Техники рисования как найти свой

Вы только начали рисовать или рисуете уже какое-то время и задумались — а как сформировать свой стиль? Тогда эти советы могут быть вам полезны:

В определенный момент просто рисовать становится недостаточно. Хочется сделать больше — создать свой уникальный стиль, быть узнаваемым. Но как к этому прийти? Что нужно сделать, чтобы появился стиль? Делимся простыми советами и примерами других художников.

Совет 1. Выберите любимых авторов и проанализируйте их работы

У каждого уже состоявшегося художника есть свой стиль — это набор определенных «фишек», которые он использует. Например, американский художник Чак Клоуз рисует портреты через структуру сетки, которую он наносит предварительно на холст, а затем прописывает каждую ячейку абстрактными пятнами — в итоге получаются довольно реалистичные образы. Его «фишки» — сетка на всю картину, ячейки из абстрактных пятен, фотографии как исходники.

Источник: chuckclose.com

Густав Климт использовал золотой цвет в изображении фона, при этом фон делал абстрактным, а лица писал в традиционной натуралистической манере. Сочетание этих двух «фишек» и делает узнаваемым стиль художника.

Источник: ru.wikipedia.org

Сальвадор Дали часто изображал лица, фигуры и предметы «мягкими», а еще удлинял людям и зверям конечности или использовал что-то вроде костылей. Еще один важный элемент в его картинах — пейзаж как место действия большинства сюжетов.

Источник: ru.wikipedia.org

Не анализируйте всех известных и популярных художников сразу, выберите только тех, которые нравятся. Если работы художника чем-то притягивают, значит, в искусстве этого автора есть то, что близко именно вам.

Совет 2. Не критикуйте себя слишком строго

Ни один художник не начинает сразу с создания тех работ, которые делают его знаменитым. Сначала идут многие часы, дни и даже годы практики, поисков и проб пера и чаще всего все это происходит не в мыслях о славе, а в заботах о технике и материалах. Если это не секрет прихода к собственному стилю, то что еще? Рисуйте, рисуйте и еще раз рисуйте пока не набьете руку. Параллельно смотрите работы других авторов (совет 1), пробуйте новые для себя приемы, изучайте и не спешите — чем больше времени вы уделяете практике, тем быстрее и увереннее вы найдете свой стиль.

Например, художник Наталья Леонова пришла к своему стилю через любовь к технике пастели, в которой она много практиковалась.

Работа Натальи Леоновой.

Совет 3. Анализируйте собственные работы

В поисках стиля не нужно ходить далеко, он уже есть в ваших собственных произведениях. После того, как вы создали достаточно работ, проанализируйте их. Уберите подальше самокритику и уж тем более сравнение с известными художниками и объективно взгляните на то, что вы сделали. Прежде всего, стоит выделить то, что вам нравится рисовать — это вы наверняка смогли понять в ходе практики. Портреты, пейзажи или предметы? А может, фантастические сюжеты?

Обратите внимание на то, как вам нравится рисовать — реалистично, абстрактно, в технике гризайль, акварелью или пастелью. Далее, присмотритесь к собственным возможным «фишкам» — они порой появляются случайно, на подсознательном уровне. Например, в портретах вы все это время делали большие глаза, а в пейзаже выбирали одно и то же время суток — закат или рассвет.

Фото: unsplash.com

Совет 4. Добавьте «фишки» в свои работы

Если на подсознательном уровне в процессе практики никаких фишек не образовалось, создайте их искусственно, из обстоятельств, извне. Например, Ван Гог рисовал желтым цветом, потому что это была самая доступная на тот момент краска, а еще, по одной из версий, у него были проблемы с распознаванием цветов. А Иван Айвазовский не прославился бы, если бы не жил на берегу моря и не рисовал его изо дня в день.

Фишка — это все равно что особенность, определенная деталь в картине, которая становится тем ярче и заметнее, чем чаще будет ее использовать художник.

Главное — регулярность. Чтобы стиль был ярко выражен, нужно применять выбранную «фишку» или несколько фишек в рисовании к большинству своих работ.

Можно привести пример из мира моды и стиля. Если вы выйдете в свет в яркой красной шляпе один раз — вы произведете однодневное впечатление. А чтобы вас запомнили надолго, вы должны ходить с таким головным убором каждый день. В картинах и рисунках точно так же — просто попробуйте рисовать раз за разом что-то одно, например, как итальянский художник Джорджо Моранди, который известен своими нежно-бежевыми натюрмортами с простейшими предметами бытовой утвари, которые находились у него всегда под рукой.

Источник: pushkinmuseum.art

Помните, что выработать яркие «фишки» или особенности вашего стиля недостаточно. Для того чтобы стиль запомнили, нужно все время демонстрировать свои произведения публике — участвовать в выставках, выкладывать работы в социальных сетях.

