. Мы
просто обязаны придумать каждому ребенку такие роли, такие сценические задачи,
с которыми бы он справился хорошо. Детям в творческой работе нужен только
успех!
4. Учет
возрастных и интеллектуальных запросов и возможностей аудитории. Мы
ориентируемся на младший школьный возраст. Показ
нескольких сценариев.
5. Поиск
сценарно-режиссерского хода. Когда определены тема, идея и сверхзадача,
набран уже в какой-то мере материал и, казалось бы, можно писать сценарий,
бывает, что работа пока не ладится, словно чего-то еще не хватает. Порой даже
хороший, богатый материал и интересные творческие номера бывает трудно собрать
воедино, чтобы все держалось на каком-то едином стержне и не рассыпалось. Это
и есть сценарно-режиссёрский ход. «С идеями не носятся по сцене, — с идеями
уходят из зала»,- сказал В.В. Маяковский. Если вы как режиссёр
подобрали верный сценарно – режиссёрский ход, то ваш зритель уйдёт
из зала с идеей.
6. Драматургическая
обработка материала. На службе у организатора театрализованного
досуга состоят разные методы подбора, отбора и обработки материала для сценария
и его воплощения. Опытный организатор, сценарист и постановщик владеет как
минимум четырьмя главными методами.
1. Метод компиляции — самый распространенный в практике организаторов и
сценаристов. Латинское слово «компиляре» означает в переводе «грабить». Объяснение
этому переводу дополнительно не требуется, да и оправдываться в том, что мы
действительно зачастую пользуемся «награбленным» материалом, не стоит.
Мы компилируем свой сценарий из
чьей-то идеи, на которую набрали свой материал, или, наоборот, придумали сами и
идею, и ход, и многое другое, но материал заимствуем из книг, материалов разных
авторов и т.д. Нет ничего предосудительного в наших компилятивных действиях,
поскольку этот процесс тоже является творческим и в результате нашей
компилятивной или частично компилятивной работы все равно рождается
неповторимое произведение для конкретной нашей аудитории.
2. Метод инсценирования. Методом
инсценирования организатор школьного театрализованного досуга пользуется весьма
часто. Мы инсценируем для ребят сказки, басни, рассказы и для отдельного показа
их, и для включения небольших инсценированных фрагментов в концертах, вечерах,
конкурсно-игровых программах и т.д.
3. Метод творческого монтажа
разнородного материала. Монтаж — это сборка, стыковка друг с другом и песен, и
танцев, и документов, и выступлений реальных героев, и многого другого, что
составляет собственно ткань сценария. От того, насколько мы умело стыкуем,
присоединяем один фрагмент к другому, один материал, стараемся противопоставить
или оттенить другим, интереснее становится все действие в целом. Приемы монтажа
нужно знать и не бояться ими пользоваться. Мастерство придет со временем, но
важно начать их осваивать в своей творческой практике, тогда у каждого
организатора накопятся свои навыки.
4. Собственно драматургический
метод. Этот метод предполагает практически полную авторскую работу сценариста.
Подобранный им материал и осмысленный им по-своему он решает наделить сюжетом,
выстроить его по всем правилам драматургии, и чаще всего такие работы становятся
его пьесами для ребят, театрализованными представлениями или другими формами, в
которых присутствует сюжет.
7. Режиссура
театрализованного представления. РЕЖИССЕРСКАЯ РАЗРАБОТКА СЦЕНАРИЯ –
РЕЖИССЕРСКАЯ ЭКСПЛИКАЦИЯ. Экспликация фиксирует ответы на главные вопросы: для
чего, как, какими средствами предполагается сценически воплотить произведение в
целом и каждый его эпизод? Режиссерская экспликация на бумаге может быть
оформлена по-разному. Иногда она выглядит так: в левой части листа
располагается сценарий, а справа идет режиссерская экспликация, т.е. описание
того, что и как происходит на сцене в это время.
Иногда режиссеру удобнее работать по монтажному листу, который отражает точный
ход всего сценического произведения и предстает в табличной форме. Выданы шаблоны таблиц.
Объединения
в группы для решения проблемы. Работа с материалом.
Участники
мастер-класса объединяются в группы в зависимости от своего желания,
способностей, интересов.
1 группа
– «Драматурги». Задача группы: расписать
эпизоды, указать место действия, участников действия, характер действия.
2 группа
– «Звукорежиссёры». Задача группы: расписать
по эпизодам музыкальное и световое оформление спектакля.
3 группа:
«Художники – оформители». Задача группы: продумать
оформление сцены, реквизит, костюмы героев.
Таблица группам.
/ по сказке К.И. Чуковского «Муха –
Цокотуха»/
|
Драматический текст |
Драматурги |
Звукорежиссёры |
Художники – оформители |
|||
|
Место действия |
Характер действия |
Музыкальное оформление |
Световое оформление |
Реквизиты, оформление сцены |
Костюмы |
|
Представление
результатов работы. Обсуждение. Корректировка результатов работы.
Участники мастер-класса представляют
результаты работы своих групп, вносят корректировку.
Рефлексия.
Подведение итогов. Определение эффективности мастер-класса.
«Театр – это такая кафедра, с которой
можно сказать миру много добра»,- утверждал Н.В. Гоголь. Уважаемые
коллеги – вы во главе этой кафедры. Я приглашаю вас к подведению
итогов работы нашего мастер – класса. На сколько эффективна оказалась
работа именно для вас? Выскажите свое мнение о
мастер-классе, участником, которого вы стали сегодня. Творческая форма
рефлексии – синквейн.
Правила написания
синквейна:
- В первой строчке тема
называется одним словом (обычно существительным). - Вторая строчка – это описание
темы в двух словах (двумя прилагательными). - Третья строчка – это описание
действия в рамках этой темы тремя словами (глаголы). - Четвёртая строка – это фраза
из четырёх слов, показывающая отношение к теме (чувства одной фразой). - Пятая строка – это синоним из
одного слова, который повторяет суть темы или понятия в первой строке.
Пример заполнения
таблицы (синквейн)
|
1. |
Название |
Мастер-класс |
|
2. |
Два прилагательных, которые |
эффективный, творческий |
|
3. |
Описание действий (три глагола) |
стимулирует, направляет, обучает |
|
4. |
Фраза из четырех слов, выражающая |
свой стиль педагогической |
|
5. |
Синоним первого слова, который |
умение и опыт |
Список источников.
1. Агапова И.А. Школьный театр. – М., «ВАКО», 2006
2.
Артюхова И.С. Воспитательная работа с
подростками: занятия, игры, тесты.- М., Первое сентября, 2004.
3. Горохова
Л.А. Музыкальная и театрализованная деятельность в ДОУ.- М., 2005.
4. Опарина Н. А.. Создание
сценария и его воплощение.
Детский театральный журнал, № 1, 2011.
5. http://www.kakprosto.ru/kak-46681-kak-napisat-scenariy-meropriyatiya