Поделитесь, есть ли у вас собственный стиль?

Если статья вам понравилась, то поставьте лайк, напишите комментарий и подпишитесь на канал школы Художник Онлайн 💜

#искусство #рисование для начинающих #рисование #лайфхаки рисование #живопись #уроки рисования #советы по рисованию #рисунок #арт #советы художнику

Источник

#статьи

18 май 2022
0

Стили рисунков

Рассказываем о 19 главных стилях и их основных чертах.

Фото: Jupiterimages / Getty Images

Всюду ищет великую красоту, работает над разумностью потребления.

Манера, в которой художник создал образ предмета и то, как он выразил своё видение, определяют стиль рисунка.

Умение ориентироваться в разных стилях поможет воплощать свои идеи в жизнь, ведь каждое направление доносит сообщение с определённой интонацией.

В этой статье мы разберём и покажем:

восемь стилей с разной техникой,
шесть стилей из разных профессий,
пять стилей, которые по-своему доносят идею автора.

Технику определяют по тому, как художник работал с формой и элементами, цветом, композицией, как передал анатомию человека или животного.

Скетч — это быстрый рисунок без подробных деталей. Его выполняют, чтобы, например, зарисовать ситуацию, обстановку, показать концепт или идею.

Чаще всего скетчи рисуют ручкой, карандашом, углём, пастелью, маркерами или брашпенами.

Скетч фигуры человека на улице Иерусалима сделан в цифровом формате, но выглядит как рисунок тушью от руки
Изображение: CaleshCalesh / Shutterstock

С английского doodle переводится как «каракули», и это отражает характер стиля. Дудлы — это рисунки с произвольной композицией и множеством деталей. На них может быть изображено что-то конкретное или абстрактное.

Для дудлинга часто используют маркеры.

Обложка календаря. Образы на поверхности расположены плотно — так требует стиль дудлинга
Изображение: Varvara Nevzorova / Behance

К этому стилю относят натюрморты, портреты и пейзажи, сделанные непрерывными линиями одного цвета. В таких рисунках нет штриховки, теней и цветов: объём и фактура предметов возникают благодаря толщине и яркости линий.

Для линейного рисования подходит графитовый карандаш, перо, ручка или маркер чёрного цвета.

Натюрморт. Гипсовая маска нарисована одной линией
Изображение: Полина Шутова / «Простая школа»

На рисунках в геометрическом стиле изображения состоят из многоугольников. Это могут быть портреты людей, животные или узоры — все они выглядят как сложные «просчитанные» конструкции.

Для такого рисования подходят карандаши, ручки и чертёжные инструменты — линеры или рапидографы.

Фигура кролика в геометрическом стиле
Изображение: NabillaJKT / Shutterstock

Рисунки в реалистичном стиле показывают действительность максимально точно. Художники копируют форму предмета и его детали, много работают со штриховкой и тоном — чтобы придать изображению объём.

Тени в реалистичных рисунках удобно прорабатывать графитовыми карандашами.

Реалистичные рисунки ароматных трав
Изображение: Bodor Tivadar / Shutterstock

Рисунки в гиперреалистичном стиле легко спутать с фотографиями — настолько точно, детализированно и объёмно они выглядят. От реалистичных изображений их отличает ещё более тщательная проработка теней и отражений.

Рисунки делают простыми или цветными карандашами, акрилом или акварелью.

Портрет в гиперреалистичном стиле. Из-за отблеска солнца на коже кажется, что это чёрно-белая фотография
Изображение: Dirk Dzimirsky

На рисунках художник показывает не точный образ человека или животного, а его характер. Как правило, пропорции лиц и тел людей, зверей утрированы: например, в стилях аниме и манги у людей очень маленькие нос и губы, а скулы — широкие.

Для рисования подойдут любые средства.

Сцена в мультяшном стиле
Изображение: Emil Paun / Dribbble

Основа типографических рисунков — надписи и буквы. Каллиграфически или свободно выведенные рукописные шрифты заполняют формы предметов как узоры. Этот стиль тесно связан с леттерингом.

Рисунки можно делать любыми инструментами, но, чтобы линии были точными, часто используют перья, тушь или маркеры.

Флакон туши нарисован узором из слов на малаяльском языке — он распространён на юго-западе Индии
Изображение: Vishnu K V / Behance

Рисунки используют для разных рабочих задач: например, чтобы учиться, показывать научные находки или фиксировать факты. Эти задачи и определяют стиль рисования.

Академический, или классический, стиль — это основа художественного и архитектурного образования. Благодаря ему учащиеся изучают принципы построения простых и сложных форм, развивают образное мышление и навыки работы с тональностью и объёмом.

Как правило, учебные академические рисунки делают простым карандашом.

Самый распространённый объект академических рисунков — гипсовая голова античной скульптуры
Изображение: Paula Julija Savaja / Behance

Диаграмматические рисунки показывают устройство объекта, план или схему процесса. Задача изображения — продемонстрировать и объяснить связи между частями целого. Рисунки в диаграмматическом стиле нужны в науке и образовании, инженерии и промышленном дизайне. Они могут точно воспроизводить все детали предмета или, наоборот, быть схематичными, а у отдельных частей будут подписи и объяснения.

Как правило, диаграмматические рисунки делают ручками и карандашами. Их могут также рисовать мелом или маркером на доске.

Диаграмматический рисунок «центра души в трёх желудочках мозга» Леонардо да Винчи
Изображение: Public Domain

На технических рисунках изображают объекты в их реальных пропорциях, чтобы показать идею дизайна. Такую графику делают до того, как создать конструкторские чертежи: она помогает визуализировать будущую деталь машины, предмет одежды или интерьер и, если нужно, улучшить концепт.

В техническом рисовании не используют сложные чертёжные инструменты: проекции и объёмы строят от руки карандашом или линером. Если надо показать цветовые решения — берут акварель.

Концепт крепости от агентства Instinct для IKEA: по этому техническому рисунку понятно, что должно получиться из диванных подушек, простыни, покрывала и прищепок
Изображение: IKEA

На архитектурных рисунках изображают будущие или существующие здания. Благодаря таким иллюстрациям можно понять эстетику, основные акцентные черты и положение сооружения в окружающей среде.

Архитектурное рисование ближе к сдержанному скетчингу, чем к точному черчению: его выполняют любыми графическими средствами — маркерами, карандашами, углём, акварелью, тушью.

Рисунок термального комплекса в Сиди-Харазем, Марокко
Изображение: gkatz / Shutterstock

В индустрии моды дизайнеры рисуют одежду и аксессуары на удлинённых и угловатых человеческих фигурах. Рисунки выглядят схематично, ярко и при этом воздушно. Главный акцент — на фактуре и складках текстиля, на цветах, узорах и основных деталях образа.

Для рисования в fashion-стиле можно брать акрил, акварель и маркеры.

Изображение: Monika Misiak / Behance

Из-за запрета фото- и видеосъёмки в залах суда появился особый вид рисунков — судебные скетчи. Как правило, с их помощью художники фиксируют динамику процесса и настроение участников. Авторы документируют обстановку очень быстро, не тщательно, композиция иногда объединяет сразу несколько сцен.

Чтобы рисовать судебные скетчи, нужны пастельные карандаши или уголь.

Изображение: Wikimedia Commons

Визуальное повествование, как и устное, можно строить иносказательно или прямолинейно, в формате сказки или сатиры. И то, как автор хочет донести до зрителя сюжет, определяет стиль рисунка.

Если рисунки не показывают объекты реального мира, а выражают идею, атмосферу или характер героя через линии, цвет, светотени, текстуры — это абстрактный стиль. Такое рисование ещё называют беспредметным или нефигуративным.

Можно использовать любые материалы и инструменты, которые помогают выразить идею.

Серия работ о природных текстурах. Автор подкладывал под листы бумаги натуральные материалы и воспроизводил линии и объём графитовыми карандашами
Изображение: Bogdan Katsuba / Behance

Рисунки в фантазийном стиле лёгкие, беззаботные, сюжет в них — сказочный. Изображения могут быть детализированными или, наоборот, максимально упрощёнными, яркими или пастельными. Художник может довольно точно воспроизводить реальные объекты, но в них обязательно будут выдуманные элементы. Этот стиль часто используют в иллюстрациях детских книг.

Применять стоит «воздушные» материалы: акварель, цветные карандаши, пастель.

Писатель Курт Воннегут нарисовал эту картинку ручкой и фломастерами
Изображение: Курт Воннегут / The Monacelli Press

Рисунки в наивном, или примитивном, стиле — это упрощённые образы и незатейливые сюжеты. В них искажённая перспектива, будто у изображения только один план. Детали прорисованы равномерно во всей композиции, а светотеней и тонкой проработки объёма нет.

Наивный стиль требует чётких контуров, поэтому для него подойдёт акрил, масляная пастель, карандаши и гуашь.

Рисунок кота масляной пастелью: нет проработки мелких деталей, и фон не выглядит вторым планом
Изображение: Justas Jelisejevas / Behance

В рисунках в карикатурном стиле утрирована мимика людей, нет детализации. В основе сюжета всегда социальная или политическая проблема, а герои характерны или известны в обществе. Автор рисунка выражает свою идею через юмор, сатиру и преувеличение.

Обычно карикатурные рисунки монохромные, и их делают тушью.

Кукрыниксы, «Ненаглядное пособие». На карикатурном рисунке сцена с татуированным моряком и удивлённым ребёнком
Изображение: Пермская художественная галерея

Рисунки в «плохом», или «детском», стиле выглядят так, будто автор ничего не знает о технике, правилах анатомии и законах построения перспективы. Их сюжеты могут быть банальными или странными, композиции — незатейливыми, а цвета — яркими и «плоскими». Автор плохого рисунка экспрессивно передаёт свою идею через отрицание конформной эстетики и кажущееся дилетантство.

Рисовать лучше всего «детскими» материалами: цветными карандашами, гуашью, фломастерами.

Рисунок из серии The Bad Girl Луизы Буржуа — знаменитой авторки скульптур и графики
Изображение: Луиза Буржуа / The Museum of Modern Art

Научитесь: Профессия Коммерческий иллюстратор
Узнать больше

Источник

Download Article

When it comes to your artwork, your style changes and develops as you grow as an artist. To find your own art style, learn the basics of whatever type of art you practice, such as painting, drawing, sculpture, or printmaking. Make lots and lots of artwork, and then take a step back and look for similarities present in all of them. Once you see which elements tends to pop up in all of your pieces, you’ve found your style.

1

Explore different artistic genres for style inspiration.^[1] Begin looking through different examples of art to find styles that you’re interested in replicating or learning from. You can do this by doing an online search, looking through art books, reading articles about up-and-coming artists, or visiting art museums.^[2]
2
Study individual artists whose style you admire. Once you’ve explored different kinds of art, pick out artists with unique styles that you really like to become your “style mentors.” Research this artist to find out more about their work process, where they gather inspiration, and the methods and tools they use to create new pieces.^[3]
- Study a large collection of art from one specific artist to understand the similarities between each of their pieces.
- Look to see if the artist has a social media site where they upload videos or posts about their work or methods.

1
Combine your favorite elements from other artists into your own art. Once you find artwork that you’re passionate about, start practicing replicating the work. You shouldn’t copy the artist’s work exactly, but choose elements that you like most and incorporate them into your own art so that you begin learning the technique.^[4]
- For example, if you find another artist’s nature drawings that you admire and want to create your own nature drawings, use the artist’s work as a guide and practice drawing mountains, trees, or bodies of water similar to their work.
- Draw inspiration, but do not try to copy other artists.^[5]
2
Hone your interest in a specific type of art. Choose a medium that you truly love and focus your energy into delving deeply into all of its possibilities. While you can always play around with different mediums, picking one type of art, whether it’s painting, drawing, sculpture, ceramics, or another type, will help you develop a specific style more efficiently.^[6]
- Feel free to try out different types of art until you find one you love.
- For example, you can explore painting by studying color theory, creating work in black and white vs. in full color, and trying a wide range of subject matter such as still lives, the human form, and abstraction.

1
Master the basic technical skills you need before worrying about style. Before you dive into your own unique style, it’s important to set the groundwork. Study things such as how colors combine to make intriguing works of art and how light works, as well as the basics of your intended type of art.^[7]
- If you’re into drawing, practice drawing anatomy and still lifes.
- If you want to develop your own style of pottery, begin by making a simple bowl or vase.
- Try new materials, subject matter, colors, compositions. Experiment as much as possible!^[8]
2
Challenge yourself by always trying new methods. Try to step out of your comfort zone and test out new ways of creating your art. Use different materials, create on both a large and small scale, and study lots of different subject matter. This will help you figure out which methods you love most.^[9]
- For example, create sculptures out of clay, wire, metal, paper mache, and any other material you find.
- Practice drawing using a single stroke without taking your pencil off the page, and then practice using small, tight strokes.
- Paint on super tiny canvases as well as canvases stretching 3–4 feet (36–48 in).
3

Embrace your mistakes. If you’re working on a piece of art and do something like make a wrong brushstroke or mess up your clay sculpture, see what you can create out of the mistake instead of casting it aside. Mistakes often lead to the discovery of new techniques or methods, and they might even help improve your style.^[10]
4
Learn from constructive criticism. It’s helpful to show your artwork to others as you create it to see what they think. Ask a friend, family member, or even someone you don’t know well to look at your art and give you helpful feedback. Listen to what they have to say and use it to help you improve your art.
- For example, if you show your illustrations to someone and they say they’re a bit 2-dimensional, work on making your art more 3-dimensional.
- Ask the person questions like, “What does this piece of art remind you of?” or “Which elements of this artwork are working and which do you think need improvement?”

1
Follow a passion in your artwork. Find something you’re curious about, want to explore, or wish to advocate for and use this interest as a basis for your artwork. This will help give your artwork a specific direction and focus, allowing you to use your voice as an artist to develop your own style.^[11]
- For example, if you love the ocean and are passionate about marine life, study the shapes and colors of the waves and mimic this movement in your artwork.
2
Pay attention to which elements continuously appear in your own art. Once you’ve created at least 10-15 pieces of artwork, take a step back and look for similarities between them.^[12] Which colors, textures, themes, and techniques tend to show up the most? These are things that indicate your specific style as an artist.^[13]
- For example, maybe all of your work tends to stay in the same color scheme, or you use very fluid brush strokes as opposed to straight, rigid ones.
- Perhaps you find yourself wanting to only draw realistic urban cityscapes or mostly create sculptures representing an issue in the environment.
3
Explore the recurring elements more deeply to progress as an artist.^[14] After you’ve recognized which things reappear in each of your pieces, practice developing those elements into more advanced pieces. You can do this by trying out different alterations of the elements, finding other renditions of your style that you also like.^[15]
- For example, if you’ve noticed that you create prints consisting of lots of simple shapes, try arranging the simple shapes in a pattern or obscuring them in some way.
4
Practice developing your style every day by making lots of art. The best way to develop your style is to make art every single day, or at least a few times a week. Finding your art style is a process, and the only way it will emerge is if you’re constantly creating and trying new things.^[16]
- Try to put aside 30 minutes to an hour each day to create art, whether it’s sketching right before bedtime or practicing mixing certain paint colors.
5
Avoid limiting yourself to one type of style. Your style will likely change and evolve as you grow as an artist, so try not to box yourself into one idea or style. Don’t think too much about making art that fits with your specific style and instead just let your art evolve naturally.^[17]
- For example, if you’ve developed a style of painting that mostly only uses bold colors, don’t be afraid to incorporate small amounts of black and white into your artwork to see how it looks.

Add New Question

Question

I really like cartoony styles, but I am not good at it. Can you help?

Houndsplash

Community Answer

A cartoony style is known as a ‘stylized’ art style, and is essentially taking realism, and going the opposite. Look at cartoons like SpongeBob or The Loud House, and notice how they have simple shapes and don’t have a lot of detail.

Ask a Question

200 characters left

Include your email address to get a message when this question is answered.

Submit

References

About This Article

Article SummaryX

You can find your own artistic style by taking note of elements and stylistic choices that appear in your work so you can refine them. Find multiple pieces of your artwork so you can take a step back and look for similarities in them such as color palettes, themes, or techniques like brush strokes. To make your art more personal, choose subjects that you’re passionate about to allow yourself to use your voice as an artist. For instance, if you love nature and animals, you can focus on landscapes that capture your imagination. In addition to finding recurring stylistic choices that you make, practice your art regularly to develop your style. Aim to make art at least a few times a week. For tips about how to try new artistic methods and mediums, keep reading!

Did this summary help you?

Thanks to all authors for creating a page that has been read 85,766 times.

Reader Success Stories

“This helped me be more creative.”

Did this article help you?

Источник

Обязательно ли автору перед продажей работ разрабатывать фирменный стиль? Я так не считаю. Можно привести в пример множество художников, зарабатывающих на жизнь отнюдь не запоминающимися и уникальными иллюстрациями, но это вряд ли убедит читателей. Вы останетесь уверены в том, что заниматься продажами можно только с оригинальным почерком, поэтому не стоит тратить время на приведение аргументов — лучше показать, как разработать фирменный стиль. Его наличие желательно, оно действительно увеличивает шансы продать работу, но жизненной необходимости в нем нет.

Экспериментируя, я нашел способ, о котором сейчас расскажу. Во всех ресурсах сказано, что на разработку собственного стиля требуются годы, но найти пошаговую инструкцию к его созданию не представлялось возможным. Попадалось множество постов с заголовками «Как найти свой фирменный стиль», но ни один фактически не раскрывал секрета. Они пестрели советами в стиле «не бросай рисовать» или «найди то, что пробудит в тебе страсть к рисованию». Да, это хорошие советы, но мне нужен был по-настоящему действенный план и следом за ним желаемые результаты. В конце концов я нашел способ сам, и с тех пор у меня есть пошаговый план — помощь тысячам художников найти свой стиль, который идеально им подойдет и сможет развиваться в течение их деятельности. Это действительно работает, вам всего лишь нужно следовать инструкции.

В создании фирменного художественного стиля нет магии и мистики. Стиль, как и все в процессе создания иллюстрации, приходит естественно. Процесс его формирования не заберет вечность: стиль — это результат труда, получаемый максимум за неделю.

Давайте приступим.

Вам следует очень точно придерживаться моих советов и игнорировать соблазн сжульничать и забежать вперед или охватить больше, чем я советую. Пожалуйста, не делайте так. Следуя всем шагам и делая осознанный выбор, ваш оригинальный почерк проявится в первой же созданной иллюстрации.

И последнее, прежде чем мы начнем. Сейчас считается, что для разработки персонального стиля необходимо выполнить творческие усилия, так что вам может помочь мое определение творчества. Как только мы уберем в сторону творческую часть, вы сможете следовать плану и добиваться желаемых результатов.

Творчество — это умение собирать новое из привычного нам старого.

Запомните это определение — и приступайте.

Шаг 1: Найдите трех художников или три стиля, которые вызывают сильные эмоции

С этого и начнем. Возьмите за пример три любимых художника, стиля или арт-объекта. Ими могут быть кто угодно и что угодно, даже нечто трехмерное — скульптуры, куклы, игрушки, но обязательно выбрать хотя бы два двухмерных стиля. Например, можете выбрать троих художников с различными стилями, или три иллюстрации разного характера, или же направления — Импрессионизм, Маньеризм и т.д.
Выбранные художники должны максимально отличаться друг от друга.

И, конечно же, самое важное на этой стадии — отобрать художников, чьими работами вы действительно восхищаетесь, стиль которых в самом деле приносит визуальное наслаждение. Любите по-настоящему то, что вы выбрали, но не забывайте — больше трех выбирать нельзя.

Шаг 2: Выберите картинку, которая лучше всего отражает выбор в шаге 1

Для многих второй шаг означает некоторые трудности. Выберите картину, иллюстрацию или фото, которые лучше всего отражают выбор в шаге 1. Например, ваш выбор пал на Андрея Кавасаки (Audrey Kawasaki). Остановитесь на той его работе, которая нравится вам больше. Или, скажем, вы выбрали аниме-стиль — найдите любимый рисунок из этой области.

Знаю, это сложно, ведь хороших работ, из которых можно выбирать, огромное количество. Но это важно, так что не жульничать — выберите по одной картинке на каждого исполнителя, стиль или 3D-объект. Не спешите и выберите то, что вам действительно нравится, такую картину, которую вы бы купили и повесили в своем доме.

Шаг 3: Проанализируйте каждую из картинок из шага 2

Второй шаг заставил вас поломать голову? Пристегните ремни, самое сложное еще впереди. Третья часть самая сложная, и именно ей большинство не уделяет достаточно времени. Этот шаг важен для получения желаемого результата, поэтому искренне прошу — найдите время для его качественного выполнения.

Теперь о том, что значит качественное выполнение. Серьезно отнеситесь к анализу картинок: возьмите ручку и бумагу и запишите свои наблюдения. В каждой работе должна быть одна ключевая деталь, влияющая на общее восприятие картинки, либо изюминка, выделяющая работу среди прочих. Найдите такие детали, проанализируйте и запишите.

Задайтесь вопросом: что первым обратило на себя ваше внимание? Почему именно эта деталь завладела вашим вниманием? Как именно эта деталь используется в рисунке?

Неверных наблюдений не существует, не справиться с заданием можно только если вы поскупились на наблюдения.

Подходите к заданию творчески. Выбирая художника-фигуративиста, не пишите лишь то, что вам нравится его подход к изображению объекта. Этой информации недостаточно! Нужно понять, почему вам нравится этот подход. Что заставило вас выбрать именно этого фигуративиста и обойти вниманием прочих? Предметы в его работе реалистичны или стилизованы? Картина навевает мысли о сильном и властном или о нежном и хрупком? Художник использует жирный контур или не использует контур вообще? Объекты смело освещены резким светом и тенями или еле-еле видны на картине?

Может, вас восхитят не нарисованные образы, а выбранные художником цвета. Почему они особенные? Эти цвета светлые и яркие или приглушенные и мрачные? Использовал ли художник различные оттенки или большинство оттенков из одной цветовой гаммы? Это вопросы, ответы на которые важно получить.

Для каждой картинки следует посвятить по абзацу на описание важных деталей. Неплохо было бы написать больше одного абзаца или даже целую страницу, но любой результат удовлетворителен.

Готов поспорить, что сейчас ваши головы полны возражений. Может быть, вы считаете, что недостаточно хорошо владеете словом, или сомневаетесь в том, что знаете об искусстве достаточно, чтобы делать хорошие наблюдения, или же просто чувствуете, что обладаете скудным словарным запасом. Однако это не играет никакой роли, ведь никто проведенной вами работы не увидит, а значит не важно то, получали вы Пулитцеровскую премию или нет. Чем проще, тем лучше, и не обязательно считаться гуру в истории искусства, чтобы понять, что вам нравится. Не обязательно свободно оперировать многоэтажными художественными терминами, важно лишь знать, почему вам нравится то, что вы выбираете. Не утверждаю, что это просто — ничто не дается легко. Не спешите и рассмотрите в деталях каждую работу.

Умение проводить подобный анализ может иметь большое значение для профессионального роста. Можете вспомнить мой комментарий в блоге под постом «Готов ли ты начать продавать свои иллюстрации, выполненные маркерами Сopic?» (Are You Ready to Start Selling Your Copic Marker Art?) про то, что сбыт работ и обсуждение работ — это одно и то же. У большинства художников появляются проблемы с продажей именно по причине неумения говорить о своих работах. Они не умеют этого делать, потому что не умеют говорить о художественных произведениях в целом. Когда вы не умеете объяснять что-то конкретное, людям становится сложно это понять. Никто не любит то, что не понимает.

Уделите этому шагу достаточно времени, и вы научитесь анализировать искусство и говорить о нем, а значит сможете применять эти умения к собственным работам. Чем больше вы говорите о том, что создаете, тем лучше оно будет продаваться.

Шаг 4: Объедините художественные элементы из шага 3 в собственный оригинальный рисунок

Теперь поможет мое определение творчества. В шаге 4 требуется соединить детали, тщательно выбранные на предыдущем этапе, и получить собственный оригинальный рисунок. Внесу ясность: вы не работаете с главными объектами выбранных картинок, вы сочетаете зацепившие вас детали. Сюжетом работы должно стать то, что вы чаще всего рисуете. Рисуйте любимые сюжеты и предметы.

Допустим, главным персонажем ваших работ является герой комиксов, но ваш стиль не выделяет его среди персонажей прочих авторов. До этого момента вы рисовали в стиле любимого автора комиксов, но сейчас вы ищите собственный стиль. Вы решили нарисовать героя А.

Тут вам и пригодится работа, проделанная в третьем пункте. Скажем, вы поняли, что вам нравится контур художника Х, яркая цветовая гамма художника Y и похожий на стиль Рембранта почерк художника Z, смелая игра светотени. Начинайте рисовать персонажа А с набросков, так же как и всегда. Приведите его в порядок и выполните контур в стиле художника Х. Используйте насыщенные цвета Y и выразительную светотень Z.

По окончанию работы родится уникальный, не использованный никем стиль. Он будет узнаваем как ваш, потому что сохранены прежние пропорции тела и рисовка персонажа — главная концепция персонажа. Он уникален за счет сделанного выбора. Даже если два человека выберут одинаковых художников и одинаковые стили, они по-разному внедрят отобранные детали в работы и, следовательно, получат уникальные работы.

Что действительно интересно в описанном подходе, так это возможность мгновенно отличиться от большинства, но при этом сохранить то характерное, что привыкли видеть в ваших старых работах. Рисунок выйдет новым, но знакомым; уникальным, но узнаваемым. Он не будет непринятой в искусстве белой вороной (как творчество Ван Гога), но и не получится настолько знакомым, что при взгляде на него покажется, что вы уже видели подобное. Вы будете удивлены тем, как многие отметят в вашей работе схожесть со стилем их любимых авторов. Другие люди подчеркнут уникальность вашего стиля и признаются, что он им близок.

Мой метод разработки фирменного стиля действительно работает.

Так как вы выбираете каждую деталь тщательно и сознательно, новый стиль подойдет вам как личности и продолжит развиваться вместе с вашей техникой. Чем больше вы будете рисовать, тем быстрее стиль будет совершенствоваться. Через несколько лет сможете заметить, что почерк изменился коренным образом. Но за счет наличия хорошо подготовленного базового стиля изменения останутся естественными, не выбивающимися из общей картины.

Попробуйте и посмотрите, что получится. Не нужно быть гением, чтобы найти свой стиль, так что я с нетерпением жду ваших результатов.

Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании – видео

Поделиться статьей:

Источник

УЗНАЙТЕ, КАКАЯ ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ ПОДХОДИТ ИМЕННО ВАМ

Ура! Наконец-то вы решили начать заняться творчеством! Или может вы уже многое испропобовали, но так и не определились? Решить – решили, но никак не можете понять, какое направление подойдет именно вам. Предлагаем исправить эту ситуацию.

Конечно, вы можете поэкспериментировать и записаться и пройтина ознакомительные уроки в разные школы рисования. Но, сами понимаете, все это занимает время и все это стоит денег. Чтобы сэкономить по всем фронтам, предлагаем вам пройти наш тест.

Ответьте на 10 несложных вопросов и поймите, какая техника рисования идеально подойдет именно вам.

Начало теста:

Что вы представляете, когда слышите слово “рисование”?

Варианты ответов:

Человек с холодным, но воодухотворенным лицом пишет картину под руководством своего мастера. Он сосредоточен и внимателен
10 человек пишут красивый пейзаж на пленере под жарким солнцем, сидя где-нибудь на высоком берегу р. Волги. Им жарко, но они счастливы
Человек в какой-то невероятной технике рисует очень быстро и у него получаются очень красивые пейзажи. Со стороны выглядит, будто ему очень легко
Старый художник с седой бородой и с беретом на голове рисует портреты прохожих на городских улицах. Он добрый и улыбчивый старик.

Чем вы любили рисовать в детстве или юности?

Варианты ответов:

Пробовала заниматься батиком
Я пробовала заниматься всем. Никак не могла понять, что нравится больше
В школе нравилось рисовать гуашью/акварелью пейзажи
Нравилось рисовать карандашом

В какой момент вы поняли, что вам пора заняться творчеством?

Варианты ответов:

Когда увидела работы своей подруги, научившейся недавно рисовать
Когда дети пошутили, что их мамочка не может помочь нарисовать им даже кота
Когда стала чувствовать, что утопаю в рутине и нет сил сделать дни разнообразными
Когда узнала, что такое правополушарное рисование

Что может помешать вам начать рисовать?

Варианты ответов:

Не знаю с чего начать
Нехватка времени (не могу выделить даже часа)
Рабочий график
Нет таланта
Дорогие материалы / недоступные материалы

Картина какой знаменитости вызывает у вас больший восторг и восхищение?

Варианты ответов:

Что вы захотите научиться рисовать, в первую очередь?

Варианты ответов:

Цветы
Красивый пейзаж
Натюрморт
Архитектуру
Портрет

В занятиях для меня важнее всего эти нюансы:

Варианты ответов:

Чтобы была приятная атмосфера и играла релаксирующая музыка
Чтобы мастер четко и понятно говорил и показывал как/что делать
Чтобы через несколько занятий я уже сама могла рисовать
Чтобы на занятиях не было скучно
Мне важно, что бы мне мастер помогал

После какой фразы мастера вы поймете, что он – настоящий профессионал своего дела и вам с ним комфортно?

Варианты ответов:

Во время рисования не забывайте концентрироваться, ваш мозг должен привыкнуть к логической работе, научиться синхронизировать видимое глазом и рисуемое рукой
Обозначьте силуэт и основные тоновые пятна. Здесь лучше сделать цветовой и плотный мазок, но в тоже время создавая легкий эффект прозрачного… вот так. Не забываем про степень освещения и влияние локального тона. А здесь можно позволить себе перехлест жеста для создания эффекта движения в картине.
Сегодня у нас будет классный урок, будем расширять наши творческие границы через тактильное общения с красками, почувствуйте кайф и свободу движения в каждом мазке
Заметьте, как во время рисования, создавая внешнюю гармонию рисунка, Вы обретаете внутреннюю гармонию и после занятия возникает ощущение энергетического баланса
Сейчас дадим отдохнуть нашей логике! Начинаем подготовку основы своей работы с грунтовки листа: берем большую кисть и окунаем ее в белую краску, и широкими мазками грунтуем свой лист, заходя за его заграницы

Давайте помечтаем: что вы хотите уметь рисовать, пройдя курс:

Варианты ответов:

Я хочу научиться видеть образы и синхронизировать видимое глазом и рисуемое рукой
Все равно что, лишь бы получалось красиво
Любой пейзаж с натуры или с фото..не важно
Пейзажи, портреты, натюрморты…. Все хочу!!!

Какое высказывание о рисовании вам ближе?

Варианты ответов:

Все люди умеют рисовать. Просто кто-то об этом еще не знает. Так устроена система воспитания в нашем мире, которая поощряет развитие логического мышления и очень мало внимания уделяет интуитивному творческому развитию личности.
Самое важное в рисовании – не техника рисования карандашом, гуашью, акварелью, маслом, тушью, пастелью и др. Самое важное – это сесть за стол, открыть краски и начать заниматься
Я сторонник академической школы — наброски, постановки, пропорции… Мне кажется, надо начинать с азов. Не с видео «Как нарисовать героя фильма “Люди Х” в лыжном костюме за 2 часа», а с понятия форм, геометрических фигур и света.
Человек, занимающийся творчеством – счастливым человек. Если вы будете заниматься творчеством и будете уделять этому время на постоянной основе, то будете таким же счастливым, независимо от возраста
Абсолютно нерисующих людей нет. Есть обстоятельства — родители, учителя, общество, которые создают ситуации «неуспеха». Человек просто начинает о себе слишком плохо думать.
Нет ничего лучше, чем просматривать мастер-классы по рисованию. В Сети много материалов такого рода: начиная с основ до серьезных работ.
1. Рисование – это 1% таланта и 99% практики
Рисование — это самовыражение, другая реальность. Словами описать ощущения очень сложно. Каждый человек имеет свою историю. Иногда она трагичная, иногда радостная, но самое главное — найти в себе силы начать. Как ни странно, самое сложное не научиться рисовать, а начать, выйти из зоны комфорта.
Чтобы научиться шить, нужно шить, чтобы научиться водить машину — водить машину, чтобы научиться готовить — готовить. Так же с рисунком: чтобы научиться рисовать, нужно рисовать. Лучше учиться с преподавателем, который может что-то показать, подсказать, похвалить, — это очень важно!